Vive la música este otoño Musinetwork School of Music

 

  • Musinetwork es una escuela de música en línea que permite a los estudiantes obtener una educación formal mediante cursos y certificaciones en música popular contemporánea.

Con la finalidad de cubrir la demanda de los músicos profesionales de tener acceso a cursos y certificaciones de primer nivel, Musinetwork inicia su periodo de clases Otoño 2014 el 21 de octubre.

Logrando consolidarse como una de las instituciones académicas más importantes en América Latina, Musinetwork ha logrado conformar un programa educativo que satisface las necesidades de muchos jóvenes hispanoparlantes, quienes buscan  la profesionalización del conocimiento musical.

Para lograrlo ha creado un programa interdisciplinario que permite a los estudiantes tener acceso a clases y asesorías personalizadas, vincularse con estudiantes de más de 20 países, compartir sus experiencias en diferentes plataformas online y sobretodo integrarse a una comunidad solidaria y que prevalece a pesar del tiempo y la distancia.

Durante este período se abrirán dos programas de certificación Contemporary Musician Certificate y Jazz Studies Certificate, y diversos cursos vinculados a la Música Popular Contemporánea, los cuales serán impartidos por músicos con amplia experiencia docente.

“Accesibilidad y flexibilidad son dos palabras que definen Musinetwork, pues buscamos crear un proyecto que permite profesionalizar el conocimiento musical desde casa, manteniendo estándares de calidad y adaptado a las necesidades de cada uno de nuestros estudiantes, esto sin perder el espíritu de unidad y pertenencia que se tendría en una escuela tradicional y buscando que nuestros egresados se conviertan no sólo en músicos profesionales sino en agentes de transformación que ayuden al desarrollo de su comunidad” señala Rafael Alcalá, Director y Fundador de Musinetwork School of Music.

Las inscripciones están abiertas y se cerrarán hasta el día 31 de octubre, para más información puedes visitar la página http://musinetwork.com/mnw-school-of-music/ .

 

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Tips para dar clases de música para niños

 

Durante los años que llevo desarrollando la educación musical he encontrado múltiples formas de emoción en mis estudiantes, y es que definitivamente la música tiene ese poder, pero ahí musical también me he topado con casos especiales y uno de ellos son niños que no tienen interés en la música. En este artículo les comparto, según mi experiencia personal, algunos tips que me han funcionado para estos momentos, así que si has decidido dedicarte a la educación, esto te puede servir.
Dar clases a niños es una gran oportunidad, ya que como músico y maestro, estarás frente al jurado mas exigente que puede haber. Recuerda que parte fundamental de tu labor será inyectarles emoción y amor por el arte de los sonidos, debes estar consiente que cada cosa que hagas en beneficio de eso, cuenta.

He aquí mis recomendaciones:

1-Pregunta.
Un colega me decía hace un tiempo que con regularidad sus estudiantes dejaban las clases y el no entendía porque. Un día después de tanto oír la historia, pregunté: ¿qué música le pones?, él me contestó: MEGADETH!
El mayor error como maestros, es creer que nuestros gustos y emociones son las mismos que las de los alumnos. Es por eso que recomiendo que ante un nuevo alumno pregunta:
¿Qué artistas o grupos escuchas? ¿qué programa de televisión ves? ¿cuál es tu dibujo animado favorito?
Los niños se emocionan ante lo que conocen, si la música no es su interes, lo que seguramente será es la música de su serie favorita, así que investiga y trabaja el repertorio.

2-Toca piezas que los emocionen.
Se que pasaste muchas horas tocando a Bach o Mozart, quizás Miles Davis o Charlie Parker, pero un estudiante joven no esta interesado en eso, posiblemente la música de los comerciales de tv, la de las películas o alguna canción hit lo acerquen más a tus lecciones. Tu labor es llevarlos al consumo de la música ideal, pero debes empezar por lo que les gusta, asi como todos empezamos leyendo a historietas y ahora leemos a Cortázar.

3-Siempre Planifica.
Es elemental tener un modelo de planificación de clases, cualquiera que sea el instrumento que impartas. De esa manera podrás tener una visión general de tu programa y trabajarás unas lecciones dinámicas y sin aburrimiento.

4-Ver para creer.
Incentiva la didáctica. Ver es una de las etapas más atractivas para un niño, es por eso que los dibujos animados tienen colores,. Planea clases donde utilices videos musicales, algún concierto, invierte en algún CD o revista musical que le puedas obsequiar e inclúyelo dentro de tu método.

5-Pocas Palabras
Utiliza frases cortas y no uses la presión. Muchas veces luchamos buscando que los estudiantes corran por el diapasón o se embotellen las escalas, teoría o licks. Usa el sistema simple; como cuando aprendimos a hablar, que comenzamos a decir palabras como papá y mamá, así es la música. Empieza por darle alguna frase simple, a veces las melodías sencillas pueden enganchar a tu estudiante.

6-Profesional ante todo
Organiza tu evaluación, en este punto es elemental que mantengas siempre la formalidad y la seriedad. Los padres siempre agradecerán tu atención con los detalles, una ficha de clases con tu logo o nombre, un reporte de resultados, un recibo para los honorarios y elementos como esos hará la diferencia en tu labor como profesional.

 

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Por Juan Guivin (Perú, con residencia en la República Dominicana)
Instructor, Jazz Foundation in the Dream Project
Estudiante Becado de Musinetwork School of Music

Nueva imagen Musinetwork

Cursos de Música ONLINEA partir del mes de Septiembre, en Musinetwork comenzamos una etapa acompañada de un nuevo sitio web  totalmente optimizado,  con la finalidad de mejorar la experiencia de quienes visitan nuestra página, y de igual forma facilitar su estadía en nuestro campus virtual.  Una de las motivaciones para realizar este cambio fue darle un lugar especial al alma de la escuela, nuestra Comunidad.

En Octubre, comenzamos nuestro ciclo escolar con gran éxito, ya que se integraron a nuestra comunidad estudiantes provenientes de distintos países como: México, Argentina, España, Colombia, Venezuela, Perú, Honduras, Bolivia, Costa Rica, Estados Unidos y Puerto Rico.

En Musinetwork seguimos trabajando para ti.

Te invitamos a estar pendiente de las actividades que tenemos planeadas para toda la Comunidad de Músicos Musinetwork, y a formar parte de este movimiento.

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Musinetwork School of  Music: reinventando la manera de estudiar música.

 

 

 

 

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Convocatoria: Mi Instrumento Soy Yo…

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Con la finalidad de incentivar la participación de los estudiantes y mostrar la diversidad que existe dentro de nuestra Comunidad, Musinetwork lanza la convocatoria: Mi Instrumento Soy Yo…

La intención es que, los integrantes de la Comunidad muestren su personalidad a través de los distintos instrumentos musicales ,y expresen la multiculturalidad que existe en la música alrededor del mundo.

Participar es muy sencillo, solo:

1.- Toma una fotografía a tu instrumento musical desde tu cámara o celular.

2.- Envíala a: registro@musinetwork.com con tu nombre y país de procedencia.

3.- ¡El resto, lo hacemos nosotros!

La fecha límite de entrega es el próximo miércoles 13 de noviembre.

Participa  y comparte tus fotografías con la Comunidad  Musinetwork, integrada por músicos de todo el mundo.

Todo el material será publicado dentro de nuestro sitio web y en los canales oficiales en redes sociales.

Musinetwork School of Music,  nuestro lenguaje en común es: la música.

 

 

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Gaceta Musinetwork No. 2: El jazz latino

 

Nuevamente poniendo sobre la mesa el quehacer latinoamericano en la música, la Segunda Gaceta Musinetwork ha abordado en esta ocasión al Jazz Latino para exponer parte de su historia, anécdotas y exponentes.

El jazz latino se ha constituido como una de las expresiones más enriquecedoras y envolventes de la Música Popular actual. Por doble partida, este subgénero ha logrado capitalizar las expresiones de la música tradicional latina y el jazz,  resultando un incomparable sonido caracterizado por la dinámica y el sabor de ritmos como el son cubano, el mambo, la rumba y muchos más.

En esta ocasión hemos preparado un número que cuenta con la participación de un integrante de la Comunidad, ex-alumno y colaborador de Musinetwork, el baterista originario de Chaco, Argentina Carlos A. Negrini, quien aporto el artículo “90 años de jazz argento”, en el cual nos comparte los inicios y posterior evolución del jazz en Argentina, los exponentes más sólidos de este género y la forma en que fue adoptado y popularizado.

La colaboración de Negrini es el parteaguas de apertura en Gaceta Musinetwork como espacio de expresión para nuestra Comunidad  en general, aperturando las vías para fortalecer la vinculación de alumnos, academicos y músicos en general al cumplir con uno de los principales objetivos planteados  en la creación de esta publicación escolar: la difusión de cultura musical.

Esperamos que esta edición sea de su agrado y los invitamos a compartir este material elaborado con especial dedicación para toda nuestra Comunidad.

Para leerla y descargarla gratuitamente haz click en la siguiente liga:

 

 http://musinetwork.com/boletines/noticia/gaceta/julio-2013/gaceta-julio-2013.pdf

 

 

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Musinetwork, un Proyecto Cultural

 

Durante 8 años, Musinetwork School of Music se ha consolidado como uno de los proyectos educativos online con mayor presencia y éxito en los países de habla hispana.

Fundada en el año 2007 por el maestro Rafael Alcalá, Musinetwork ha fluido por diferentes etapas en las que se ha privilegiado el perfeccionamiento de sus contenidos y atención a sus estudiantes. Asimismo, se ha podido lograr la colaboración y el reconocimiento de diferentes instituciones y festivales como Tónica Encuentro Internacional de Jazz de Guadalajara, el Festival Internacional de JAZZUV de la Universidad Veracruzana y el  JazzTam Fest del Instituto Tamaulipeco para la Cultura y las Artes.

En el transcurso del 2015, han sido muchos los avances que esta escuela de música online ha logrado. El primero de ellos fue haber obtenido el mayor número de alumnos en el primer ciclo escolar del año, logrando una composición diversa de estudiantes procedentes de México, España, Colombia, Ecuador, Argentina, Chile e incluso Brasil.

Por otra parte, Musinetwork ha podido consolidar un nuevo espacio para la información, opinión e intercambio de ideas entre su Comunidad, ensalzando siempre los valores propios de nuestra escuela tales como la tolerancia, la multiculturalidad, la diversidad y la integración. De esta manera, Musinetwork busca establecer una publicación mensual que sirva como voz para todos los alumnos, no alumnos y académicos.

Otra de las importantes actividades  del último año, ha sido la participación de la académica Athziri Molina, asesora de Musinetwork,  en el Coloquio “La Gestión Cultural en México: reflexiones desde lo local” de la Universidad Veracruzana y la Universidad Pedagógica Veracruzana realizado del 20 al 21 de junio en Xalapa, Veracruz, en el que presentó la ponencia “Musinetwork School of Music. Una construcción de sentido”, la cual verso con respecto a la historia y evolución de esta escuela de música online, el proceso de consolidación del proyecto, el perfil de los estudiantes y el impacto que ha tenido en diferentes países de habla hispana como una opción para el aprendizaje musical.

Sin duda alguna faltan realizar un gran número de actividades en lo que resta del año, sin embargo Musinetwork nunca cede en la búsqueda del mejoramiento y optimización de sus contenidos, métodos, procesos y alcances, todo con la finalidad de marcar una diferencia y expandir las posibilidades del músico hispanoparlante para realizar sus estudios y cumplir con sus expectativas de una formación integral y conciliadora con su modo de vida.

Este mes, se abrió la convocatoria para ingresar a estudiar a Musinetwork, el periodo de inscripciones ya comenzó y el inicio de clases será el 19 de octubre.

Para mayor información acerca del Proyecto Educativo Online Musinetwork, puedes consultar:  http://musinetwork.com/mnw-school-of-music.html

 

 

 

 

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Gaceta Musinetwork – Próximamente

Al igual que en las grandes instituciones educativas, la existencia de un medio informativo escolar, ya sea radio, televisión, periódicos o revistas,  es un factor determinante en la difusión y discusión de diversas temáticas y novedades relacionadas con las disciplinas de estudio.

En la búsqueda de crear un espacio de intercambio de información educativa e incluso de opiniones con respecto al quehacer musical en la actualidad, Musinetwork School of Music ha decidido crear una publicación oficial mensual  bajo el nombre de “ Gaceta Musinetwork ”.

Con la finalidad de sentar las bases para una posterior participación del alumnado en el planteamiento y discusión de diferentes temáticas referentes al mundo de la música, Gaceta Musinetwork contempla en esta nueva publicación diferentes secciones en la que cada mes se abordará y se opinará sobre diferentes aspectos de un tema en particular.

Asimismo, se ha contemplado abrir un  espacio en el que la Comunidad Musinetwork pueda intercambiar y recomendar distintos discos relacionados con la temática mensual, fomentando así un crecimiento en el conocimiento de distintos géneros en el lector y resaltando la multiculturalidad y la tolerancia que se promueve por parte de nuestra escuela.

Los invitamos a esperar el primer número de la Gaceta Musinetwork y a disfrutar de su contenido, abierto a la aportación de nuestra Comunidad en aras de lograr una mayor difusión de los conocimientos generales  referentes a la música y a diferentes situaciones inherentes a ella.

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Hip Hop: la voz de los olvidados (parte 3 La adopción Latinoamericana)

Como parte de un gran número de movimientos músico-culturales, el hip hop fue una expresión cuya difusión alcanzó a los cinco continentes y en algún momento dado, formó parte de la cultura pop (ahora muy comúnmente denominada “mainstream”) exportada por los Estados Unidos como parte de las tendencias musicales más importantes aquel entonces.

Sin embargo, las características propias de las regiones  a las que el hip hop llegaría, imprimirían un sello muy particular y diferenciado, tal es el caso de América latina y España.

Los variados procesos históricos, políticos y sociales influirían determinantemente en la forma en que los países de habla hispana crearan e interpretaran este género musical. Fue a partir de la década de los ochenta y principios de los noventas, coincidiendo con la denominada “época de oro” norteamericana, que las primeras agrupaciones de hip hop saltarían a la vista en América latina.

Un gran impulso en la escena y difusión del hip hop fue el éxito de la agrupación Cypress Hill en Estados Unidos, integrada por un grupo de DJ’s y Mc’s de origen latino (cubano-mexicanos).

Aunado a lo anterior, el contacto con el extranjero fue vital para el desarrollo de la escena hip hopera como por ejemplo en el caso de Colombia y México. La migración de un gran número de nacionales de estos países hacia Estados Unidos trajo como consecuencia la adopción de esta cultura principalmente por los jóvenes. En Colombia, grupos como Gotas de Rap y La Etnia fueron el parteguas para la formación del movimiento a principios de los noventa, describiéndose temáticas de su entorno como la violencia, la pobreza, la guerra (contra las drogas) y el secuestro. Posteriormente, llegarían nuevos grupos y MC’s como Tres Coronas, Zehtyan, Bastian MC, Fondo Blanco, entre muchas otras.

En el caso de México, su ubicación geográfica (al compartir una vasta frontera con Estados Unidos), fue el motor para la difusión y consolidación de este género. Sin embargo, las primeras agrupaciones se caracterizarían por provenir de la producción comercial y contar con el apoyo de los principales medios de difusión, entre ellas  Kaló y Speed Fire. Sin embargo, el hip hop de contracultura se posicionaba principalmente en ciudades como Monterrey (relativamente cercana a Estados Unidos) y la ciudad de México, surgiendo agrupaciones como Control Machete, Resorte, Plastilina Mosh y Molotov, cuyos sonidos transgresores y poco convencionales lograrían un replanteamiento incluso a géneros como el rock y el metal, llevando a cabo mordaces críticas contra la pobreza, la corrupción, el abuso de poder y el sistema político establecido hasta entonces. Posteriormente, surgirían en los 2000’s  nuevas propuesta como Cártel de Santa, Bocafloja, Ckan, Atenta2, entre otros, que se caracterizarían por el uso de un lenguaje agresivo y cuyas temáticas versarían sobre la violencia, las pandillas y el hedonismo, en coherencia con la tendencia norteamericana.

Por otra parte, en países como Chile y Argentina el movimiento del hip hop estaría considerablemente relacionado con la apertura democrática y la caída de las dictaduras militares.

En Chile, la radio y la televisión así como el retorno del exilio de un gran número de personas, serían el caldo de cultivo para el desarrollo de este movimiento musical. Entre las agrupaciones más representativas encontramos a Panteras Negras, Tiro de Gracia, Makiza y Rozonancia. La crítica a la marginación, la represión militar e incluso la adopción de rimas con tendencia poética fueron la constante. Actualmente, existen importantes exponentes como Zaturno, Hortadoj, Sello Personal, Estrellas del porno, Eskina, Bordeline, Excelencia Prehispana, Salvaje Decibel, Seo2 y Ana Tijoux (ex Makiza).

En Argentina, desde los años ochenta surgieron las primeras expresiones de hip hop de manera underground y como consecuencia de la llegada de la libertad de expresión  obtenida a raíz de la caída de la dictadura militar. Ya en los 90’s la escena se consolidaría el posicionamiento del hip hop con grupos como Sindicato de Hip hop, Illya Kuryaki and The Valderramas, entre otros. Actualmente la escena se encuentra dominada por grupos como Mustafa, Frost, Carballo, Ácido Mc, entre otros.

Así también, países como España, Puerto Rico y Cuba han adoptado de manera trascendental el hip hop, presentando al mundo  importantes exponentes como La Mala Rodríguez, Calle 13, Orishas y Los Aldeanos, cuyas letras siguen plasmando las distintas problemáticas sociales de estos países.

Para bien o para mal, el hip hop en Latinoamérica y España como movimiento ha plasmado distintas y  muy variadas formas de interpretar la realidad, pero sin embargo, hablando a partir de una perspectiva cotidiana, ya sea desde un caserío cubano o puertorriqueño hasta una periferia urbana de México o Colombia. Es indiscutible que más allá de la historia o las temáticas planteadas, que este género musical habla del entorno y es una proyección más de cómo podemos interpretarlo.

Tomando en cuenta esto, es posible entender la variación de las temáticas hasta nuestra actualidad, en la que algunos exponentes del género han decidido describir la violencia, las drogas, las pandillas y la muerte más allá de la conciencia ante los problemas sociales. De manera común, el hip hop norteamericano y el latinoamericano siempre han buscado hablar desde la perspectiva de la opresión económica, cultural o social. Ha sido la voz de crítica o de simple narración de las circunstancias de la exclusión y la marginación. En otras palabras, la voz de los olvidados.

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Hip Hop: la voz de los olvidados (parte 1)

Agresivo, intenso, intimidante y poco convencional son algunos de los calificativos que en más de una ocasión hemos podido escuchar cuando la gente opina del hip hop. Lo que pocas veces se conoce sobre este movimiento artístico es su historia y la importancia que ha adquirido para distintos grupos e individuos alrededor del mundo, incluso en América Latina.

También conocido como rap, el HIP HOP se compone de cuatro elementos: el MC (Master of Ceremonies, ejecutante de rimas rítmicas e improvisador), el DJ o turntablism (creador de la música mediante manipulación de pistas de vinilo), breakdance (baile compuesto por movimientos aeróbicos y rítmicos que combinan bailes aborígenes, artes marciales, gimnasia y funk) y por último, el graffiti (pintura o creación de inscripciones en mobiliarios urbanos).

Se considera como algunas de las principales inspiraciones del  hip hop a los denominados “griots”, poetas y cantantes de alabanzas de África occidental, y al posterior movimiento jazz poetry, expresión que conjunto elementos de la cultura afroamericana con la poesía y que tuvo especial auge en los años 20’s y con la denominada “Generación beat” de los escritores y amantes del jazz Allen Ginsberg, Jack Kerouac, Bob Kaufman, entre otros.

Este movimiento artístico-musical surgió durante los primeros años de la década de los 70’s en los barrios marginales de Nueva York, principalmente en el legendario vecindario del Bronx, donde convivían un gran número de familias afroamericanas, jamaiquinas y puertorriqueñas, de las cuales fueron retomados grandes elementos de sus culturas para la creación de este género.

Fue en las fiestas vecinales denominadas Block Parties (fiestas de la cuadra o manzana habitacional) que se comenzaron a presentar los primeros espectáculos de DJ’s acompañados de MC’s, acoplando rimas rítmicas con mezclas musicales de funk y soul. Asimismo, el hip hop se caracterizó por la exclusión de ritmos de moda,  dado del recelo y molestia que causaba entre la comunidad afroamericana la “europeización” de la música disco.

Posteriormente, los beats de los DJ’s se vieron enriquecidos por las técnicas conocidas por los jamaiquinos del Bronx, que se dedicaban principalmente al género del dub, que sin embargo no fue incluido como beat por no ser un género de gran aceptación en Nueva York.

Desde sus inicios, el hip hop fue foro para la expresión de sentimientos y opiniones de las comunidades afroamericanas y latinas, principalmente los referentes a su exclusión en la cultura norteamericana y la poca o nula importancia de su opinión y participación en ella. De esta manera, estos grupos pudieron expresar a partir de las rimas rítmicas su voz con respecto a su condición política, económica y social. De las misma manera, temas poco apropiados para el público en general como el sexo y las bromas vulgares y escatológicas fueron también tocadas por los MC’s.

Entre los primeros exponentes del género encontramos  a DJ Hollywood, Kurtis Blow, Afrika Bambaataa, Melle Mel, Spoonie Gee, The Sugarhill Gang, entre otros.

El hip hop, tendría una amplia aceptación en la contra cultura norteamericana, por lo cual a finales de los 70’s se llevarían a cabo las primeras grabaciones mientras que en la décadas posterior, se afianzaría su difusión en Estados Unidos, tema que abordaremos más a detalle en la próxima entrega.

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El impacto del E Learning en Latinoamérica y España

 

 

La expansión del uso del Internet en el mundo y el desarrollo cada vez más apresurado de nuevas tecnologías ha traído como consecuencia el planteamiento de nuevos modelos educativos, como en el caso del E Learning.

Aunque el concepto de la educación a distancia encontró sus primeros referentes en países latinoamericanos como México y Brasil en la década de los cuarentas, esta modalidad educativa pronto se incorporó a muchos sistemas de enseñanza de países desarrollados como Inglaterra y Estados Unidos. Esto obedeció a las grandes ventajas propias de esta dinámica caracterizadas por su amplio acceso y flexibilidad.

La actualización y perfeccionamiento de la educación a distancia por medio de plataformas como Internet y el uso de nuevas tecnologías fue un proceso que naturalmente nació en los países con acceso a estas herramientas. Fue así que instituciones públicas y privadas de países en desarrollo comenzaron a impulsar el denominado E learning, basándose en el tradicional modelo de la educación a distancia  por correo postal.

En la actualidad, la adopción y el desarrollo del E Learning en Latinoamerica ha ido aumentando de manera considerable. Por ejemplo, se calcula que el 38% de las empresas de esta región utilizan esta modalidad educativa para la capacitación y actualización de su personal, siendo México y Brasil los punteros en este sentido con un 41% de penetración, seguidos por Argentina con 39% y Colombia y Chile con un considerable 30%.

Con lo que respecta al ámbito educativo, los especialistas aseguran que el E Learning ha tenido un gran crecimiento en Latinoamerica principalmente por las desventajas geográficas e incluso la desigualdad económica, las cuales se ven superadas por nuevos sistemas de aprendizaje como éste. En este sentido, son tantas las aspiraciones de desarrollo, aprendizaje y superación social características de las sociedades latinas que el E Learning se ha posicionado como una opción viable para instituciones educativas públicas y privadas.

Musinetwork School of Music es una escuela de música ONLINE dirigida al público de habla hispana, siendo uno de sus principales objetivos la formación y actualización de músicos en el campo de la ejecución, composición, arreglo, producción y dirección de su disciplina.

Con presencia en más de 20 países de Hispanoamérica, Musinetwork ofrece programas académicos con contenidos vertebrales para los músicos contemporáneos contado con cursos específicos sobre Teoría y Armonía, Arreglo, Estudios en Jazz, Historia y Ejecución (en el caso de la guitarra). Por otra parte, esta escuela de música online oferta 2 certificaciones de estudios musicales: el Contemporary Studies Certificate dirigido a músicos en general, y el Jazz Studies Certificate para músicos interesados y especializados en este género.

El próximo inicio de ciclo escolar es el 15 de Abril y las inscripciones están abiertas!

Para mayores informes haz click en: http://musinetwork.com/mnw-school-of-music.html

Reserva tu lugar escribiendo a: registro@musinetwork.com

Para realizar tu inscripción haz click en: http://musinetwork.com/inscripcion.html

 

 

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Video Clínicas Gratuitas Musinetwork


Desde su creación en 2007  Musinetwork School of Music, ha incluido en su plataforma, diferentes video clases y entrevistas a distinguidos músicos con la finalidad de compartir experiencias, recomendaciones y conocimientos  a la Comunidad Musinetwork de manera gratuita.

Diversas figuras del medio musical han colaborado con nuestra escuela para enseñarnos un poco del importante conocimiento y práctica que poseen.

Entre ellos podemos mencionar a Ximena Sariñana, vocalista, compositora y actriz  mexicana, quien nos compartió un poco de su experiencia musical contándonos sobre algunas dinámicas en los grupos musicales y mencionando algunos tips para lograr una mayor difusión de nuestro trabajo artístico.

Otra distinguida entrevista fue la que el maestro Mulatu Astatke concedió a Musinetwork School of Music, hablándonos un poco de su experiencia personal en el mundo de la música y opinando sobre el papel de los músicos africanos y latinoamericanos en la actualidad. En suma, una  plática enriquecedora con el denominado padre del denominado Ethio-jazz.

Asimismo, Musinetwork conversó también con el baterista mexicano y miembro de la banda de jazz fusión Pat Metheny Group, Antonio Sánchez quien nos compartió su opinión sobre el jazz en América Latina, la importancia del intercambio cultural en el quehacer musical y sobre el desarrollo de un sonido propio en el instrumento.

Además de estas valiosas entrevistas, algunos otros músicos de gran importancia y trayectoria realizaron video clases magistrales para los alumnos y el público en general de Musinetwork School of Music. Entre ellos podemos destacar al vibrafonista Victor Mendoza, el trombonista Angel Subero, los percusionistas Marcus Santos, Jesús Andujar y Arturo Stable, el bajista Fernando Huergo, los saxofonistas Hailey Niswanger y Arturo Caraza y el guitarrista Ric Cortez , quienes compartieron algunos de sus conocimientos y experiencias con nuestra comunidad virtual.

¡Los invitamos a disfrutar y aprender con las Video Clínicas Gratuitas que Musinetwork ha realizado para todos ustedes!

Haz click en:  http://musinetwork.com/colaboradores-mnw.html

¡No olvides que las INSCRIPCIONES para el próximo ciclo escolar en Musinetwork que comienza el 15 de abril ya están abiertas!

Reserva tu lugar en:  http://www.musinetwork.com/inscripcion.html

 

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¿Qué es la Multiculturalidad?

… el respeto y convivencia entre distintas culturas ha encontrado un punto de equilibrio en el fomento de la denominada Multiculturalidad, la cual consiste en resaltar las diferencias culturales particulares con la intención de generar una sana convivencia entre las mismas, alentando en todo momento un ambiente de tolerancia y respeto.

La enorme diversidad cultural en nuestro planeta es una situación que además de enriquecer diferentes visiones de nuestra realidad es una parte medular en el desarrollo del conocimiento  y de la creación artística de la humanidad.

El reconocimiento a las culturas ajenas forma parte de los valores de mayor importancia para las sociedades modernas que aunque se encuentran inmersas en un proceso de supuesta homogenización  en diferentes ámbitos como la económica, la política y la cultura, su respeto es ideal para la sana convivencia de los diferentes grupos humanos del orbe.

Primeramente, para hablar sobre la diversidad cultural debemos atender a lo que la cultura significa. Según el concepto aportado por la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la ciencia y la Cultura, el término de cultura define al conjunto de elementos distintivos, espirituales, intelectuales y emocionales de una sociedad o un grupo social, los cuales se encuentran acompañados del arte, la literatura, estilos de vida, formas de convivencia, sistemas de valores, tradiciones y creencias. De la misma forma, la cultura es considerada como un derecho humano.

Se calcula que en la actualidad de los 191 Estados nacionales que existen en el mundo solo el 10% de ellos son étnicamente homogéneos, lo cual quiere decir que en la mayoría de los países conviven diferentes grupos étnicos identificados por una lengua y una cultura común.

Aunque los hechos y los discursos parecen fluir hacia una misma dirección, la diversidad cultural ha sido el motivo que da origen a los principales conflictos políticos y bélicos de nuestra era. Desde la caída del muro de Berlín a principios de la década de los noventas, la recomposición mundial trajo como consecuencia el crecimiento de expresiones como el racismo, la xenofobia y la intolerancia, los cuales han encontrado cabida precisamente en los conflictos armados. Por ejemplo: en 1999, de las 27 guerras que se atestiguaban en el mundo, solo 2 de ellas obedecían a hostilidades entre naciones mientras que solo algunas excepciones eran guerras internas por el cambio de régimen político; los conflictos bélicos restantes se basaban en reivindicaciones étnicas, culturales o nacionalistas.

Ante esta situación, el respeto y convivencia entre distintas culturas ha encontrado un punto de equilibrio en el fomento de la denominada Multiculturalidad, la cual consiste en resaltar las diferencias culturales particulares con la intención de generar una sana convivencia entre las mismas, alentando en todo momento un ambiente de tolerancia y respeto. Cabe mencionar, que el multiculturalismo no propugna la indiferencia a los elementos étnico y cultural de los individuos sino por el contrario busca enriquecer puntos de vista y dinámicas de convivencia a partir de éstos.

Musinetwork School of Music es un proyecto comprometido con brindar una educación musical basada en la multiculturalidad, lo cual es posible gracias a la modalidad E Learning aplicada por esta escuela.

Fomentando en los alumnos la apertura y el contacto con experiencias ajenas a su medio, esta escuela de música online busca resaltar a la música como una expresión libre en donde las diferencias culturales no son obstáculos sino catalizadores positivos en el proceso de aprendizaje de nuestros estudiantes.

Vive la experiencia de aprender en y de la diversidad, el próximo ciclo de cursos inica el 15 de ABRIL y las inscripciones ya están abiertas!

Para mayor información acerca de nuestra oferta académica, visita: http://www.musinetwork.com/mnw-school-of-music

 

 

 

 

 

 

 

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De la censura a la “evasión” del rock latinoamericano

 …al encontrarse abiertos los espacios, los roqueros buscaron expresar y describir cuestiones relativas al entorno que les rodeaba, ya fueran criticas sociales o incluso lenguaje inapropiado o popular.  La intención de muchos de los músicos de esta vanguardia conocida como “Rock en tu idioma” era simplemente incomodar a los reticentes y conservadores, así como disfrutar de aquella libertad que por muchos años les había sido negada para hacer y decir su música.

Por Israel Chang

La historia del rock en cualquier país del mundo se ha caracterizado por cuestionar y enfrentar los valores cuidadosamente establecidos por las figuras de autoridad, ya sean sociales, políticas e incluso religiosas. A través de los años se ha formado la creencia de que el rock ha sido un género musical que incomoda y preocupa a aquellos que dirigen y ejercen el poder a cualquier nivel y contexto.

En Latinoamerica, el posicionamiento de este género no ha estado exento de convertirse en un sinónimo de rebeldía en el imaginario colectivo. Remontándonos a los momentos en que las juventudes de diferentes países de habla hispana adoptaron el rock podemos recordar que existía un importante impulso de los medios masivos de comunicación que veían este género como algo distintivo de la cultura norteamericana, dando sensación de  sintonía con las últimas tendencias en cuanto a la música.

Sin embargo, el contexto mundial no ayudaría en mucho a la aceptación social de los jóvenes roqueros en estos países,  los cuales con sus cabelleras largas recordaban mucho “a las barbas y las melenas de los revolucionarios cubanos…al Che Guevara”; en otras palabras el rock olía a comunismo y a revolución. Las dictaduras militares y las democracias poco desarrolladas sentenciaron que el rock fuera visto como un elemento de preocupación entre la sociedad, como en el caso de México, Argentina, Chile o España, en donde la satanización y la censura fueron denominador común durante las décadas de los sesentas y setentas.

Durante estos años el movimiento del rock en Latinoamérica se mantuvo vigente, ya fuere clandestina o dispersamente, encontrando diferentes espacios y momentos para expresar el reflejo de su realidad inmediata.

Con la caída de estos regímenes y la paulatina apertura hacia la democracia en los años ochenta, el rock latinoamericano encontró cabida en los procesos de reorganización social contando nuevamente con la colaboración de los medios masivos de comunicación.  Al encontrarse abiertos los espacios, los roqueros buscaron expresar y describir cuestiones relativas al entorno que les rodeaba, ya fueran criticas sociales o incluso lenguaje inapropiado o popular.  La intención de muchos de los músicos de esta vanguardia conocida como “Rock en tu idioma” era simplemente incomodar a los reticentes y conservadores, así como disfrutar de aquella libertad que por muchos años les había sido negada para hacer y decir su música.

A nuestros días, las nuevas generaciones de bandas de rock poseen una amplia libertad de expresión, que ha sido producto de todos aquellos músicos del género anteriores a ellos (así como a muchos otros actores sociales). Sin embargo, las tendencias han cambiado y la temática del rock hispanoamericano ha tomado una nueva vertiente más moderada y menos vinculada a la realidad y sus problemas cotidianos. Letras de amor y desamor son las expresiones recurrentes en el rock actual.

Algunos críticos y periodistas han calificado esta situación como una denominada “evasión” de las bandas de rock para tocar temáticas sobre la realidad social o para cuestionar los valores establecidos. Para muchos de ellos, el rock se ha convertido en un elemento que refleja la apatía de las nuevas generaciones en América Latina. Otras opiniones, encuadran en la percepción de que el movimiento del rock se ha “desvirtuado” o que se encuentra en un estado “decadente”.

Sin embargo, es aquí donde se abre un amplio debate: ¿Es el rock precisamente un foro de discusión de la realidad social? ¿La música expresada en cualquier género debe estar desvinculada de su entorno y obedecer únicamente al interés particular del músico? ¿Es la visión de estos críticos de las nuevas temáticas del rock, purista o excesivamente formalista? ¿El rock deja de serlo al omitir su carácter irreverente y provocativo? ¿Es un desperdicio de las nuevas generaciones de roqueros, el uso que hacen de la libertad de expresión en la actualidad?

Tú, ¿qué opinas al respecto?

Sr. Cobranza, de Bersuit Vergarabat, canción todavía censurada a finales de la década de los 90’s

 

Israel Chang

México

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E learning, ventajas de esta modalidad educativa

 

Conocer las ventajas del E Learning nos ayuda a comprender más a fondo la dinámica en la que se basa esta modalidad educativa, la cual satisface actualmente las necesidades de miles de personas alrededor del mundo colocándose como una opción educativa real y eficiente con características que incluso los modelos presenciales carecen.

Como anteriormente, abordamos la modalidad de enseñanza denominada E Learning (o comúnmente conocida como educación en línea), basa su operación en el uso del Internet y en las aplicaciones aportadas por esta red de comunicación, brindando al docente la posibilidad de proporcionar materiales escritos, de audio o de video        que faciliten la adquisición de conocimiento por parte del alumno. En el mismo sentido, este modelo educativo fomenta una constante participación entre los actores del proceso educativo, emulando así la dinámica característica de la educación presencial.

Ahora bien, es preciso distinguir las ventajas inherentes a esta modalidad educativa con la finalidad de distinguir los efectos que derivan de su implementación. A continuación las enumeraremos:

1.- Acceso y flexibilidad: Para estudiar en esta modalidad solo es necesario tener acceso a un computador y a una red, aunque no se posea ninguna de las dos, sin la necesidad de que el estudiante se traslade de su lugar de residencia.

Por otra parte, la flexibilidad de horarios es un elemento básico en esta modalidad. El estudiante podrá organizar de la manera más conveniente las actividades relacionadas con la escuela.

2.- Costos: Aunque esta ventaja puede convertirse en una problemática, dependiendo de la región en que se implemente; el costo de esta modalidad es mínimo si se toma en cuenta el posible gasto que realizaría el estudiante en su traslado, vivienda, alimentación y otros, al realizar estudios en una modalidad presencial.

3.- Familiarización con el uso de Internet y nuevas tecnologías: Mediante esta modalidad el alumno estará inmerso en el manejo de las plataformas y aplicaciones relacionadas con la computación y el Internet. Igualmente, se mantendrá actualizado al estar en contacto constante con la utilización de nuevas tecnologías.

4.- Conocimiento de diversos puntos de vista, experiencias y contextos socioculturales diferentes: El alumno podrá conocer opiniones distintas a la propia con la intención de mantener la interacción propia de un salón de clases de modalidad presencial, enriqueciendo así su proceso de aprendizaje.

Por otra parte, las experiencias de todo el grupo serán compartidas con la intención de comparar resultados sobre cuestiones prácticas de la disciplina que se estudia.

Finalmente, el alumno conocerá percepciones y costumbres características de otras regiones de su propio país o incluso de otros países, lo cual ampliará su percepción y conocimiento del medio propio.

5.- Mayor conciliación con la vida personal y laboral: El alumno podrá alternar distintas actividades en el día sin necesidad de destinar horas en específico para acudir a clases, como en la educación presencial.

6.- Disminución del tiempo necesario para el estudio: Las actividades se simplifican siendo las tareas y actividades el medio idóneo para la exposición del tema.

Conocer las ventajas del E Learning nos ayuda a comprender más a fondo la dinámica en la que se basa esta modalidad educativa, la cual satisface actualmente las necesidades de miles de personas alrededor del mundo colocándose como una opción educativa real y eficiente con características que incluso los modelos presenciales carecen.

Musinetwork School of Music, es una escuela de música basada en la modalidad E Learning, dirigida a músicos de habla hispana con la intención de capacitarlos en temáticas como la teoría, la armonía, la historia y la ejecución musical, logrando así que estos conocimientos sean aplicados de manera práctica en su desenvolvimiento profesional.

El próximo ciclo de cursos inica el 15 de ABRIL y las inscripciones ya están abiertas!

Para mayor información acerca de nuestra oferta académica, visita: http://www.musinetwork.com/mnw-school-of-music.html

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Gogol Bordello: migración, globalización y punk

 

 

“No tengo claro cómo llegamos al estilo en que nos catalogan. Yo solo escribo canciones y resultan así. Tomo de todos lados, como diría Bukowski” – Eugene Hütz, vocalista de Gogol Bordello

 

Por Israel Chang

México –  Actualmente, es difícil poder encontrar, en el inmenso catalogo musical que se nos ofrece, propuestas que salten a la vista por considerarse innovadoras o irreverentes. Sin embargo, existen ciertos proyectos musicales que han roto con degastados esquemas de contradicción entre géneros musicales, principalmente entre la música étnica y las tendencias ajenas a la cultura propia que son impulsadas por la imperante globalización cultural. En este caso quisiera referirme al grupo de gypsy punk, Gogol Bordello.

En 1986, un joven  llamado Eugene Hütz emigró de su natal Ucrania con su familia ante la peor catástrofe nuclear de la historia, la explosión de Chernobyl. De padre ruso-ucraniano y madre romaní (gitana) Eugene pasó algunos años trasladándose en diferentes campos para refugiados de Polonia, Hungría, Austria e Italia. Esta experiencia lo marcaría de por vida inspirándolo en el futuro.

Ya de regreso en Ucrania el padre de Eugene, carnicero de profesión, guitarrista de afición y miembro de una de las bandas de rock pioneras en el país, comenzó a ser hostigado por las autoridades. En ese entonces, el régimen comunista tenía prohibido el rock and roll. Ante tal situación, Eugene y su familia migraron nuevamente a Vermont, Estados Unidos, mediante un programa de asilo político.

En la década de los noventas, Eugene se mudó a Nueva York con la intención de emprender una carrera musical en el mundo del rock.  Fue allí donde conocería a distintos músicos, muchos de ellos emigrante rusos con los que tendría una química directa.

De esta manera,  se formó en 1997 Gogol Bordello, una agrupación que como algunos rumoran se presentaban inicialmente en bodas y celebraciones de inmigrantes de Europa del Este, compuesta en ese entonces por los rusos Sergey Ryabtsev (violín) y Yuri Lemeshev (acordeón), el ecuatoriano Pedro Erazo (percusiones), el israelí Ori Kaplan (saxofon) y  por supuesto Eugene como líder, vocalista y guitarra.

El concepto musical de Gogol Bodello logró conjuntar la influencia de la música gitana que Eugene conoció bien por parte de la familia de su madre, el folklore ruso- ucraniano y la influencia de grupos punk rock como The Clash, The Ramones, Mano Negra y The Sex Pistols.

Sus primeros trabajos musicales Voi la Intruder (1999) y Multi Kontra Culti vs. Irony (2002), merecieron su reconocimiento en el circuito underground de los Estados Unidos. Sin embargo, su éxito comercial comenzaría con su tercer álbum de estudio Gypsy Punks: Underdog World Strike (2005), con temas como Inmigrant Punk y Star Wearing Purple, los cuales lograron exponer de una manera accesible y magnética la mezcla  de música gitana y los beats y guitarras características del punk. En ese mismo año, nuevos miembros ingresarían al proyecto entre ellos el etíope Thomas Gobena (bajo), las coristas Elizabeth Sun y Pamela Jintana Racine, así como el guitarrista Michael Bernard Ward y el baterista Oliver Charles.

Dos años más tarde, la banda reafirmaría su éxito entre el público rockero con su álbum Super Taranta (2007).  Meses más tarde, el icono del pop Madonna compartiría escenario con la banda en el Festival Live Earth 2007, lo cual proyectaría el posicionamiento de Gogol Bordello en la escena musical mundial.

Con respecto al concepto musical, Eugene Hütz siempre ha afirmado que nunca fue su intención crear un sonido tan característico como el denominado “gypsy punk”, sino que simplemente  escribe las canciones para el grupo sin pensar en un estilo en especial. En otras palabras, nunca ha buscado crear una nueva vertiente de la música gitana sino que esto ha sido resultado de la experimentación y aportación de sonidos entre todos los miembros del grupo.

De la misma manera, Gogol Bordello siempre ha hecho referencia especial al tema de la migración en las letras de sus canciones, incluso exponiendo esta situación en sus conciertos. “Estamos en absoluto y completo apoyo a la inmigración de todo el mundo y todos necesitamos un digno hogar y trabajo” han vitoreado en más de una de sus presentaciones.  En el mismo sentido, es impensable hablar de Gogol Bordello sin tocar este tema dado el carácter migrante y multicultural de sus integrantes, quienes a través de su trabajo musical han logrado expresar las complejidades de un mundo globalizado que empuja a millones de personas a desplazarse de sus hogares en busca de una vida mejor en otros países . Es precisamente esta condición la que ha dado vida e identidad a la banda.

Actualmente, Gogol Bordello ha editado dos álbumes más: Live from Axis Mundis (2009)  y Transcontinental Hustle (2010). De la misma manera, su éxito se ha empoderado especialmente en América Latina, Estados Unidos y Europa.

 

 

Israel Chang

México

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El saxofonista Arturo Caraza, invitado especial Musinetwork

El saxofonista mexicano, Arturo Caraza, es graduado del conservatorio de Música de Puerto Rico como

Ejecutante de Jazz y Música Caribeña

Musinetwork School of Music, dentro de su programa permanente de realización de Clases Maestras, Video Clínicas, Entrevistas y Talleres gratuitos, contará con la presencia del joven talento mexicano Arturo Caraza.

Saxofonista originario de Xalapa, Veracruz, México, Arturo Caraza se ha presentado en los Estados Unidos, Costa Rica, Puerto Rico, Italia y México. Estudió 5 años en la facultad de Música de la Universidad Veracruzana, para posteriormente mudarse a Puerto Rico y estudiar en el Conservatorio de Música, graduándose en el 2010 como ejecutante de Jazz y Música Caribeña. Ha tomado clases y clínicas con Marco Pigataro, David Sánchez,  Eddi Gómez, Joshua Redman, Miguel Zenón, Mark Tuner, Charles McPherson, Drew Gress, Danilo Pérez, Antonio Sánchez y Barry Harris entre otros. Actualmente se desempeña como Coordinador Artístico del Centro de Estudios JAZZUV de la Universidad Veracruzana.

La Video-Clase de esta edición estará enfocada en la Aplicación práctica de los Arpegios y Escalas, en la cual el Mtro. Caraza muestra ejercicios muy sencillos para tener un mejor control sobre este tema.

En Musinetwork School of Music, seguimos trabajando para contribuir con la educación integral a los músicos hispanos.

Esperamos que esta clínica contribuya en su crecimiento y sea de su agrado, los invita a ver esta clase realizada especialmente para toda la comunidad Musinetwork.

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Chaco: en busca de la identidad de un pueblo.

“Hemisferio Sur; enclavado en lo más austral del Planeta Tierra… ARGENTINA; del latín argentum (plata), nación enarbolada de gestas patria, de próceres y hacedores que con su vida forjaron venturosos una Nación…”

Por Carlos A. Negrini

Resistencia – Chaco, República Argentina – 1810 – 2010; dos siglos de historia en el solaz de la humanidad. Desde la cruz y la espada española, a través del fulgoroso complejo y enmarañado Cabildo de Mayo de 1810; y la prosapia de Próceres enardecidos y venturosos en Tucumán de 1816 exclamaron Libertad e Independencia.

La estampida recurrente y el auge de transacciones comerciales con el viejo mundo deambularon en las memorias de la historia; un sinfín, de encarnizadas luchas clasistas por el poder unitario y federal. Corrientes migratorias nacidas a partir de su colonización, se hacen refugio en esta Patria. Son más de 300.000 personas, pertenecientes a numerosas civilizaciones, culturas, ciudades y tribus distintas. Más adelante(1914 y 1939); Europeos desamparados, pobres, caídos y exiliados ante la infernal Guerra de los Siglos que desencadenaron en la conciencia colectiva la más terrible crueldad de la Especie humana; el “Exterminio”.

“Generosa en su bondad, colmada de inusual crisol de Razas que deambulan en el sentimiento Patrio de austera soledad entre hermanos; el arraigo se hace fútil y la mirada se centra en más allá del charco” (léase océano Atlántico).

Pero la historia de la Provincia del Chaco; se origina a partir de 1585; firmes jalones de civilización buscan trazar el camino hacia el Alto Perú, el “camino del oro”; vil metal enraizado en el corazón de la conquista. Los españoles de Asunción levantan la Ciudad de Concepción del Bermejo de la Buena Esperanza, región habitada por numerosas Razas Indígenas y nómades, de proverbial belicosidad, la cual fuera destruida en 1632; por los indígenas chaqueños.

La impronta evangelizadora no estuvo ausente y aunque muchas veces se la menosprecie por su vinculación a la colonización; el Sistema de Reducciones (guaraníticas – jesuíticas), encaradas de manera pacífica e integradoras en el respeto y solidaridad del prójimo. Bregaron por la paz entre aborígenes y las pequeñas poblaciones colonizadoras, utilizando la Música como aporte fundamental a la causa. De tal manera que buscaban impedir por su lado, que las tribus atacaran a las poblaciones y por el otro, defender a los nativos de los abusos propiciados por los conquistadores contra las tribus, enajenando su libertad, haciéndolos trabajar ilícitamente e induciendo a su extinción mediante el desarraigo de sus tierras.

Las reducciones organizaban a los pueblos originarios según su linaje o etnia en función de su organización tribal. Así pues; el Sistema de Reducciones encarados en gran medida por los misioneros de la Compañía de Jesús, hasta su expulsión decretada por el rey español Carlos III en 1767. Sin embargo; fueron luego, los Franciscanos y Mercedarios quienes desempeñaron una labor austera y significante en materia, cual vestigios lo convalidan en la actualidad.

1750; Con el nombre de “San Fernando”, se hace incuestionable el proceso fundador de la historia de la Provincia del Chaco topónimo incaico que originariamente se pronunciaba “Chacú” en la acepción indígena devenida en una “Junta de Naciones”, lo cual pasó a construir una significación figurada de “Chaco”; pronunciación deformada por los españoles.

A finales del siglo XIX y principios del siglo XX; la inminente ocupación militar del Chaco central y Chaco austral, avanzó afanoso sobre el belicoso pueblo indígena que indefectiblemente concluyó con la conquista del territorio

Primero; Territorio Nacional creado el 31 de enero de 1872 y luego; Provincia del Chaco, declarado mediante Ley 14037, del 8 de agosto de 1951.

Es innegable que a partir de 1878, tras rastros de civilización, se inicia el proceso inmigratorio en el Chaco que desencadena un acelerado progreso a través de pueblos y ciudades de extraordinaria vitalidad.

Los últimos cien años de historia Argentina, hacen de la Provincia del Chaco una visión en instantáneas de los hechos significativos que patrocinan la historia socio cultural y económica de esta región conocida como Litoral. Demarcada por los ríos Paraná, Uruguay y Paraguay, integrada por las tres provincias mesopotámicas; Misiones, Corrientes, Entre Ríos y las provincias de Formosa, Chaco y Santa Fe.

No lejos en el tiempo; la llegada de los “gringos”, con su bagaje de cultura europea, la tradición guaranítica de los hacheros correntinos; y la diezmada cultura aborigen chaqueña, forjaron el Nuevo Nacimiento del Chaco, crecieron los algodonales y se habitó el monte en virtud de la fuerza productora que confluye en una raza expiada por los soles, los veranos calcino y el viento norte insensibilizando la piel de los recién llegados. Un nuevo misterio encarnizado por sonidos y voces con idiomas extraños; se mezcló el guaraní y entonces se habló un idioma nuevo. Creció la Patria grande y finalmente a este vástago insoslayable de virtud, se lo llamó Provincia del Chaco.

Con una marcada fuerza Tradicionalista pulida en el Folclore Litoraleño; la Música del Chaco se nutre de tres corrientes culturales que convergen en la música del litoral; música, ritmos, canto y danza populares:

El Aborigen de preminencia Toba o idiosincrasia Qom, Abipones y Mocovíes sobre la llanura chaqueña y los Guaraníes sobre los esteros correntinos; pobladores ancestrales de estas tierras.

Del guaraní con el español y luego el aporte alemán, desde el sur del Brasil hacia la Resistencia chaqueña con el Chamamé; quizás el más acuñado por sus pobladores en la actualidad.

El folclore criollo; fecundado por la cultura española e incaica, que adquiere rasgos distintivos hacia los montes chaqueños.

El espectro de influencias en la denomina Música Litoraleña, es aún más amplio y abarca la Música Gaúcha proveniente del Sur de Brasil, la Música del Litoral del Uruguay y la Música del Paraguay.

Por su parte; es un tanto difícil concebir la Música Litoraleña sin la Danza; hecho característico que posee una particularidad común; los estilos se bailan con la pareja enlaza y por lo general son de coreografía libre. Y por otro lado; la particularidad bilingüe en la interpretación de las letras (español – dialecto tribal); variados estilos se desarrollan en la región (en mayor o menor medida), de los cuales se destacan:

El Chamamé (por excelencia), la Polka Correntina, la Polkita Rural, la Galopa, también llamada Galopera; Chamarrita, Rasguido Doble, Valseado, Chotis, Ranchera, Gualambao, Canción Misionera, Balerón y Kolomeica. La Polka paraguaya, la Guarania y el Purajhei (canción del litoral paraguayo).

Una vez más; la historia, ineludiblemente nos remonta a la impronta prehispánica y el aporte de las Misiones Jesuíticas – Guaraníes. En la figura de San Francisco Solano, quién caminó la tupida selva al compás de su Violín angelical entre 1586 y 1610… De Allí; se sucede un hecho inaudito y conciliador, el trabajo en los “Talleres Artesanales y Musicales”, espacio en el que ambas culturas ancestrales se fusionan rediseñando e inventando nuevos instrumentos y re-significando la música de la región.

Así fue claro el advenimiento de las “Bailantas Chamameceras”, que a gritos de Sapukay (grito del hombre litoraleño, especialmente del correntino chamamecero, que encierra diversos motivos; tristeza, alegría, triunfo o simple esbozo de comunicación en el monte o en el río…). Nacidas alrededor de la actividad forestal y que perduraron en el tiempo en la ciudad de Resistencia; provincia del Chaco hasta 1950 aproximadamente. Aún hoy se guarda en los grupos tradicionalistas la Música y Letra de autores de pura prosapia que cuentan historias de soledades, de perpetua introspección, de amor por la naturaleza y las emociones que emanan del arduo trabajo del hombre de campo.

Los Conjuntos típicos Chamameceros se conforman instrumentalmente con la guitarra “criolla” (a veces más de dos); acordeón a piano, de pistones o ambos y muchas veces se suma al Bandoneón. Su disposición musical polirítmica de estructura base, se ejecuta en pie binario (3/4), mientras que la melodía, es decir; el canto como los instrumentos de rasgueo, se sobreponen melódica y tonalmente con una estructura ternaria (6/8).

En la actualidad; la Música Popular Contemporánea ha realizado un aporte significante a la música litoraleña y esta se ha fusionado con elementos del Jazz y ha incorporado instrumentos tales como el Bajo eléctrico, la Batería, el Teclado, la guitarra eléctrica y hasta la percusión latina; en busca de nuevas significaciones que muchas veces contrasta con lo tradicional y es subterfugio de intrincadas controversiales de discusión.

Al devenir de los tiempos y en estos últimos 50 años de internalización cultural y musical; yace una provincia joven y dolorida, venida a pobre de entre las 23 provincias que integran la República Argentina. La expansión cultural de estos últimos tiempos; la convierte en un polo de cultura que busca abrirse al mundo y contar su verdad.

“Es así… El Chaco joven y caminante, se debate de entre sus orígenes y su austera realidad, para sentar precedentes en el mundo; tras la inquebrantable búsqueda de identidad de su pueblo…”

Carlos A. Negrini

carlos75can@hotmail.com

Resistencia – Chaco , República Argentina

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Musinetwork en el JazzTam Fest 2012

 

“La educación y el arte, detonadores de la conciencia del ser humano y herramientas para la construcción de valores en el individuo y la sociedad”

 

 

Con una visión global, integradora y diversa, Musinetwork School of Music se encuentra en la constante creación de programas educativos online destinados a la formación de músicos de habla hispana alrededor del mundo.

Dentro de su propuesta, Musinetwork diseñó un programa presencial bajo el nombre de Musinetwork Live, con el objetivo de transmitir conocimiento a través del intercambio de experiencias con músicos de diversos lugares y la realización de distintas actividades artísticas y educativas que sensibilicen al músico de su entorno, importancia y capacidad como generador de valores y agente de cambio en la sociedad.

En agosto de 2012, Musinetwork Live formará parte de las actividades educativas del 2o JazzTam Fest que organiza el Gobierno del Estado de Tamaulipas a través del Instituto Tamaulipeco para la Cultura y las Artes. El JazzTam Fest 2012 estará dividido en dos secciones, la primera será una serie de conciertos en distintas ciudades del Estado de Tamaulipas y que se llevará del 9 al 12 de agosto, la segunda,  el Seminario Educativo, a cargo de Musinetwork, que se realizará en Tampico, Tamaulipas (México), del 13 al 15 de Agosto del 2012.

En esta edición, los docentes encargados de guiar a los estudiantes en su experiencia dentro del evento son músicos reconocidos a nivel internacional con una amplia trayectoria como educadores: el saxofonista Walter Smith, el trompetista Jason Palmer, el baterista Tony Escapa, el bajista Andrés Rotmistrovsky y el pianista y Director Académico de Musinetwork School of Music, Rafael Alcalá.

Serán 3 días llenos de actividades educativas y artísticas como clases magistrales, talleres, conferencias, ensambles y conciertos, diseñados para que los asistentes aprovechen al máximo el seminario y se cumplan con los objetivos del programa.

Para mayor información acerca del Seminario Educativo del JazzTam Fest 2012:

http://jazztamfest.tamaulipas.gob.mx/seminario/convocatoria/#

En Musinetwork seguiremos trabajando para brindar una educación integral a los músicos hispanos por medio de programas y plataformas encaminadas a contribuir al desarrollo de la sociedad, construidos en el diálogo intercultural, el respeto a la diferencia, la democratización del arte, el equilibrio social y la paz.

Ilusiones auditivas

Por Julián Andrés Belmonte Ortiz

Bogotá, Colombia – Todo sonido que existe posee un tono, una intensidad y una localización.

Podríamos estar casi seguros de que lo que nuestro oído percibe es quizá lo correcto, pero aunque parezca algo curioso, podría decirse de que así como nuestro cerebro se ve engañado por imágenes (lo que conocemos como ilusiones ópticas), también existe lo que se denomina como Paracusia.

¿Qué es la Paracusia?
Según fuentes medicas, la Paracusia se define como la alteración en la percepción de los sonidos en la que la intensidad, el tono o la localización de los sonidos se perciben incorrectamente.
Paracusia es una palabra del griego Parakouein, que básicamente significa la actividad de oír aquello que en realidad no sucede sonoramente, algo que en pocas palabras puede resumirse simplemente como: oír mal.

En este punto debemos indagar en el significado de lo que se conoce como Anomalía, la cual guarda por significado todo aquello que es irregular, y que se sale de un patrón de exactitud casi que natural. La anomalía sonora puede definirse y entenderse como algo anormal en la percepción de los sonidos, cuya tonalidad o intensidad se percibe de forma inexacta. Algunos autores incluyen en ella los zumbidos, silbidos y otros ruidos subjetivos.

Un dato curioso e importante a tener en cuenta es que en tiempos pasados prácticamente lo que se conocía como ilusión se entendía de igual manera como alucinación, algo que en la actualidad se diferencia muy bien y se tiene por entendido de que cada una de estas palabras encierran un significado que si bien es similar no corresponde a una exactitud o algo sinónimo. Si llegáramos a tomar ambas palabras como términos semejantes y con un significado idéntico, estaríamos hablando de que la ilusión es una enfermedad y por tanto todos nosotros la padeceríamos, debido a que la ilusión es algo tan natural en el ser humano que se puede apreciar en el diario vivir y se considera como una reacción natural de la creatividad y la imaginación, algo que se describe como engaño de nuestro cerebro o falsa percepción.

Gracias a las diferentes investigaciones y estudios realizados a estas hipótesis, se ha podido concluir de manera muy segura y sostenible, de que la diferencia entre una ilusión y una alucinación realmente existe.

¿Cual es esta diferencia?
La alucinación se relaciona estrechamente con lo patológico, es decir, con enfermedades mentales, mientras que la ilusión es algo propio y natural de todos los seres humanos, y esto incluye tanto a personas sanas como personas con alguna enfermedad mental. Por lo tanto, la ilusión es algo natural que todos tenemos dentro de nuestra naturaleza humana…

En la música, la ilusión es una realidad constante y poco utópica, y básicamente se comprende por todo aquello que sonoramente expresa dos o quizá más ideas diferentes, lo que se convierte para nosotros en el arte de la diversidad sonora, la diversidad perceptiva y en un mundo sonoro altamente complejo para el oyente.

Nuestra tarea ahora es la de comprender con exactitud el significado de la ilusión, algo profundamente interesante para el artista.

El verdadero significado de la ilusión
Para dar un significado exacto a lo que se conoce como ilusión, es importante hacerlo desde diferentes puntos de vista:

La deformación: cuando ocurre una percepción incorrecta o falsa, las ideas y el sentido de las cosas se deforman, no pueden llegar a su fin. La deformación ocurre sobre un objeto, sea este material o imaginario.
Falsa percepción: errónea conclusión, análisis incorrecto de una realidad coherente.

Teniendo en cuenta estos conceptos, podemos hablar de lo que conocemos como ilusión auditiva (Paracusia o Parakonos), que básicamente son deformaciones variadas de los sonidos.
El artista desarrolla diferentes actividades inconsciente de lo que realmente sucede en su mundo neuronal. Dichas actividades realizadas por el artista se pueden llevar a cabo gracias a diferentes capacidades propias de cada individuo. Veamos estas capacidades.
Todo individuo posee la capacidad de:

Identificar: conocer el significado de las cosas.

Atender: capacidad de ser sensible y de sentir.

Seleccionar estímulos: decidir cómo reaccionar.

Responder: reaccionar.

Resolver: dar respuesta a problemas complejos.

Lo anterior puede existir gracias un proceso psicológico llamado: percepción.

Si bien es cierto la Paracusia es un término medico utilizado para definir una anormalidad auditiva, pero es necesario conocerla para adentrarnos en el mundo de la ilusión y de la esencia mística de los sonidos. Una vez que tenemos claro el significado de una ilusión, podemos hablar más a fondo acerca de esta realidad artística, interesante y a veces muy extraña.

El músico y la percepción sonora

La ilusión auditiva es una ilusión de audiencia, el equivalente aural de una ilusión óptica.
El oyente en realidad está escuchando sonidos muchas veces “imposibles”.

Un dato curioso es que las ilusiones auditivas o Paracusias se observan en la epilepsia y se traducen por deformaciones variadas de los sonidos (más o menos intensos, más o menos lejanos).

La ilusión, como se ha afirmado anteriormente, es algo natural de todo ser humano, lo interesante de esto es que pueden haber dos o más percepciones diferentes según el criterio de cada oyente.

A continuación, se presentan algunos ejemplos de ilusiones auditivas musicales tomados del sitio Web Cibermitanios, resultan ser un ejercicio de escucha bastante interesante y complejo a la vez.

Ilusión de las escalas:
Dos escalas mayores son tocadas al unísono en direcciones opuestas, cada escala va alternando nota por nota en cada canal de audio, izquierdo y derecho. Nuestro cerebro tiende a definir y agrupar las notas en acordes, generalmente la nota más aguda con la más grave, pero existen muchas formas en que se puede percibir esta ilusión auditiva. El oído intenta crear una melodía coherente donde no la hay.
Recomendación: escucharlo en estéreo

Escalas

Paradoja auditiva de Shepard:
Se oyen pares de acordes que parecen estar subiendo en la escala, haciéndose más y más agudos. Pero la verdad es que el primer par de acordes y el último son exactamente iguales, cosa que se puede comprobar volviendo a escuchar la muestra una vez finalizada (repite automáticamente). Al repetir el experimento se crea la ilusión de que la progresión continúa subiendo más y más, por lo que se hace imposible saber dónde comienza y dónde termina.

Shepard

Aquí otro ejemplo similar al anterior, pero en sentido descendente:

Descenso

Ilusión de las campanas cayendo:
En esta paradoja auditiva, tenemos la sensación de que las campanas estuvieran cayendo o estirándose en el espacio. Lo extraño es que, normalmente, un sonido más agudo nos hace imaginar una mayor altitud (como cuando cae una bomba). En el efecto Doppler, oímos más agudos cuando el objeto sonoro está más cerca, y se hace más grave a medida que se aleja o cae lejos de nosotros. Aquí, pese a lo que pueda parecer, los sonidos van haciéndose cada vez más altos (agudos), pero recrean la sensación de que caen (posiblemente por el ritmo).

Campanas

Percusión acelerada:
Esta ilusión es muy sutil. Se oye un sonido percusivo y repetitivo, que parece variar su ritmo caóticamente, acelerando sin previo aviso, cuando en realidad siempre mantiene el mismo tempo. Puede comprobarse escuchando nuevamente el principio una vez finalizada la primera audición.

Percusión

Paradoja del tritono diabólico:
En esta grabación algunas personas oyen un grupo de notas descendentes y otros ascendentes; ha llegado a confundir a grupos completos de músicos profesionales. Se trata de dos sonidos simultáneos separados por media octava, pero la secuencia hace muy difícil identificar cuál de los dos sonidos está en la octava superior y cuál en la inferior. Al encontrarse las notas justo en el centro de la escala, nuestra mente quiere darle un sentido, y se quedará con ese sentido durante el tiempo que dure el experimento.

Tritono

El efecto MgGurk:
Primero es necesario escuchar el audio sin ver el video; es importante para captar la totalidad del efecto, es necesario disociar ambos sentidos. En esta ilusión, el sonido y la imagen crean una alianza en contra del cerebro. No todo el mundo tiene problemas con ella, pero cierta cantidad de personas podrán oír diferentes cosas de acuerdo a cómo lo hagan. ¿Escuchas “BA-BA”, “GA-GA” o “DA-DA”? En realidad, el sonido reproducido es “BA”, los labios del hombre pronuncian “GA” y el cerebro intenta unirlos, dando como resultado “DA”.

El efecto MgGurk

Palabras fantasma:
Se oirá cualquier cosa que se quiera. Se trata de una repetición de sonidos sin sentido que logran como efecto que el cerebro se esfuerce en construir frases con sentido. Al cabo de unos segundos estarás oyendo alguna palabra o frase, de acuerdo a tu imaginación. La verdad es que ninguna de esas palabras está realmente allí, si no en tu mente.
Recomendable: uso de auriculares o parlantes estéreo bien separados.

Palabras

Un tema muy conocido por todos es el de las ilusiones ópticas, pero poco se conoce acerca de las ilusiones auditivas. La capacidad que tiene nuestro cerebro de crear es realmente asombrosa, podemos cerrar nuestros ojos y con solo escuchar podemos imaginar y vivir situaciones reales, reconocer el espacio y tiempo donde se desarrollan diferentes hechos, muchos de ellos producto de una creatividad natural y fantástica que predomina en nuestro cerebro.

La música siempre nos trae nuevas sorpresas, es un arte maravilloso que no tiene límites, el turno de hoy fue para la Ilusión auditiva, un tema que vale la pena conocer, sentir y comprobar.

La música es el mundo de la sonoridad, una verdad puramente mística.

Julián Andrés Belmonte

Bogotá, Colombia.

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Festival de Jazz de Chihuahua 2012, Musinetwork invitado

 

Del 15 al 21 de Junio se llevará a cabo el 2o Festival de Jazz de Chihuahua, en el cual se realizarán un sin fin de actividades con la presencia de músicos de talla internacional.

La columna vertebral de esta segunda edición será la parte académica, seguirá contando con los talleres de instrumentos y ensambles con reconocidos catedráticos, entre los que se encuentran: Ilan Bar-Lavi, Luis Marín, Vladimir Coronel, Samuel Martínez, Guillermo Barrón, Gerry López, Oscar Terán y Timothy Cooper.

Dentro de la oferta educativa se encuentra una clase que tocará el tema teórico “Lenguaje musical de Jazz” y se realizará el taller de “Diseño y Fabricación de Tambores” con la finalidad de abrazar otras áreas del arte y capacitar personas para generar sistemas de autosustentabilidad.

Dentro del marco del Festival se contará con la presencia de invitados especiales como Trío Jazz Armando Nuñez y Gabriel Peña, y se le rendirá un merecido homenaje al Mtro. Tino Contreras.

Este año, se incorpora al cuerpo docente Rafael Alcalá, Director Académico de Musinetwork, quien estará impartiendo clases durante todo este evento y el día 19 de junio a las 13:00 hrs en el Auditorio de Bellas Artes, ofrecerá una conferencia para presentar el proyecto educativo a distancia que ofrece Musinetwork School of Music y el movimiento educativo y artístico que se pretende generar desde esta plataforma.

Los invitamos a conocer todas las actividades que ofrecerá este Festival en: http://festivaljazzchihuahua.com.mx/

Para mayor información:

contacto@festivaljazzchihuahua.com.mx

Tel. (614) 419-14-46 y (614) 214-48-00 Extensión 228

Busca su página oficial en Facebook y Twitter!

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Musinetwork en el 1er. Seminario Internacional JazzTam Fest 2011

 

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Musinetwork otorgará 6 BECAS COMPLETAS en el JazzTam Fest 2011

 

CD. VICTORIA, MÉXICO. Agosto 09, 2011 – El Instituto Tamaulipeco para la Cultura y las Artes, a través de la Dirección Artística del Festival Internacional Tamaulipas, así como el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, a través de su Dirección General de Vinculación Cultural, invitan al 1er Seminario Internacional JazzTam Fest 2011, que se llevará a cabo en Ciudad Victoria, Tam (México) del 21 al 28 de Agosto del 2011 con el objetivo de impulsar el desarrollo musical de Tamaulipas y de México, a través de la creación de un programa educativo y artístico.

Ocho intensos días que incluirán actividades como clases multinivel de armonía, areglo e improvisación, conferencias, laboratorios de técnica e improvisación, ensambles, jam sessions, así como conciertos con grupos locales, nacionales e internacionales y exposiciones. Algunos de los artistas invitados del festival son: FAS Trio, Barrami Jazz, Iraida Noriega, Juan Alzate, Rafael Alcalá, Los Dorados, Mole Project, Roberto Sánchez Picasso, Evaristo Aguilar, Liza Micelli, Samuel Martínez, Herrera, Jakob Dinesen, entre otros.

Musinetwork School of Music estará presente a través de su programa presencial Musinetwork Live y la participación de dos de sus colaboradores, el bajista Panagiotis Andreou y el baterista Pablo Bencid, y su director académico, Rafael Alcalá. Estos 3 excelentes músicos impartirán distintas cátedras basadas en el programa educativo Musinetwork para todos los participantes de este evento. Debido a la importancia, calidad y magnitud de este evento, Musinetwork School of Music abrirá dentro del JazzTam Fest, una convocatoria para otorgar 6 becas completas para estudiar ONLINE a los estudiantes más sobresalientes de todo el seminario y así contribuir al desarrollo integral del músico hispano.

Gracias al apoyo del Gobierno del Estado de Tamaulipas, el Seminario, Conciertos y Talleres educativos, no tienen ningún costo. Los interesados solo deben realizar el registro en línea en la página principal del festival en http://jazztamfest.tamaulipas.gob.mx

 

 

Recuerda que Musinetwork Eres TÚ!

 

Informes:
http://jazztamfest.tamaulipas.gob.mx
http://www.facebook.com/JazzTamFest

 

 

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Musinetwork en Puerto Rico 2011

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SAN JUAN, PUERTO RICO. Mayo 15, 2011 – El pasado 12 de mayo Musinetwork School of Music visitó la isla más pequeña de las Antillas Mayores, Puerto Rico, donde su director, Rafael Alcalá, ofreció una clínica sobre Conceptos de Improvisación en el Jazz y una charla acerca de la educación a distancia como alternativa de aprendizaje.

El evento se llevó a cabo en el Conservatorio de Música de Puerto Rico, lugar en el cual se dieron cita alumnos de dicha institución y público en general, quienes pudieron disfrutar de una clase que llevo a la práctica todos los conceptos que se expusieron.

La sesión comenzó con la formación de un pequeño ensamble integrado por los mismos estudiantes, que con el pasar de temas fue intercambiando a sus miembros, logrando así, una sesión dinámica y fácil de entender, ya que todos pudieron ejecutar la tópicos de la lección.

Musinetwork School of Music sigue expandiendo fronteras, y agradece al Conservatorio de Música de Puerto Rico, especialmente al saxofonista, compositor y arreglista Tonatiuh Vázquez Vilchis por todas las facilidades prestadas para la realización de este evento.

 

 

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Reporte: Musinetwork 2010

 

Si hacemos un recuento del año que está por concluir, en Musinetwork podemos afirmar que el 2010 se caracterizó por acontecimientos que permitieron el logro de objetivos y la concretización de proyectos.

 

BOSTON. Dic 05,  2010 – Comenzamos el año registrando el mayor número de estudiantes inscritos en la escuela online desde su creación; marca que ya fue superada el ciclo octubre-diciembre, teniendo presencia en más de 18 países como Chile, Colombia, Argentina, México y Japón. Hasta el momento, hemos realizado 13 ciclos escolares ininterrumpidos y más de 2,000 músicos han formado parte de Musinetwork School of Music.

Por otro lado, este año se desarrollaron diversos programas y alianzas estratégicas con la finalidad de beneficiar a nuestros estudiantes. En el mes de agosto, Musinetwork participó de manera estelar en el 2º Seminario Internacional de Jazz Tónica GDL, aportando el programa educativo para la realización de clases teóricas, otorgando becas completas a participantes destacados y becando a dos de nuestros estudiantes procedentes de Alemania yMéxico para que asistieran a este magno evento.

Otro de los acontecimientos más importantes este año, fue nuestra colaboración en el Festival Internacional JAZZUV, en el cual se establecieron las bases para futuros programas que se realizarán junto con este importante organismo en pro de la educación. Después de todo esto, en Musinetwork agradecemos a todos los que hicieron posible que este año estuviera lleno de triunfos, que significan una motivación y compromiso con ustedes y la educación.

Esperen este 2011 el cual promete estar lleno de cambios y de mucha música

 

 

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Musinetwork registra la cifra más alta de estudiantes en el 2010

musinetwork registra la cantidad mas alta de estudiantes

Comenzando este 2010, Musinetwork School of Music registra la cifra más alta de estudiantes inscritos desde su creación, teniendo presencia en 36 países, tales como Argentina, Colombia, España, Alemania  y por primera vez Japón.

 

BOSTON. Feb. 1 , 2010 – Los resultados de Musinetwork son evidentes, estudiantes que concluyeron su plan de estudios han sido reconocidos por su talento; como el caso de los mexicanos, Obed Hernández e Iván Blanco, quienes actualmente se encuentran estudiando en el Conservatorio de Música de Puerto Rico ; o el de Luis Miguel Alonso Perla, estudiante proveniente de Barranquilla Colombia, el cual ha sido seleccionado para audicionar y concursar en el programa de becas del Berklee College of Music .

En el ámbito académico, Musinetwork sigue innovando, y este ciclo integró a su plan de estudios nuevas herramientas multimedia dentro de su material didáctico, las cuales guiarán al estudiante en cada lección, con la intención de complementar y facilitar su aprendizaje.

A dos años y medio de su creación, después de 10 ciclos ininterrumpidos y conectando a más de 3,500 usuarios en su comunidad, Musinetwork School of Music, se ha convertido en la mejor opción para todos los músicos que buscan nuevas alternativas para su educación musical.

Musinetwork sigue trabajando y creciendo, para convertirse en la MEJOR ESCUELA DE MÚSICA ONLINE EN ESPAÑOL.

 

Para inscribirte al próximo ciclo de cursos, solo haz click! 

 

Musinetwork School of Music
” Tu Escuela de Música Online 
Boston, MA. 02132.
(01) 617-440-4373
www.musinetwork.com

 

 

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Antonio Sánchez en Musinetwork

Antonio Sánchez en Musinetwork

 

El baterista mexicano Antonio Sánchez es un ícono en la escena jazzística a nivel internacional.

BOSTON. Feb. 15, 2009 – Ganador tres veces del premio Grammy , Antonio Sánchez es considerado por los críticos como el baterista más prominente, versátil y solicitado de su generación. Ha colaborado con los músicos más notables del mundo del jazz como son Chick Corea, Pat Metheny, Michael Brecker, Charlie Haden, Danilo Pérez, Paquito D’ Rivera, David Sánchez, Christian McBride, Gary Burton, Steve Swallow, John Patitucci, Marcus Roberts, Josha Redman, Chris Potter, Kenny Werner, entre otros.

Ha realizado extensas giras por los Estados Unidos, Europa, América Latina y Asia con el Pat Matheny Group y el Pat Matheny Trio . Ha presentado conferencias y clases magistrales por todo el mundo incluyendo el Modern Drummer Festival , el Zildjian Day Chile y el Yamaha Groove Night .

Su debut discográfico como líder, Migration, se produjo en el 2008. En este grabación lo acompañan Chick Corea, Pat Matheny, Chris Potter, David Sánchez y Scott Colley.

Antonio es patrocinado por Yamaha Drums, Zildjian Sticks and Cymbals, Evans Drumheads y LP Percussion.

 

Contenido de la entrevista

En esta entrevista exclusiva para Musinetwork, Antonio habla de su opinión acerca del jazz en América Latina y de la importancia de tener un intercambio cultural para crecer como músicos.

También nos habla sobre:

* como desarrollar un propio sonido en el instrumento
* como realizar contactos
* su más reciente producción discográfica, Migration

 

 



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