Cierre de Inscripciones

Cursos de Música ONLINE

Este 24 DE OCTUBRE, Musinetwork cierra sus inscripciones correspondientes al Ciclo OCTUBRE-DICIEMBRE. A todos los estudiantes que ya son parte  de nuestra comunidad les damos la más cordial bienvenida, y a los que no, los invitamos que se unan y se atrevan a vivir la experiencia de estudiar música ONLINE.

Musinetwork School fo Music cuenta con programa académico en línea, donde los estudiantes logran reconocer la música  desde su lugar de origen para que así, logren expresar su forma de pensamiento y comprendan los distintos conceptos musicales.

Nuestra metodología es tan accesible que te permite actualizarte  de manera fácil y rápida. De igual forma, la flexibilidad de horario comprende tus múltiples actividades que realizas a lo largo del día, brindándote la facilidad de revisar tu material escolar la veces que desees y a la hora que más te convenga. Por último, nuestra forma de estudio te permite conocer a alumnos, compositores y profesores de todo el mundo.

La mejor calidad de estudios de música ONLINE, en un solo lugar.

¡Aun estás a tiempo! Únete y se parte de nuestra Comunidad.

 

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Gaceta Musinetwork #1: Descarga Gratuita


 

En un esfuerzo de abrir los espacios idóneos y públicos para la información, opinión y discusión de temáticas musicales, Musinetwork School of Music ha creado Gaceta Musinetwork, una publicación mensual que contará con la participación de toda Comunidad académica y estudiantil.

Gaceta Musinetwork promete ser el espacio de difusión más importante de nuestra escuela, donde la actualización y el intercambio de información sean las prioridades.

Presentando nuestro primer número “El Sonido del Rock en Latinoamérica”, donde se abordaron diferentes temáticas concernientes a este género musical adoptado desde hace ya varios años en los países de habla hispana. Asimismo, esta edición expone diversos puntos de vista y recomendaciones discográficas que ayudan a comprender y revalorar este movimiento musical en nuestra región.

Los invitamos a descargar de manera totalmente gratuita este número que hemos preparado con todo esfuerzo y entusiasmo esperando que sea de su agrado. De las misma manera, los invitamos a formar parte de este proyecto al escribirnos y compartir sus opiniones.

Para descargarla haz click aquí>>>

 http://www.musinetwork.com/boletines/noticia/gaceta/junio-2013/gaceta-junio-2013.pdf

 

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El impacto del E Learning en Latinoamérica y España

 

 

La expansión del uso del Internet en el mundo y el desarrollo cada vez más apresurado de nuevas tecnologías ha traído como consecuencia el planteamiento de nuevos modelos educativos, como en el caso del E Learning.

Aunque el concepto de la educación a distancia encontró sus primeros referentes en países latinoamericanos como México y Brasil en la década de los cuarentas, esta modalidad educativa pronto se incorporó a muchos sistemas de enseñanza de países desarrollados como Inglaterra y Estados Unidos. Esto obedeció a las grandes ventajas propias de esta dinámica caracterizadas por su amplio acceso y flexibilidad.

La actualización y perfeccionamiento de la educación a distancia por medio de plataformas como Internet y el uso de nuevas tecnologías fue un proceso que naturalmente nació en los países con acceso a estas herramientas. Fue así que instituciones públicas y privadas de países en desarrollo comenzaron a impulsar el denominado E learning, basándose en el tradicional modelo de la educación a distancia  por correo postal.

En la actualidad, la adopción y el desarrollo del E Learning en Latinoamerica ha ido aumentando de manera considerable. Por ejemplo, se calcula que el 38% de las empresas de esta región utilizan esta modalidad educativa para la capacitación y actualización de su personal, siendo México y Brasil los punteros en este sentido con un 41% de penetración, seguidos por Argentina con 39% y Colombia y Chile con un considerable 30%.

Con lo que respecta al ámbito educativo, los especialistas aseguran que el E Learning ha tenido un gran crecimiento en Latinoamerica principalmente por las desventajas geográficas e incluso la desigualdad económica, las cuales se ven superadas por nuevos sistemas de aprendizaje como éste. En este sentido, son tantas las aspiraciones de desarrollo, aprendizaje y superación social características de las sociedades latinas que el E Learning se ha posicionado como una opción viable para instituciones educativas públicas y privadas.

Musinetwork School of Music es una escuela de música ONLINE dirigida al público de habla hispana, siendo uno de sus principales objetivos la formación y actualización de músicos en el campo de la ejecución, composición, arreglo, producción y dirección de su disciplina.

Con presencia en más de 20 países de Hispanoamérica, Musinetwork ofrece programas académicos con contenidos vertebrales para los músicos contemporáneos contado con cursos específicos sobre Teoría y Armonía, Arreglo, Estudios en Jazz, Historia y Ejecución (en el caso de la guitarra). Por otra parte, esta escuela de música online oferta 2 certificaciones de estudios musicales: el Contemporary Studies Certificate dirigido a músicos en general, y el Jazz Studies Certificate para músicos interesados y especializados en este género.

El próximo inicio de ciclo escolar es el 15 de Abril y las inscripciones están abiertas!

Para mayores informes haz click en: http://musinetwork.com/mnw-school-of-music.html

Reserva tu lugar escribiendo a: registro@musinetwork.com

Para realizar tu inscripción haz click en: http://musinetwork.com/inscripcion.html

 

 

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¿Qué es la Multiculturalidad?

… el respeto y convivencia entre distintas culturas ha encontrado un punto de equilibrio en el fomento de la denominada Multiculturalidad, la cual consiste en resaltar las diferencias culturales particulares con la intención de generar una sana convivencia entre las mismas, alentando en todo momento un ambiente de tolerancia y respeto.

La enorme diversidad cultural en nuestro planeta es una situación que además de enriquecer diferentes visiones de nuestra realidad es una parte medular en el desarrollo del conocimiento  y de la creación artística de la humanidad.

El reconocimiento a las culturas ajenas forma parte de los valores de mayor importancia para las sociedades modernas que aunque se encuentran inmersas en un proceso de supuesta homogenización  en diferentes ámbitos como la económica, la política y la cultura, su respeto es ideal para la sana convivencia de los diferentes grupos humanos del orbe.

Primeramente, para hablar sobre la diversidad cultural debemos atender a lo que la cultura significa. Según el concepto aportado por la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la ciencia y la Cultura, el término de cultura define al conjunto de elementos distintivos, espirituales, intelectuales y emocionales de una sociedad o un grupo social, los cuales se encuentran acompañados del arte, la literatura, estilos de vida, formas de convivencia, sistemas de valores, tradiciones y creencias. De la misma forma, la cultura es considerada como un derecho humano.

Se calcula que en la actualidad de los 191 Estados nacionales que existen en el mundo solo el 10% de ellos son étnicamente homogéneos, lo cual quiere decir que en la mayoría de los países conviven diferentes grupos étnicos identificados por una lengua y una cultura común.

Aunque los hechos y los discursos parecen fluir hacia una misma dirección, la diversidad cultural ha sido el motivo que da origen a los principales conflictos políticos y bélicos de nuestra era. Desde la caída del muro de Berlín a principios de la década de los noventas, la recomposición mundial trajo como consecuencia el crecimiento de expresiones como el racismo, la xenofobia y la intolerancia, los cuales han encontrado cabida precisamente en los conflictos armados. Por ejemplo: en 1999, de las 27 guerras que se atestiguaban en el mundo, solo 2 de ellas obedecían a hostilidades entre naciones mientras que solo algunas excepciones eran guerras internas por el cambio de régimen político; los conflictos bélicos restantes se basaban en reivindicaciones étnicas, culturales o nacionalistas.

Ante esta situación, el respeto y convivencia entre distintas culturas ha encontrado un punto de equilibrio en el fomento de la denominada Multiculturalidad, la cual consiste en resaltar las diferencias culturales particulares con la intención de generar una sana convivencia entre las mismas, alentando en todo momento un ambiente de tolerancia y respeto. Cabe mencionar, que el multiculturalismo no propugna la indiferencia a los elementos étnico y cultural de los individuos sino por el contrario busca enriquecer puntos de vista y dinámicas de convivencia a partir de éstos.

Musinetwork School of Music es un proyecto comprometido con brindar una educación musical basada en la multiculturalidad, lo cual es posible gracias a la modalidad E Learning aplicada por esta escuela.

Fomentando en los alumnos la apertura y el contacto con experiencias ajenas a su medio, esta escuela de música online busca resaltar a la música como una expresión libre en donde las diferencias culturales no son obstáculos sino catalizadores positivos en el proceso de aprendizaje de nuestros estudiantes.

Vive la experiencia de aprender en y de la diversidad, el próximo ciclo de cursos inica el 15 de ABRIL y las inscripciones ya están abiertas!

Para mayor información acerca de nuestra oferta académica, visita: http://www.musinetwork.com/mnw-school-of-music

 

 

 

 

 

 

 

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De la censura a la “evasión” del rock latinoamericano

 …al encontrarse abiertos los espacios, los roqueros buscaron expresar y describir cuestiones relativas al entorno que les rodeaba, ya fueran criticas sociales o incluso lenguaje inapropiado o popular.  La intención de muchos de los músicos de esta vanguardia conocida como “Rock en tu idioma” era simplemente incomodar a los reticentes y conservadores, así como disfrutar de aquella libertad que por muchos años les había sido negada para hacer y decir su música.

Por Israel Chang

La historia del rock en cualquier país del mundo se ha caracterizado por cuestionar y enfrentar los valores cuidadosamente establecidos por las figuras de autoridad, ya sean sociales, políticas e incluso religiosas. A través de los años se ha formado la creencia de que el rock ha sido un género musical que incomoda y preocupa a aquellos que dirigen y ejercen el poder a cualquier nivel y contexto.

En Latinoamerica, el posicionamiento de este género no ha estado exento de convertirse en un sinónimo de rebeldía en el imaginario colectivo. Remontándonos a los momentos en que las juventudes de diferentes países de habla hispana adoptaron el rock podemos recordar que existía un importante impulso de los medios masivos de comunicación que veían este género como algo distintivo de la cultura norteamericana, dando sensación de  sintonía con las últimas tendencias en cuanto a la música.

Sin embargo, el contexto mundial no ayudaría en mucho a la aceptación social de los jóvenes roqueros en estos países,  los cuales con sus cabelleras largas recordaban mucho “a las barbas y las melenas de los revolucionarios cubanos…al Che Guevara”; en otras palabras el rock olía a comunismo y a revolución. Las dictaduras militares y las democracias poco desarrolladas sentenciaron que el rock fuera visto como un elemento de preocupación entre la sociedad, como en el caso de México, Argentina, Chile o España, en donde la satanización y la censura fueron denominador común durante las décadas de los sesentas y setentas.

Durante estos años el movimiento del rock en Latinoamérica se mantuvo vigente, ya fuere clandestina o dispersamente, encontrando diferentes espacios y momentos para expresar el reflejo de su realidad inmediata.

Con la caída de estos regímenes y la paulatina apertura hacia la democracia en los años ochenta, el rock latinoamericano encontró cabida en los procesos de reorganización social contando nuevamente con la colaboración de los medios masivos de comunicación.  Al encontrarse abiertos los espacios, los roqueros buscaron expresar y describir cuestiones relativas al entorno que les rodeaba, ya fueran criticas sociales o incluso lenguaje inapropiado o popular.  La intención de muchos de los músicos de esta vanguardia conocida como “Rock en tu idioma” era simplemente incomodar a los reticentes y conservadores, así como disfrutar de aquella libertad que por muchos años les había sido negada para hacer y decir su música.

A nuestros días, las nuevas generaciones de bandas de rock poseen una amplia libertad de expresión, que ha sido producto de todos aquellos músicos del género anteriores a ellos (así como a muchos otros actores sociales). Sin embargo, las tendencias han cambiado y la temática del rock hispanoamericano ha tomado una nueva vertiente más moderada y menos vinculada a la realidad y sus problemas cotidianos. Letras de amor y desamor son las expresiones recurrentes en el rock actual.

Algunos críticos y periodistas han calificado esta situación como una denominada “evasión” de las bandas de rock para tocar temáticas sobre la realidad social o para cuestionar los valores establecidos. Para muchos de ellos, el rock se ha convertido en un elemento que refleja la apatía de las nuevas generaciones en América Latina. Otras opiniones, encuadran en la percepción de que el movimiento del rock se ha “desvirtuado” o que se encuentra en un estado “decadente”.

Sin embargo, es aquí donde se abre un amplio debate: ¿Es el rock precisamente un foro de discusión de la realidad social? ¿La música expresada en cualquier género debe estar desvinculada de su entorno y obedecer únicamente al interés particular del músico? ¿Es la visión de estos críticos de las nuevas temáticas del rock, purista o excesivamente formalista? ¿El rock deja de serlo al omitir su carácter irreverente y provocativo? ¿Es un desperdicio de las nuevas generaciones de roqueros, el uso que hacen de la libertad de expresión en la actualidad?

Tú, ¿qué opinas al respecto?

Sr. Cobranza, de Bersuit Vergarabat, canción todavía censurada a finales de la década de los 90’s

 

Israel Chang

México

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Gogol Bordello: migración, globalización y punk

 

 

“No tengo claro cómo llegamos al estilo en que nos catalogan. Yo solo escribo canciones y resultan así. Tomo de todos lados, como diría Bukowski” – Eugene Hütz, vocalista de Gogol Bordello

 

Por Israel Chang

México –  Actualmente, es difícil poder encontrar, en el inmenso catalogo musical que se nos ofrece, propuestas que salten a la vista por considerarse innovadoras o irreverentes. Sin embargo, existen ciertos proyectos musicales que han roto con degastados esquemas de contradicción entre géneros musicales, principalmente entre la música étnica y las tendencias ajenas a la cultura propia que son impulsadas por la imperante globalización cultural. En este caso quisiera referirme al grupo de gypsy punk, Gogol Bordello.

En 1986, un joven  llamado Eugene Hütz emigró de su natal Ucrania con su familia ante la peor catástrofe nuclear de la historia, la explosión de Chernobyl. De padre ruso-ucraniano y madre romaní (gitana) Eugene pasó algunos años trasladándose en diferentes campos para refugiados de Polonia, Hungría, Austria e Italia. Esta experiencia lo marcaría de por vida inspirándolo en el futuro.

Ya de regreso en Ucrania el padre de Eugene, carnicero de profesión, guitarrista de afición y miembro de una de las bandas de rock pioneras en el país, comenzó a ser hostigado por las autoridades. En ese entonces, el régimen comunista tenía prohibido el rock and roll. Ante tal situación, Eugene y su familia migraron nuevamente a Vermont, Estados Unidos, mediante un programa de asilo político.

En la década de los noventas, Eugene se mudó a Nueva York con la intención de emprender una carrera musical en el mundo del rock.  Fue allí donde conocería a distintos músicos, muchos de ellos emigrante rusos con los que tendría una química directa.

De esta manera,  se formó en 1997 Gogol Bordello, una agrupación que como algunos rumoran se presentaban inicialmente en bodas y celebraciones de inmigrantes de Europa del Este, compuesta en ese entonces por los rusos Sergey Ryabtsev (violín) y Yuri Lemeshev (acordeón), el ecuatoriano Pedro Erazo (percusiones), el israelí Ori Kaplan (saxofon) y  por supuesto Eugene como líder, vocalista y guitarra.

El concepto musical de Gogol Bodello logró conjuntar la influencia de la música gitana que Eugene conoció bien por parte de la familia de su madre, el folklore ruso- ucraniano y la influencia de grupos punk rock como The Clash, The Ramones, Mano Negra y The Sex Pistols.

Sus primeros trabajos musicales Voi la Intruder (1999) y Multi Kontra Culti vs. Irony (2002), merecieron su reconocimiento en el circuito underground de los Estados Unidos. Sin embargo, su éxito comercial comenzaría con su tercer álbum de estudio Gypsy Punks: Underdog World Strike (2005), con temas como Inmigrant Punk y Star Wearing Purple, los cuales lograron exponer de una manera accesible y magnética la mezcla  de música gitana y los beats y guitarras características del punk. En ese mismo año, nuevos miembros ingresarían al proyecto entre ellos el etíope Thomas Gobena (bajo), las coristas Elizabeth Sun y Pamela Jintana Racine, así como el guitarrista Michael Bernard Ward y el baterista Oliver Charles.

Dos años más tarde, la banda reafirmaría su éxito entre el público rockero con su álbum Super Taranta (2007).  Meses más tarde, el icono del pop Madonna compartiría escenario con la banda en el Festival Live Earth 2007, lo cual proyectaría el posicionamiento de Gogol Bordello en la escena musical mundial.

Con respecto al concepto musical, Eugene Hütz siempre ha afirmado que nunca fue su intención crear un sonido tan característico como el denominado “gypsy punk”, sino que simplemente  escribe las canciones para el grupo sin pensar en un estilo en especial. En otras palabras, nunca ha buscado crear una nueva vertiente de la música gitana sino que esto ha sido resultado de la experimentación y aportación de sonidos entre todos los miembros del grupo.

De la misma manera, Gogol Bordello siempre ha hecho referencia especial al tema de la migración en las letras de sus canciones, incluso exponiendo esta situación en sus conciertos. “Estamos en absoluto y completo apoyo a la inmigración de todo el mundo y todos necesitamos un digno hogar y trabajo” han vitoreado en más de una de sus presentaciones.  En el mismo sentido, es impensable hablar de Gogol Bordello sin tocar este tema dado el carácter migrante y multicultural de sus integrantes, quienes a través de su trabajo musical han logrado expresar las complejidades de un mundo globalizado que empuja a millones de personas a desplazarse de sus hogares en busca de una vida mejor en otros países . Es precisamente esta condición la que ha dado vida e identidad a la banda.

Actualmente, Gogol Bordello ha editado dos álbumes más: Live from Axis Mundis (2009)  y Transcontinental Hustle (2010). De la misma manera, su éxito se ha empoderado especialmente en América Latina, Estados Unidos y Europa.

 

 

Israel Chang

México

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El saxofonista Arturo Caraza, invitado especial Musinetwork

El saxofonista mexicano, Arturo Caraza, es graduado del conservatorio de Música de Puerto Rico como

Ejecutante de Jazz y Música Caribeña

Musinetwork School of Music, dentro de su programa permanente de realización de Clases Maestras, Video Clínicas, Entrevistas y Talleres gratuitos, contará con la presencia del joven talento mexicano Arturo Caraza.

Saxofonista originario de Xalapa, Veracruz, México, Arturo Caraza se ha presentado en los Estados Unidos, Costa Rica, Puerto Rico, Italia y México. Estudió 5 años en la facultad de Música de la Universidad Veracruzana, para posteriormente mudarse a Puerto Rico y estudiar en el Conservatorio de Música, graduándose en el 2010 como ejecutante de Jazz y Música Caribeña. Ha tomado clases y clínicas con Marco Pigataro, David Sánchez,  Eddi Gómez, Joshua Redman, Miguel Zenón, Mark Tuner, Charles McPherson, Drew Gress, Danilo Pérez, Antonio Sánchez y Barry Harris entre otros. Actualmente se desempeña como Coordinador Artístico del Centro de Estudios JAZZUV de la Universidad Veracruzana.

La Video-Clase de esta edición estará enfocada en la Aplicación práctica de los Arpegios y Escalas, en la cual el Mtro. Caraza muestra ejercicios muy sencillos para tener un mejor control sobre este tema.

En Musinetwork School of Music, seguimos trabajando para contribuir con la educación integral a los músicos hispanos.

Esperamos que esta clínica contribuya en su crecimiento y sea de su agrado, los invita a ver esta clase realizada especialmente para toda la comunidad Musinetwork.

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Chaco: en busca de la identidad de un pueblo.

“Hemisferio Sur; enclavado en lo más austral del Planeta Tierra… ARGENTINA; del latín argentum (plata), nación enarbolada de gestas patria, de próceres y hacedores que con su vida forjaron venturosos una Nación…”

Por Carlos A. Negrini

Resistencia – Chaco, República Argentina – 1810 – 2010; dos siglos de historia en el solaz de la humanidad. Desde la cruz y la espada española, a través del fulgoroso complejo y enmarañado Cabildo de Mayo de 1810; y la prosapia de Próceres enardecidos y venturosos en Tucumán de 1816 exclamaron Libertad e Independencia.

La estampida recurrente y el auge de transacciones comerciales con el viejo mundo deambularon en las memorias de la historia; un sinfín, de encarnizadas luchas clasistas por el poder unitario y federal. Corrientes migratorias nacidas a partir de su colonización, se hacen refugio en esta Patria. Son más de 300.000 personas, pertenecientes a numerosas civilizaciones, culturas, ciudades y tribus distintas. Más adelante(1914 y 1939); Europeos desamparados, pobres, caídos y exiliados ante la infernal Guerra de los Siglos que desencadenaron en la conciencia colectiva la más terrible crueldad de la Especie humana; el “Exterminio”.

“Generosa en su bondad, colmada de inusual crisol de Razas que deambulan en el sentimiento Patrio de austera soledad entre hermanos; el arraigo se hace fútil y la mirada se centra en más allá del charco” (léase océano Atlántico).

Pero la historia de la Provincia del Chaco; se origina a partir de 1585; firmes jalones de civilización buscan trazar el camino hacia el Alto Perú, el “camino del oro”; vil metal enraizado en el corazón de la conquista. Los españoles de Asunción levantan la Ciudad de Concepción del Bermejo de la Buena Esperanza, región habitada por numerosas Razas Indígenas y nómades, de proverbial belicosidad, la cual fuera destruida en 1632; por los indígenas chaqueños.

La impronta evangelizadora no estuvo ausente y aunque muchas veces se la menosprecie por su vinculación a la colonización; el Sistema de Reducciones (guaraníticas – jesuíticas), encaradas de manera pacífica e integradoras en el respeto y solidaridad del prójimo. Bregaron por la paz entre aborígenes y las pequeñas poblaciones colonizadoras, utilizando la Música como aporte fundamental a la causa. De tal manera que buscaban impedir por su lado, que las tribus atacaran a las poblaciones y por el otro, defender a los nativos de los abusos propiciados por los conquistadores contra las tribus, enajenando su libertad, haciéndolos trabajar ilícitamente e induciendo a su extinción mediante el desarraigo de sus tierras.

Las reducciones organizaban a los pueblos originarios según su linaje o etnia en función de su organización tribal. Así pues; el Sistema de Reducciones encarados en gran medida por los misioneros de la Compañía de Jesús, hasta su expulsión decretada por el rey español Carlos III en 1767. Sin embargo; fueron luego, los Franciscanos y Mercedarios quienes desempeñaron una labor austera y significante en materia, cual vestigios lo convalidan en la actualidad.

1750; Con el nombre de “San Fernando”, se hace incuestionable el proceso fundador de la historia de la Provincia del Chaco topónimo incaico que originariamente se pronunciaba “Chacú” en la acepción indígena devenida en una “Junta de Naciones”, lo cual pasó a construir una significación figurada de “Chaco”; pronunciación deformada por los españoles.

A finales del siglo XIX y principios del siglo XX; la inminente ocupación militar del Chaco central y Chaco austral, avanzó afanoso sobre el belicoso pueblo indígena que indefectiblemente concluyó con la conquista del territorio

Primero; Territorio Nacional creado el 31 de enero de 1872 y luego; Provincia del Chaco, declarado mediante Ley 14037, del 8 de agosto de 1951.

Es innegable que a partir de 1878, tras rastros de civilización, se inicia el proceso inmigratorio en el Chaco que desencadena un acelerado progreso a través de pueblos y ciudades de extraordinaria vitalidad.

Los últimos cien años de historia Argentina, hacen de la Provincia del Chaco una visión en instantáneas de los hechos significativos que patrocinan la historia socio cultural y económica de esta región conocida como Litoral. Demarcada por los ríos Paraná, Uruguay y Paraguay, integrada por las tres provincias mesopotámicas; Misiones, Corrientes, Entre Ríos y las provincias de Formosa, Chaco y Santa Fe.

No lejos en el tiempo; la llegada de los “gringos”, con su bagaje de cultura europea, la tradición guaranítica de los hacheros correntinos; y la diezmada cultura aborigen chaqueña, forjaron el Nuevo Nacimiento del Chaco, crecieron los algodonales y se habitó el monte en virtud de la fuerza productora que confluye en una raza expiada por los soles, los veranos calcino y el viento norte insensibilizando la piel de los recién llegados. Un nuevo misterio encarnizado por sonidos y voces con idiomas extraños; se mezcló el guaraní y entonces se habló un idioma nuevo. Creció la Patria grande y finalmente a este vástago insoslayable de virtud, se lo llamó Provincia del Chaco.

Con una marcada fuerza Tradicionalista pulida en el Folclore Litoraleño; la Música del Chaco se nutre de tres corrientes culturales que convergen en la música del litoral; música, ritmos, canto y danza populares:

El Aborigen de preminencia Toba o idiosincrasia Qom, Abipones y Mocovíes sobre la llanura chaqueña y los Guaraníes sobre los esteros correntinos; pobladores ancestrales de estas tierras.

Del guaraní con el español y luego el aporte alemán, desde el sur del Brasil hacia la Resistencia chaqueña con el Chamamé; quizás el más acuñado por sus pobladores en la actualidad.

El folclore criollo; fecundado por la cultura española e incaica, que adquiere rasgos distintivos hacia los montes chaqueños.

El espectro de influencias en la denomina Música Litoraleña, es aún más amplio y abarca la Música Gaúcha proveniente del Sur de Brasil, la Música del Litoral del Uruguay y la Música del Paraguay.

Por su parte; es un tanto difícil concebir la Música Litoraleña sin la Danza; hecho característico que posee una particularidad común; los estilos se bailan con la pareja enlaza y por lo general son de coreografía libre. Y por otro lado; la particularidad bilingüe en la interpretación de las letras (español – dialecto tribal); variados estilos se desarrollan en la región (en mayor o menor medida), de los cuales se destacan:

El Chamamé (por excelencia), la Polka Correntina, la Polkita Rural, la Galopa, también llamada Galopera; Chamarrita, Rasguido Doble, Valseado, Chotis, Ranchera, Gualambao, Canción Misionera, Balerón y Kolomeica. La Polka paraguaya, la Guarania y el Purajhei (canción del litoral paraguayo).

Una vez más; la historia, ineludiblemente nos remonta a la impronta prehispánica y el aporte de las Misiones Jesuíticas – Guaraníes. En la figura de San Francisco Solano, quién caminó la tupida selva al compás de su Violín angelical entre 1586 y 1610… De Allí; se sucede un hecho inaudito y conciliador, el trabajo en los “Talleres Artesanales y Musicales”, espacio en el que ambas culturas ancestrales se fusionan rediseñando e inventando nuevos instrumentos y re-significando la música de la región.

Así fue claro el advenimiento de las “Bailantas Chamameceras”, que a gritos de Sapukay (grito del hombre litoraleño, especialmente del correntino chamamecero, que encierra diversos motivos; tristeza, alegría, triunfo o simple esbozo de comunicación en el monte o en el río…). Nacidas alrededor de la actividad forestal y que perduraron en el tiempo en la ciudad de Resistencia; provincia del Chaco hasta 1950 aproximadamente. Aún hoy se guarda en los grupos tradicionalistas la Música y Letra de autores de pura prosapia que cuentan historias de soledades, de perpetua introspección, de amor por la naturaleza y las emociones que emanan del arduo trabajo del hombre de campo.

Los Conjuntos típicos Chamameceros se conforman instrumentalmente con la guitarra “criolla” (a veces más de dos); acordeón a piano, de pistones o ambos y muchas veces se suma al Bandoneón. Su disposición musical polirítmica de estructura base, se ejecuta en pie binario (3/4), mientras que la melodía, es decir; el canto como los instrumentos de rasgueo, se sobreponen melódica y tonalmente con una estructura ternaria (6/8).

En la actualidad; la Música Popular Contemporánea ha realizado un aporte significante a la música litoraleña y esta se ha fusionado con elementos del Jazz y ha incorporado instrumentos tales como el Bajo eléctrico, la Batería, el Teclado, la guitarra eléctrica y hasta la percusión latina; en busca de nuevas significaciones que muchas veces contrasta con lo tradicional y es subterfugio de intrincadas controversiales de discusión.

Al devenir de los tiempos y en estos últimos 50 años de internalización cultural y musical; yace una provincia joven y dolorida, venida a pobre de entre las 23 provincias que integran la República Argentina. La expansión cultural de estos últimos tiempos; la convierte en un polo de cultura que busca abrirse al mundo y contar su verdad.

“Es así… El Chaco joven y caminante, se debate de entre sus orígenes y su austera realidad, para sentar precedentes en el mundo; tras la inquebrantable búsqueda de identidad de su pueblo…”

Carlos A. Negrini

carlos75can@hotmail.com

Resistencia – Chaco , República Argentina

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¿Qué es la Improvisación?

Hablar de improvisación a la “ligera”,
implica una concepción poco aplicada a la esfera del arte…

Muchas veces nos apresuramos en objetivar que la Improvisación es burda, pues bien; a partir de este supuesto, quien improvisa no ha cumplido con los deberes y por ello, buscará a través de esta acción; salir del paso o allanar el camino a fin de buscarse afanoso un final feliz.

Sin embargo; nos debemos un alto en el camino… Observar e internalizar el concepto que nos trasciende desde la concepción misma del ser humano, la comunicación.

Por naturaleza; somos grandes improvisadores de nuestras vidas.

La acción de hablar o comunicarnos con otras personas es un acto improvisatorio; yace en el encuentro casual donde indagar, relacionarse, preocuparse y crear empatía; nos lleva a improvisar preguntas y respuestas a través del sentido espacial, corpóreo y lingüístico con afán del interés o no, generado a través de este encuentro. Tal vez; este sea un ejemplo poco grandilocuente, creo que inevitablemente nos invita a reflexionar, en tanto; la improvisación como parte inherente de nuestras vidas y como herramienta de comunicación, tras la organización espontánea de las ideas y exposición de las mismas.

Ahora bien; partamos de la acepción académica del verbo Improvisar:

Hacer una cosa que no estaba prevista o preparada, llevado de la intuición del momento”

(Dicc. Lengua Española 2007)

 

Seguidamente; polaricemos el término de acción en virtud positiva del arte:

“La Improvisación; acción sublime cuasi irrepetible, que busca como objeto a su fin y de manera espontánea… transmitir o comunicar una idea, concepto; desandar sentimientos vívidos que se conjugan inexorablemente entre la imaginación y la aplicación ecuánime de recursos, tras el dominio de la disciplina cultivada a solaz; en un perfecto control de entre las ideas y la consumación de lo transmitido…”

Finalmente; adentrémonos en la Música y la Improvisación…
Partiendo de la base empírica; de que la Improvisación Musical es un lenguaje propio de la inteligencia musical. Nos avocamos a su justa dinámica constructiva, que como bien se dice sublima el alma.

“Describir la Improvisación musical, a priori; es como intentar impresionar o presentar un sentimiento y, a través de él; hacer confesar la más oculta e intrincada fibra del ser humano.”

Cuando nos aproximamos a la música por primera vez; nuestros oídos perciben frecuencias que generan sensaciones inequívocamente musicales e inmediatamente nos encontramos imitando esos sonidos, tamborileando algún objeto con ritmo o cantando. Si avanzamos en la formación musical; estaremos aprendiendo códigos, claves y descifrándolas conforme sea nuestra instrucción. Elementos tales como notas, acordes, escalas y otras construcciones dispositivas del saber acerca de la música, irán tomando sentido en la construcción del lenguaje musical… Gradualmente; hemos incorporado elementos que nos provee de cierta capacidad para entender, descifrar e imitar este lenguaje.

Empero; la naturaleza del hombre en cuanto a la apreciación musical y la forma, muchas veces confronta con ir más allá e indagar nuevos espacios discursivos, empleando el cúmulo de saberes en una preponderante organización de las ideas, recursos instrumentales, lenguaje estilístico, imaginación, concentración , sentimiento, sensibilidad…

Es por eso que la Improvisación; a partir de este postulado es pieza musical que se ejecuta o se oye por única vez; obligando al improvisador a valerse de un marco organizador que posibilite al espectador captar la obra en un acto único. Este marco; muchas veces, se dispone según el etnocentrismo del grupo o civilización al cual se circunscribe la obra musical. Aunque también; podríamos hablar en este caso de Imperativos; tales como el improvisador utiliza un lenguaje conocido en mayor o en menor medida por su público y aunque este se encuentre libre de perseguir su propio estilo, es común que se cuide de no desconcertar en demasía a su público. De allí; la salvedad en cuanto a la música escrita, hoy camino hallando por la tecnología que nos permite re-editar la obra mediante el empleo de máquinas (un tema por debatir).

En África y Asia la improvisación ha sido la cuna de su música; en Europa, primó en la antigüedad y en la era Cristina. En la Edad Media, el Canto Gregoriano partía de las imprecisiones de los Neumas (cada uno de los signos de la antigua notación musical para el canto llano, usados a partir de S.IX; tenían diversas formas según el ritmo y la altura de los sonidos y a partir de ellos se formaron las notas musicales tal como las conocemos hoy en día.- Dicc.Lengua Española 2007)

Pero no en vano; el perfeccionamiento de la escritura musical y la propagación de la música polifónica a través de obras escritas, no han causado mella en el arte de improvisar. Hechos significantes; en la historia de la música, nos hablan de la gran admiración que causaban las improvisaciones de Beethoven, Bach, Mozart, entre otros y la música popular o música no escrita.

 

Es así; que arribamos a principios del Siglo pasado con un nuevo arte cimentado en la improvisación; “el JAZZ”.

Este estilo musical siembra su impronta en diversos estilos – géneros; que vendrían después y que inquebrantables al espíritu de libertad magnificado en la Música Popular Contemporánea, nos invita al desafío de la improvisación como expresión de libertad, de solidaridad, de integración y en una constante búsqueda de la fibra más íntima del Ser Humano…

 

 

 

“La Improvisación; acción sublime cuasi irrepetible, que busca como objeto a su fin y demanera espontánea… transmitir o comunicar una idea, concepto; desandar sentimientos vívidos que se conjugan inexorablemente entre la imaginación y la aplicación ecuánime de recursos, tras el dominio de la disciplina cultivada a solaz; en un perfecto control de entre las ideas y la consumación de lo transmitido…”

Carlos A. Negrini

carlos75can@hotmail.com

Resistencia – Chaco , República Argentina

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Mi amigo el Luthier

Recuerda aquel momento en que con mucha alegría y emoción obtuviste tu primer instrumento musical, imaginando lo mucho que podrías alcanzar como artista haciendo uso de esta mágica herramienta, viendo tu vida sumergida en otros mundos.

Un momento especial sin duda, el comienzo de una amistad entrañable… la música y tu.

 

 

Por Julián Andrés Belmonte Ortiz

Bogotá, Colombia – Quizá, cuando el músico piensa en su instrumento, vienen a su mente imágenes de un pasado muy lejano a su vida como ser humano, épocas antiguas por siempre recordadas, donde las culturas antiguas fueron las principales protagonistas del mundo musical actual.

En una noche, un recital esta llevándose a cabo, el músico transmite sensaciones místicas a través de la música, los aplausos del público se escuchan por doquier. La multitud se recrea en la magnitud de aquel momento musical vivido, que buena música, que hermoso sonido, que gran intérprete, y de igual forma, el compositor de la pieza es reconocido. Maravillosa obra dicen los puristas; de repente, entre la gran multitud, un personaje consciente grita:
Un aplauso para el lutier que fabricó los instrumentos interpretados esta noche.

Un artículo de la web titulado El Oficio de Luthier: la memoria de los instrumentos musicales, menciona lo siguiente:

“Cuando se escucha el sonido de cualquier instrumento musical, se piensa en primer lugar en la cultura a la que pertenece y en el virtuosismo del quién lo interpreta. Sin embargo, pocas veces se hace un reconocimiento a quienes con sus manos hacen posible que la música perdure y evolucione a través de la historia. Son los artesanos musicales o luthiers, los responsables de darle forma a los más diversos materiales, para que en las manos de consagrados intérpretes hagan posible el humano encuentro con las artes sonoras convertidas en ritual, en festejo o íntima contemplación”.

Un luthier, es también conocido como lutier, laudero, lutero o violero. Un lutier es aquella persona que construye, ajusta o repara instrumentos. Este término, esta mas relacionado con aquellos que trabajan con instrumentos de cuerda frotada y pulsada, esto incluye a violines, violas, violonchelos, contrabajos y violas da gamba y todo tipo de guitarras (acústica, eléctrica, electroacústica, clásica), cuatros, laúdes, archilaúdes, tiorbas, mandolinas y clavecines.

Si vamos a tiempos antiguos, a nivel de reseña histórica, la palabra lutier nace del francés “luth”, que significa laúd, nombre con el cual se llamaba antiguamente a los constructores de estos instrumentos.

Los Luthieres son grandes genios, es erróneo pensar que estas personas solamente cumplen la función de constriur instrumentos musicales. Cuando hablamos de un Luthier, estamos hablando de igual forma de un matemático, de una persona que posee amplios conocimientos en el area de la acústica y parte de la química. Veamos estos tres elementos del arte de la Lutheria:

Física:
Tensión de cuerdas. Espesores y medidas determinadas para que el instrumento tenga resistencia y duración con el paso del tiempo.

Acústica:
Sonoridad del instrumento. Estudio de las vibraciones de las maderas para poder dar curvas, alturas y espesores, para que el instrumento suene adecuadamente. Capacidad de elaborar instrumentos de concierto e instrumentos de estudio.

Químico:
Elaboración de los barnices. Uso de elementos naturales como resinas, aceites, alcohol, trementina, y hasta en algunos casos se utilizan ácidos. La confección de un barniz hay que tomar todos los recaudos posibles. Ante cualquier error o distracción pueden ocasionar desde la inutilización de las resinas hasta el incendio del taller en otros casos.

Aunque el término Luthier es utilizado para definir a constructores de instrumentos de cuerda, en la actualidad podemos darnos cuenta de que también se utiliza esta palabra para definir a todos aquellos que fabrican y reparan otros instrumentos como pianos, instrumentos de viento, etc. Hay quienes piensan de que es un error definirlos de tal modo, puesto que este término tiene sus orígenes en el Laud, sin embargo, se ha popularizado tanto que en muchos lugares del mundo se entiende por Luthier a aquella persona que fabrica y repara instrumentos musicales.

Sea cual sea la manera de definir a estos grandes genios, hay una gran verdad de la que casi siempre pasamos desapercibidos, y es que el Luthier es nuestro gran amigo que con sus manos y total entrega de corazón, elabora instrumentos para nosotros los músicos.

La misión de este texto es resaltar esta hermosa labor. Gracias al Luthier podemos tener un instrumento a nuestra dispocision, interpretarlo con alegría y dar a conocer nuestros pensamientos artísticos y musicales.

A todos los Luthieres del mundo mil gracias…

 

 

 

 

 

Julián Andrés Belmonte

Bogotá, Colombia.

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Laboratorio artístico … experimentemos

Materiales:

Concentración.
Imaginación.
Creatividad.
Innovación.

Por Julián Andrés Belmonte Ortiz

Bogotá, Colombia –En cierta ocasión, un maestro me dijo que la poesía era un hecho estético, al igual que la música, continuando así, afirmando que donde no hay una poética, no hay arte.
Partiendo de una verdad inmensa, el arte en general tiene un objetivo clave: sensibilizar.
La música encierra un gran número de saberes, se considera una forma de pensar y de vivir, el artista lleva dentro de sí una realidad diferente, donde puede ver todo aquello que otras personas no ven.
Las siguientes, son algunas frases enfocadas a la poesía, sin embargo, en este laboratorio artístico, haremos el experimento de aplicar estos principios poéticos a la música. Veamos lo mucho que podemos lograr, llevando a cabo estas técnicas:

Lo fundamental de la inspiración es la imagen:

Partiendo de una imagen o fotografía, el músico puede experimentar sonoramente creando una composición de acuerdo a lo que dicha imagen le inspire, este ejercicio puede aplicarse de igual manera en la improvisación. Las ideas que surgen son realmente asombrosas, el músico adquiere mayor creatividad e imaginación mediante el uso de la imagen.

Reforzar búsquedas de tipo individual:

El hacer caso a la intuición y la apreciación musical que como músicos poseemos internamente, es brindar a nuestra mente la libertad de expresión. Una sustentación teórica correcta de nuestras concepciones musicales internas e individuales, nos otorga mayor seguridad y argumentación. La búsqueda de tipo individual es un excelente hábito, se resume en que el músico hable del arte y que el arte hable del músico.

Desarrollar instintos:

En este punto, el músico debe adquirir conciencia en cuanto a su percepción de la música, buscar relacionarla con su entorno cultural y social, al hacer esto, el músico logrará relacionarse con géneros que le parecen lejanos  y por consiguiente, conocerá nuevas culturas y formas de vida. Como músicos debemos ver más allá de nuestras melodías y recordar que todo, absolutamente todo, se constituye para nosotros como: Inspiración.

Aprender a borrar:

Consiste básicamente en procurar que nuestra música sea cada vez mejor. Revisar nuestras composiciones y arreglos musicales e intentar complementarlos haciendo uso de elementos como la imagen o con una búsqueda de tipo individual o simplemente eliminando elementos que consideremos no muy necesarios, es decir: BORRANDO.

Relacionarse con el sentido de la metáfora.

La metáfora está sumamente relacionada con la poesía, llevarla a nuestra música es una tarea sumamente interesante. En la metáfora hacemos referencia poética a esa característica que queremos resaltar y decimos lo mismo pero de forma más bella.
Un ejemplo muy común de metáfora: “tus cabellos son de oro”, se refiere a los cabellos de una mujer que son rubios.
La tarea ahora para el músico será reflejar cabellos de oro y no solamente cabellos rubios.
El uso de la metáfora nos otorga imaginación, una visión más profunda del arte y nos abre paso a realidades fantásticas.

Universo de ideas:

En el año 1925, los surrealistas implementaban una técnica denominada Cadáver Exquisito, ésta técnica consistía en ensamblar de manera colectiva, un conjunto de palabras o imágenes.
El cadáver exquisito se juega entre un grupo de personas que escriben o dibujan una composición en secuencia. Cada persona sólo puede ver el final de lo que escribió el jugador anterior.
Al final, se lee por completo los resultados obtenidos, la sorpresa es realmente grande, un universo de ideas que plasmadas en la música pueden establecer grandes composiciones e ideas sonoras.

El papel de un artista es convertirse en un traductor de sí mismo:

Independientemente de que el músico interprete obras inéditas o de otros compositores, hay algo que siempre será cierto, y es que el músico siempre estará traduciéndose así mismo al transmitir la música. Cuando tocamos una melodía estamos siendo traductores de nosotros mismos. Consiste simplemente no en lo que se toca sino como se toca, algo muy ligado a lo que conocemos como estilo.

Traducción de sí mismo a partir de otros seres:

Un ejercicio que realizan los actores, es la personificación de animales, con el fin de buscar diferentes conductas y comportamientos. De esto se desprende la idea de que cada uno de nosotros se identifica con algún animal debido a nuestras conductas y formas de actuar. Tomar estos elementos, puede llevarnos a adentrarnos en otras sensaciones, a personificar, a ser nosotros mismos y entender nuestro entorno.

Los libros, escritos y demás fuentes de información, se convierten en un cementerio de ideas:

El solo hecho de escuchar una frase, una reflexión o un pensamiento cargado de sabiduría, nos llena de una gran emoción. Tenemos una fuente de ideas impresionante a nuestra disposición (libros, periódicos, fotografías etc.), ideas que debemos sacar de un cementerio y llevarlas a la vida.

Buscar la belleza donde aparentemente no la hay, un verdadero reto:

Todo aquello que vemos a nuestro alrededor está lleno de magia y arte, no existe ningún elemento tanto de la naturaleza como a nivel general, que no tenga significancia. Aquellas cosas que consideramos como poco inspiradoras, son muchas veces las que cargan más sorpresas.

Poseer una inspiración tanto visual como no visual, escudriñar en el arte las diferentes maneras en que nos podemos desenvolver musicalmente resulta una actividad muy enriquecedora. Puede que en nuestro laboratorio musical ocurra alguna explosión o que las reacciones acústicas sean o no sean muy favorables, lo importante es siempre CREAR, ser autores de nuevos mundos poseedores de miles de sensaciones.

El siguiente video es un claro ejemplo de la relación que existe entre la música y la imagen, el uso de elementos de la poesía en nuestro mundo sonoro:

¡Nunca olvidemos que solo se ve con los ojos bien abiertos!

 

 

Julián Andrés Belmonte

Bogotá, Colombia.

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Una realidad áurea … la sucesión Fibonacci

Todo lo que vemos, sentimos y pensamos comparte una relación con uno de los aspectos más confusos de nuestra existencia:

la realidad

Por Julián Andrés Belmonte Ortiz

Bogotá, Colombia – ¿Qué es la realidad?, es lo que me pregunto todos los días cuando miro a mí alrededor, y siempre me respondo lo mismo: la realidad es una obra de arte llena de estéticas y mi vida es una pincelada de dicha obra.

Albert Einstein expresó su opinión: La realidad no es otra cosa que la capacidad que tienen de engañarse nuestros sentidos. Una expresión muy acertada, porque entender la realidad en toda su expresión puede ser una tarea sumamente complicada, y muchas veces, una acción engañosa.

 

Aristóteles estaba completamente seguro en afirmar que la única verdad es la realidad. Un conocimiento completo de la realidad por parte del ser humano no existe, pero sí, parte de ese conocimiento, una realidad o mejor dicho, un fragmento de la verdad lo vemos reflejado en las matemáticas y el arte.

La sucesión de Fibonacci es quizás uno de los descubrimientos matemáticos más asombrosos de toda la historia, ha ayudado al ser humano a ver y entender la realidad de manera lógica, artística y matemática. Sin embargo, esta sucesión es poco conocida por muchos en la actualidad. Los artistas debemos estar al tanto de todo esto y sentirnos muy orgullosos y felices de saber que lo que hacemos con nuestro arte, va más allá de lo que podemos pensar.

La sucesión de Fibonacci es una serie descubierta por el matemático Leonardo de Pisa.

Esta maravillosa sucesión matemática la encontramos en la música, la pintura, la arquitectura, las ciencias de la computación, las configuraciones biológicas, y demás áreas del conocimiento que nos conducen a la comprensión de la realidad.

La sucesión de Fibonacci es la siguiente: 1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, etc. A partir del tercer término cada uno de ellos es la suma de los dos anteriores.

La sucesión formada por las razones entre cada número de Fibonacci y el anterior, 1, 2, 3/2, 5/3, 8/5,…, tiene como límite la razón áurea: 1.618. Esta razón aurea es también conocida como la divina proporción, y se encuentra en las figuras geométricas, en la naturaleza y en el arte. Todo objeto que guarde consigo la divina proporción, es considerado estético. En la música, la estética es el objetivo que todo músico busca alcanzar en sus interpretaciones, composiciones y experimentaciones sonoras.

Existen dos situaciones principales entre matemáticas y música:

a) Tradición pitagórica: el músico establece un esquema matemático para la creación de sus composiciones.

b) Intuición: El músico crea la obra de forma intuitiva. El matemático busca un nexo entre la obra y las matemáticas.

Veamos la manera en que se relacionan la música y las matemáticas de acuerdo a la sucesión de Fibonacci.

1) El piano está constituido por octavas ordenadas de forma creciente de graves a agudas. Los primeros seis números de la Sucesión de Fibonacci figuran en una octava de piano, la cual consiste en 13 teclas, 8 teclas blancas y 5 teclas negras (en grupos de 2 y 3).

2) Béla Bartók (1881-1945), desarrolló una escala musical basándose en la sucesión que denominó escala Fibonacci:

Asi mismo, en su obra Música para instrumentos de cuerda, percusión y celesta, un análisis de su fuga muestra la aparición de la serie y de la razón áurea.

3) La Quinta sinfonía de Beethoven (1770-1827) muestran como el tema principal incluido a lo largo de la obra, está separado por un número de compases que pertenece a la sucesión.

4) En varias sonatas para piano de Mozart (1756-1791) la proporción entre el desarrollo del tema y su introducción es la más cercana posible a la razón áurea.

El estudio de la relación entre la música y las matemáticas es sumamente complejo, puede llevarnos mucho tiempo estudiar las diferentes relaciones que existen entre estas dos ramas, tanto así, que hay quienes piensan que la música y las matemáticas son una sola esencia dentro de una realidad difícil de comprender.

La relación que existe entre la música y las matemáticas es sumamente grande, el músico es un matemático por naturaleza y su música un conjunto de números y operaciones aritméticas que flotan en el aire. El músico es un ser que refleja realidades desconocidas al oyente, aun cuando en muchos casos, es el mismo músico quien las desconoce.

Julián Andrés Belmonte

Bogotá, Colombia.

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Musinetwork en el 1er. Seminario Internacional JazzTam Fest 2011

 

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Musinetwork otorgará 6 BECAS COMPLETAS en el JazzTam Fest 2011

 

CD. VICTORIA, MÉXICO. Agosto 09, 2011 – El Instituto Tamaulipeco para la Cultura y las Artes, a través de la Dirección Artística del Festival Internacional Tamaulipas, así como el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, a través de su Dirección General de Vinculación Cultural, invitan al 1er Seminario Internacional JazzTam Fest 2011, que se llevará a cabo en Ciudad Victoria, Tam (México) del 21 al 28 de Agosto del 2011 con el objetivo de impulsar el desarrollo musical de Tamaulipas y de México, a través de la creación de un programa educativo y artístico.

Ocho intensos días que incluirán actividades como clases multinivel de armonía, areglo e improvisación, conferencias, laboratorios de técnica e improvisación, ensambles, jam sessions, así como conciertos con grupos locales, nacionales e internacionales y exposiciones. Algunos de los artistas invitados del festival son: FAS Trio, Barrami Jazz, Iraida Noriega, Juan Alzate, Rafael Alcalá, Los Dorados, Mole Project, Roberto Sánchez Picasso, Evaristo Aguilar, Liza Micelli, Samuel Martínez, Herrera, Jakob Dinesen, entre otros.

Musinetwork School of Music estará presente a través de su programa presencial Musinetwork Live y la participación de dos de sus colaboradores, el bajista Panagiotis Andreou y el baterista Pablo Bencid, y su director académico, Rafael Alcalá. Estos 3 excelentes músicos impartirán distintas cátedras basadas en el programa educativo Musinetwork para todos los participantes de este evento. Debido a la importancia, calidad y magnitud de este evento, Musinetwork School of Music abrirá dentro del JazzTam Fest, una convocatoria para otorgar 6 becas completas para estudiar ONLINE a los estudiantes más sobresalientes de todo el seminario y así contribuir al desarrollo integral del músico hispano.

Gracias al apoyo del Gobierno del Estado de Tamaulipas, el Seminario, Conciertos y Talleres educativos, no tienen ningún costo. Los interesados solo deben realizar el registro en línea en la página principal del festival en http://jazztamfest.tamaulipas.gob.mx

 

 

Recuerda que Musinetwork Eres TÚ!

 

Informes:
http://jazztamfest.tamaulipas.gob.mx
http://www.facebook.com/JazzTamFest

 

 

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Musinetwork en Puerto Rico 2011

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SAN JUAN, PUERTO RICO. Mayo 15, 2011 – El pasado 12 de mayo Musinetwork School of Music visitó la isla más pequeña de las Antillas Mayores, Puerto Rico, donde su director, Rafael Alcalá, ofreció una clínica sobre Conceptos de Improvisación en el Jazz y una charla acerca de la educación a distancia como alternativa de aprendizaje.

El evento se llevó a cabo en el Conservatorio de Música de Puerto Rico, lugar en el cual se dieron cita alumnos de dicha institución y público en general, quienes pudieron disfrutar de una clase que llevo a la práctica todos los conceptos que se expusieron.

La sesión comenzó con la formación de un pequeño ensamble integrado por los mismos estudiantes, que con el pasar de temas fue intercambiando a sus miembros, logrando así, una sesión dinámica y fácil de entender, ya que todos pudieron ejecutar la tópicos de la lección.

Musinetwork School of Music sigue expandiendo fronteras, y agradece al Conservatorio de Música de Puerto Rico, especialmente al saxofonista, compositor y arreglista Tonatiuh Vázquez Vilchis por todas las facilidades prestadas para la realización de este evento.

 

 

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Reporte: Musinetwork 2010

 

Si hacemos un recuento del año que está por concluir, en Musinetwork podemos afirmar que el 2010 se caracterizó por acontecimientos que permitieron el logro de objetivos y la concretización de proyectos.

 

BOSTON. Dic 05,  2010 – Comenzamos el año registrando el mayor número de estudiantes inscritos en la escuela online desde su creación; marca que ya fue superada el ciclo octubre-diciembre, teniendo presencia en más de 18 países como Chile, Colombia, Argentina, México y Japón. Hasta el momento, hemos realizado 13 ciclos escolares ininterrumpidos y más de 2,000 músicos han formado parte de Musinetwork School of Music.

Por otro lado, este año se desarrollaron diversos programas y alianzas estratégicas con la finalidad de beneficiar a nuestros estudiantes. En el mes de agosto, Musinetwork participó de manera estelar en el 2º Seminario Internacional de Jazz Tónica GDL, aportando el programa educativo para la realización de clases teóricas, otorgando becas completas a participantes destacados y becando a dos de nuestros estudiantes procedentes de Alemania yMéxico para que asistieran a este magno evento.

Otro de los acontecimientos más importantes este año, fue nuestra colaboración en el Festival Internacional JAZZUV, en el cual se establecieron las bases para futuros programas que se realizarán junto con este importante organismo en pro de la educación. Después de todo esto, en Musinetwork agradecemos a todos los que hicieron posible que este año estuviera lleno de triunfos, que significan una motivación y compromiso con ustedes y la educación.

Esperen este 2011 el cual promete estar lleno de cambios y de mucha música

 

 

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Beca Completa Musinetwork Live en el 2do. Seminario de Jazz Tónica GDL 2010

Musinetwork otorgará 2 becas completas para asistir al 2do. Seminario de Jazz Tónica GDL

beca musinetwork live para el seminario tonica guadalajara

 

Boston, MA. 5 junio 2010 – Del 8 al 15 de agosto del 2010 se llevará a cabo el 2º Seminario Internacional de Jazz Tónica GDLen la ciudad de Guadalajara, Jalisco. México.

Durante una semana, se realizarán actividades educativas que van desde clases teóricas y prácticas, hasta conciertos y conferencias con personalidades reconocidas a nivel internacional como Danilo Pérez, Bob Sheppard, Oscar Stagnaro, Brian Lynch, Michele Weir, Iraida Noriega, Adam Rogers, Rafael Alcalá, Ben Street, Ari Hoenig, entre otros.

Sin duda alguna, el Seminario Internacional de Jazz Tónica GDL es uno de los eventos educativos más importantes de México y Latinoamérica en la modalidad de Jazz y música popular contemporánea.

CONVOCATORIA
Beca COMPLETA Musinetwork Live en Tónica GDL 2010

Debido a la importancia, calidad y magnitud de este evento, Musinetwork School of Music abre   la primera convocatoria para otorgar dos becas completas a usuarios de la Comunidad Musinetwork para que participen sin costo alguno en el 2º Seminario Internacional de Jazz Tónica GDL 2010; de esta manera Musinetwork confirma su compromiso con el desarrollo integral del músico hispano.

Bases de Aplicación:

• PASO 1: Estar registrado en la Comunidad Musinetwork.

Puedes registrate gratuitamente ahora, sólo haz click en esta liga. 

• PASO 2: Publica tu video de aplicación en Youtube.

A) En la primera parte del video háblanos un poco sobre ti, tu lugar de origen, tus proyectos musicales y la razón por la que quieres obtener la beca.

B) En la segunda parte muéstranos tu MEJOR nivel como ejecutante o solista interpretando un tema conocido de Jazz e improvisando sobre la estructura del tema. Si deseas, puedes usar una pista (play-along) o músicos en vivo para acompañarte.

Debes usar el siguiente título para tu video: Aplicación a Beca Musinetwork Live

• PASO 3: Envía un email a becas@musinetwork.com con tu nombre completo, nombre de usuario registrado en la Comunidad Musinetwork y liga para ver tu video.

 

Nota: Es muy importante que se cumpla cada requisito para que la aplicación sea aceptada.

++++++++

Fecha límite para envío de aplicaciones: 15 DE JULIO DE 2010

La publicación de resultados se hará el 26 de Julio a través de nuestra página web y las distintas redes sociales (MySpace, FaceBook y Twitter).

El Seminario se llevará a cabo en la ciudad de Guadalajara, México, pero todos los USUARIOS REGISTRADOS en nuestra comunidad tendrán la oportunidad participar en esta convocatoria y serán elegibles a dicha beca no importando su lugar de origen.

 

INFORMACIÓN GENERAL SOBRE TÓNICA GDL 2010

Evento: 2do. Seminario Internacional de Jazz Tónica GDL 2010 
Lugar: Guadalajara, Jalisco, México.
Fechas: del 8 al 15 de Agosto de 2010
Web: www.tonicagdlac.com
Email: contacto@tonicagdlac.com 

 

 

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Musinetwork en el 1er. Seminario de Jazz Tónica GDL 2009

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Musinetwork en el 1er. Seminario de Jazz Tónica GDL 2009

 

GUADALAJARA. – Durante la temporada 2009, Tónica Ciclo Internacional de Jazz con el auspicio de Cultura U de G presentará su primer seminario de Jazz en Guadalajara, Jalisco, México del 16 al 21 de agosto del 2009.

GUADALAJARA, MÉXICO. Junio 22, 2009  –   Seis intensos días que incluirán un programa completo en materia educativa que incluyen clases multinivel de armonía presentadas por la escuela de música en línea Musinetwork School of Music, conferencias, laboratorios de técnica e improvisación ensambles, orquesta de jazz, jam sessions, conciertos con grupos locales y nacionales además del concierto del ensamble “All Stars” integrado por los maestros y artistas de este seminario. Dirigido a  todo tipo de músicos en sus diferentes niveles y estilos de su preferencia.

Este seminario pretende brindar los recursos académicos y prácticos que sean necesarios para que el estudiante pueda continuar sus estudios de manera autodidacta.

Para Tónica y Cultura U de G la educación y la creación de una escena musical con más herramientas para desarrollarse es fundamental y por ello Tonica ha trabajado arduamente en diseñar programas que sean asequibles para la comunidad musical y darle así a cientos de músicos la oportunidad de aprender y llevar sus habilidades a niveles superiores – a un costo verdaderamente razonable para la economía actual – de la mano de destacados docentes, muchos de ellos con trayectorias internacionalmente reconocidas.

Dentro de este seminario Musinetwork School of Music estará presente a través de su programa de teoría y armonía contemporánea que será impartido a todos los participantes de este evento.

Gracias a la afiliación que Musinetwork tiene con Tónica GDL, los alumnos activos y pasados de Musinetwork School of Music que asistan al 1er. Seminario de Jazz Tónica GDL podrán recibir un certificado que acreditará el módulo presencial de Musinetwork Live.

 

MAESTROS Y ARTISTAS QUE IMPARTIRAN EL SEMINARIO

John Beasley http://www.beasleymusic.com 
Piano

Rafael Alcalá http://www.musinetwork.com 
Ensambles y Teoría

Antonio Sánchez http://www.antoniosanchez.net 
Batería

Hans Glawishnig http://www.hansglawischnig.com 
Bajo

Bryan Lynch http://www.brianlynchjazz.com 
Boquilla Circular

Adrian Terrazas http://myspace.com/adrianterrazasgonzalez 
Maderas

Dorian Holley http://www.dorianholley.com
Voz

Bob Sheppard http://www.bobsheppard.net 
Saxofón

Werther Ellerbrock http://go.berkleemusic.com/wertherellerbrock 
Ensambles

Tom Kessler http://www.myspace.com/tomkesslersmusic 
Ensambles

Gilberto Cervantes http://gilbertocervantes.com 
Ensambles, Director General – Tónica GDL Ciclo Internacional de Jazz 2009

 

PATROCINADORES

CULTURA UDG
DIRECCIÓN DE MUSICA
CONSULADO AMERICANO
MUSINETWORK
SOLO JAZZ
RADIO UDG
YAMAHA
PROSCENIA
ELIZONDO
RODE
ZILDJIAN
110DB
EVANS
I LATINA, LA SANTA,
CANDELA, ANIME, TINTO Y BLANCO

 

LUGAR

Escuela de Música U de G – Guadalajara, Jalisco, México

 

FECHAS

16 al 21 de Agosto del 2009

CUOTA DE RECUPERACION

$2,500 Pesos

INFORMES

 

Tónica Ciclo Internacional de Jazz GDL
Av. Moctezuma 3515 – 1B, Astral Plaza
Zapopan, Jalisco. México
contacto@tonicagdl.com 
Tel: +52 044 3333 608 537
http://www.myspace.com/tonicagdl 

 

 

 

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Rafael Alcalá en entrevista para el periódico Victoria de Durango

 

MusinetworkUna gran alternativa para el estudio musical en línea 

Por: Ricardo Ramos Navarro

DURANGO. Marzo 13, 2009 – Con los avances tecnológicos que se han venido dando en distintos rubros, la música en general también ha encontrado un revolucionado proceso evolutivo que se puede percibir tanto de en la forma de venderla, producirla pero también en la forma de estudiarla y aprenderla.

Aprovechando precisamente el acortamiento de distintas geográficas a través del correo electrónico, Periódico Victoria tuvo oportunidfad de charlar cibernéticamente con Rafael Alcalá, director general de Musinetwork School of Music.

 

Ricardo Ramos: Cómo surgió la idea de crear MUSINETWORK? 

Rafael Alcalá: Cuando me mudé a Boston en el 2001, tuve la oportunidad de conectarme con músicos del área de Nueva York con los cuales pude realizar giras y presentaciones en distintas  ciudades de Europa y América Latina. Cuando llegaba a un lugar distinto lo primero que hacía era tratar de envolverme en el ambiente de la ciudad para conocer los músicos locales. Al conocerlos me di cuenta que existía una gran necesidad entre ellos por aprender el lenguaje del jazz americano y los distintos estilos de la música popular contemporánea. Muchos de esos músicos eran muy talentosos  pero nunca habían tenido la oportunidad o los  recursos económicos para salir de sus países y venir a los Estados Unidos a estudiar música contemporánea en las distintas escuelas especializadas en este género.

Otra de las barreras que me di cuenta afectaba directamente al músico latino era el idioma, pues la mayoría de los métodos musicales enfocados en este género están en inglés y son muy difícil de conseguir fuera de los Estados Unidos. Fue entonces que tuve la idea de comenzar a dar clases privadas por Internet,  en español y por medio de video conferencias. Desde el principio, esto método dio muy buen resultado pero aun así estaba limitado a la cantidad de estudiantes que podía atender cada semana.

A partir de ese momento trabajé varias ideas con algunos colegas y empecé a desarrollar una plataforma que pudiera crear un espacio en el Internet donde un número ilimitado de usuarios, sin importar donde se encontraran pudieran  interactuar, compartir ideas y conocimientos musicales, intercambiar archivos educativos y  conectarse con otros músicos alrededor del mundo las 24 horas del día, 7 días a la semana.

Así fue como nacieron los Foros de la Comunidad Musinetwork.

Simultáneamente, diseñe un programa académico estructurado y la metodología que sería la base de Musinetwork School of Music creando cursos de teoría y armonía contemporánea, arreglo, improvisación y ejecución instrumental totalmente en español y dirigidos al músico latino.

 

Cómo es la mecánica general de estudio en MUSINETWORK? 

Rafael Alcalá: Musinetwork es una escuela de música online “por Internet”.

En escencia es una escuela virtual  pero mantenemos una estructura de una escuela presencial.  Es decir, se trabaja bajo un calendario donde el estudiante participa dentro de un salón de clases virtual e interactúa directamente con su instructor y demás compañeros, mismos que se encuentran en distintas partes del mundo.

Cada ciclo de cursos tiene una duración de (3) tres meses. Cada semana se presenta una nueva lección en forma de video clase y material didáctico. Durante las semana se trabaja lel contenido de la lección en equipo, el alumno puede realizar todo tipo de preguntas y comentarios relacionados con la clase, fomentando así el intercambio de ideas entre los participantes.

El contenido de cada lección es evaluado por medio de tareas semanales y distintos proyectos que miden objetivamente el avance de cada estudiante. Gracias a la plataforma con la que contamos,  el estudiante puede regresar en cualquier momento para volver a revisar las video-clases y lecciones pasadas ilimitadamente.

Cada determinado tiempo el instructor realiza un Chat para seguir interactuaando con los participantes del curso y así aclarar cualquier duda adicional que puedan tener.

Adicionalmente al material del curso, esporádicamente tenemos a artistas invitados quienes participan dentro de Musinetwork School of Music por medio de entrevistas en vivo por la Radio MNW , video-conferencias y pláticas en el Chat para compartir sus experiencias profesionales con nuestros estudiantes.

Toda esta interacción ocurre dentro de Musinetwork por medio del Internet.

 

Qué tan efectiva puede resultar la educación musical en línea? 

Rafael Alcalá: La educación musical a distancia es muy efectiva cuando existe la supervisión y asesoramiento profesional de un instructor que guíe al estudiante en como beneficiarse favorablemente de la información del curso y sobre todo como aplicar esta información de forma práctica.

El Internet elimina la distancia geográfica que puede existir entre lo músicos y a la vez le permite tener un contacto directo que fomenta un intercambio cultural, educativo y  de información.

Por ejemplo:

• La actividad de estudio se puede llevar a cabo desde la comodidad de su hogar o cualquier espacio que cuente con un equipo de cómputo sencillo y conexión a Internet.

• El estudiante elige su propio horario de estudio. Por ejemplo, la tarea de cada lección puede ser realizada en el horario que mejor le convenga durante la semana ya que tiene acceso las 24 horas del día para estudiar el contenido y estar al corriente con el resto de la clase.

• Interactuar y estudiar alrededor de músicos de diferentes partes del mundo.

• Acceso a mayor cantidad de material didáctico e informativo.

 

Cuál ha sido el mayor obstáculo que se han encontrado al impartir clases en línea, y cuál el mayor beneficio? 

Rafael Alcalá: El mayor obstáculo recae sobre el propio estudiante. La educación a distancia es más demandante que la educación convencional ya que requiere una responsabilidad y honestidad del participante en el estudio de material educativo.

Por ejemplo,  en Musinetwork todas las evaluaciones y proyectos de la clase son presentadas y revisadas abiertamente, es decir que todos los participantes del curso pueden ver los comentarios y tener acceso a las tareas de sus compañeros. El instructor no puede evitar que el estudiante utilice el trabajo de los demás y lo presente como propio. Es aquí donde la responsabilidad de cada participante es requerida para poder medir un avance obetivo.

El mayor ventaja de impartir clases de música por Internet es la combinación que se crea entre el asesoramiento profesional de un instructor capacitado con el acceso a información que obtiene por medio del curso. Esta unión puede ser de gran beneficio y obtiene resultados reales.

 

Qué tanta preparación musical previa debe tener un alumno para poder ingresar a MUSINETWORK? 

Rafael Alcalá: Contamos con cursos muy básicos que proveen la fundación para aquellos estudiantes que cuentan con poco conocimiento musical. Para participar en Musinetwork School of Music no es necesario tener conocimientos previos pero sí contar las herramientas básicas como acceso a Internet, una computadora sencilla, el instrumento musical y por supuesto muchas ganas de aprender.

 

Nos puedes mencionar por favor algunos de los colaboradores académicos más connotados con los que cuenta MUSINETWORK? 

Rafael Alcalá: Musinetwork desde sus inicios ha contado con la importante aportación de algunos de los docentes  más reconocidos a nivel internacional y músicos profesionales en los Estados Unidos.

Entre los más destacados se encuentran:

Victor Mendoza (Vibrafonista, Berklee College of Music)
Ximena Sariñana (Cantante, Artista Warner Music)
Antonio Sanchez (Baterista, Pat Matheney Group)
Oscar Stagnaro (Bajista, Paquito D’ Rivera)

 

Cómo converge la riqueza cultural generada en lo que ustedes han denominado “Comunidad MUSINETWORK”? 

Rafael Alcalá: En la Comunidad Musinetwork actualmente contamos con más de 2500 participantes activos en más de 30 países alrededor del mundo.  Esto crea una mezcla de culturas, ideas e intercambio musical cuyo resultado es el aprendizaje mutuo. Dentro de esta comunidad se han entablado diálogos muy profundos y de alto nivel académico acerca de un tópico específico dentro de la música popular contemporánea.

Otro aspecto muy importante de esta comunidad es el respeto y sentido de camaradería que existe entro los participantes. Esto hace que las aportaciones estén totalmente enfocadas a ayudar a un compañero a resolver sus dudas.

 

Qué tan importante sigue siendo la parte presencial que ustedes manejan por medio de MUSINETWORK LIVE? 

Rafael Alcalá: Unos de los aspectos más importantes de Musinetwork School of Music es el contacto directo que existe entre el instructor y el estudiante. Paralelamente al plan de estudios online, Musinetwork ha estructurado un programa presencial bajo el nombre de Musinetwork Live.

En este programa maestros de Musinetwork School of Music visitan una institución para realizar un evento presencial ofreciendo clases magistrales, conferencias, conciertos y talleres prácticos a estudiantes y músicos de la ciudad.

Es una oportunidad para que el estudiante conozca personalmente  a los instructores y ponga en práctica lo aprendido en los cursos online.

El objetivo principal de este programa presencial (MNW Live) es establecer alianzas con organizaciones educativas en distintos puntos de Latinoamérica y así crear una red educativa y cultural en la cual nos apoyemos mutuamente en el crecimiento musical y profesional de los estudiantes.

 

Hablando de la industria musical en general, y tomando en cuenta la gran revolución generada por los medios electrónicos, creen que llegue un momento en que ésta sea totalmente virtual? 

Rafael Alcalá: La música como cualquier otro arte necesita del aspecto orgánico para seguir evolucionado. Podemos tener la tecnología más avanzada pero el contacto directo entre los artistas debe ocurrir al igual que el sonido orgánico de un instrumento acústico. Pienso que nunca se podrá reemplazar este elemento que es fundamental para continuar explorando el arte.

 

Por último, de qué manera consideran que MUSINETWORK  ha contribuido y seguirá contribuyendo en las nuevas formas de generar, impartir, y compartir la parte académica de la música? 

Rafael Alcalá: La mayor contribución de Musinetwork es permitirle al músico contemporáneo de habla hispana obtener una educación musical formal, de alta calidad desde una institución en los Estados Unidos y totalmente en español sin importar donde se encuentre.

Actualmente no existen muchas escuelas que impartan clases o cursos de música por Internet, esto nos da una gran ventaja ya que tenemos un campo abierto para crecer. Sin embargo, aun falta crear una cultura en el músico latinoamericano para reconocer los beneficios de la educación a distancia.

En Musinetwork School of Music nuestro objetivo principal es brindar un programa educativo diseñado bajo rigurosos estándares de calidad, enfocado en las distintas ramas de la Música Popular Contemporánea , utilizando la tecnología para maximizar el aprendizaje y crecimiento del músico contemporáneo de habla hispana en el mundo.

Y por medio de la Comunidad Musinetwork, ser el punto de encuentro donde músicos puedan realzar enlaces estratégicos que los beneficie de forma educativa y práctica en su formación y proyección como profesionales de la música.

 

 

Musinetwork News
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Musinetwork en JazzUV, Universidad Veracruzana

Musinetwork en Jazzuv

 

XALAPA, MÉXICO. Feb 15, 2008  – Del 16 al 20 de marzo del 2009, el director académico de Musinetwork School of Music, Rafael Alcalá, estará visitando a la escuela JAZZUV de la Universidad Veracruzana en la ciudad de Xalapa, Veracruz, México para llevar a cabo una semana de actividades educativas enfocadas en la improvisación y lenguaje del jazz.

Gracias al apoyo del maestro Edgar Dorantes, director de JAZZUV y el Departamento de Difusión Cultural de la Universidad Veracruzana, los alumnos de Musinetwork School of Music (activos y pasados) podrán asistir a este curso sin nungún costo .

Durante esos días se realizarán talleres, clases magistrales, presentación del programa educativo de MNW School of Music y un concierto. Además, se realizará la entrega de certificados a aquellos alumnos que han terminado con el programa online del Contemporary Musician Certificate de Musinetwork School of Music y puedan asistir a este evento presencial.

 

 

 



Información General 

Fecha: 16-20 de marzo
Lugar: JAZZUV , Universidad Veracruzana
Dirección: Calle Leona Vicario, esquina con Allende. CP. 91000
Ciudad: Xalapa, Veracruz, México.
Tel: (228) 817-32-18
email: jazzuv@yahoo.com.mx 
web: www.jazzuv.com 

 

 

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