Tips para calentamiento de voz

Continuando con el programa de video-clases gratuitas para toda la Comunidad de Músicos que integran Musinetwork, hemos realizado un video destinado principalmente a todos los cantantes: “Tips para calentamiento de voz”.

En esta ocasión, Musinetwork contó con la participación de la cantante canadiense/serbia Jelena Ciric, joven artista versátil con una voz dulce y flexible que canta jazz, folk, y música clásica. En 2014, grabó el dueto “No potho reposare” con Plácido Domingo, para su disco “Encanto del mar: Mediterranean Songs”. Jelena tiene una maestría en canto contemporáneo del Berklee College of Music (Valencia) y una licenciatura en canto clásico de la Universidad de Toronto.

Compartimos con ustedes estos consejos, esperamos que los disfruten.

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Música, educación, comunidad… movimiento Musinetwork

Este año 2015 está terminando, así que creemos es un buen momento para hacer un recuento de todo lo acontecido en Musinetwork durante este tiempo.

Si algo ha caracterizado a Musinetwork es la constante búsqueda de nuevos retos, el trabajo constante, el movimiento que genera su Comunidad y la capacidad de reinventarse a sí mismo.

Este año volvieron a pasar los 4 ciclos escolares, conmemorando en el último del año (Octubre), el 8vo. aniversario del surgimiento de este proyecto educativo por Internet. Estudiantes de todo el Continente Americano y algunas partes de Europa y Asia se dieron cita en nuestra plataforma educativa. Sin importar la barrera idiomática y unidos por una sola razón, la música, se reunieron músicos con diversas raíces e influencias musicales, edades, géneros musicales de interés, instrumentos y profesiones, formando un mosaico de experiencias que enriqueció todo lo aprendido en el Campus Musinetwork.

Cabe señalar que para estos ciclos escolares se abrieron nuevos programas de becas, los cuales se dividieron en dos, uno en reconocimiento de la trayectoria académica de los estudiantes y otra para premiar el talento musical.

Por su parte, el fundador y director académico de este proyecto, el pianista Rafael Alcalá, buscó espacios para dar presencia, movilidad y dinamismo a nuestra Comunidad, ya que se buscó la participación en distintos Festivales y Seminarios donde pudiera exponer la importancia de la educación musical y mostrar el trabajo realizado en Musinetwork.

Cabe destacar la participación de nuestra escuela, con su programa educativo presencial Musinetwork Live, como estelar en el V Festival de Chihuahua, México, donde no solo fuimos invitados como talleristas; en esta ocasión Musinetwork se hizo cargo de toda la parte académica del evento, aportando metodologías de estudio y profesores que los llevaran a cabo. Sin duda, una experiencia enriquecedora para toda la Comunidad.

Para culminar el año los proyectos académicos se hacen presentes. Primero, el lanzamiento de video clases gratuitas que se lanzarán abiertas a toda la Comunidad de Músicos, con el objetivo de seguir fomentando la educación musical, y por otro, la publicación de los mejores trabajos presentados por los estudiantes dentro del Campus, esto con la intención de incentivar su trabajo y mostrar el talento reunido en la escuela.

Sin duda, 2015 ha sido un año lleno de movimiento, movimiento creado por y desde su Comunidad. Profesores, estudiantes, equipo… todos en Musinetwork refrendamos nuestro compromiso con la música y la educación.

Esperamos que este 2016 continuemos con todos estos proyectos y se puedan añadir nuevos retos que signifiquen un progreso y mejora continua en nuestra escuela.

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Musinetwork beca a 5 músicos en el Festival de Chihuahua

Con el reconocimiento y entrega de cinco becas académicas a jóvenes músicos que participaron en los talleres de instrumentos y ensambles impartidos por docentes de la escuela de música Musinetwork, fue como culminó la semana intensiva de trabajos en el marco del V Festival de Jazz, en la ciudad de Chihuahua.

Chihuahua.- Con el reconocimiento y entrega de cinco becas académicas a jóvenes músicos que participaron en los talleres de instrumentos y ensambles impartidos por docentes de la escuela de música Musinetwork, fue como culminó la semana intensiva de trabajos en el marco del V Festival de Jazz, en la ciudad de Chihuahua.

Las becas otorgadas por Musinetwork School Of Music corresponden a Marcia Pamela Martínez (voz), José Israelí García Ortega (bajo), Antonio Alberto Trejo López (guitarra), Gerardo Córdova García (batería) y Hugo Antonio Pérez Contreras (sax).

“Hay que agradecer a los hacedores del jazz por la oportunidad de intercambiar experiencias en este género. Lo que viene ahora como instituciones mediante estas becas será dar seguimiento externo para saber cuáles son nuestras futuras tareas en el quehacer del jazz”, comentó Tita Delgado, coordinadora del Festival de Jazz.

Los músicos en su mayoría estudiantes de la Facultad de Artes de la UACH, fueron partícipes de la semana introductoria y orientativa en la música de jazz, un género que en los últimos años ha tomado mayor atracción en los músicos locales.

Los talleres de ensambles e instrumentos estuvieron a cargo del pianista Rafael Alcalá, director de Musinetwork School of Music en México; Sami Mendoza, baterista; Aldemar Valentín, bajista y Arturo Caraza, saxofonista; músicos experimentados que se mostraron atentos y abiertos a compartir conocimientos con estos jóvenes.

Alrededor de 60 personas acudieron a los talleres y conferencias que corrieron a cargo de Alcalá como: “Interplay: la Interacción dentro del ensamble”, “Nuevas tendencias en la educación musical” y “Técnicas y conceptos de improvisación en el jazz”, temas abarcados con conceptos y términos adquiridos en diferentes estudios musicales.

Previo a la clausura los grupos que durante la semana practicaron sus ensambles subieron al escenario para compartir los resultados con el público asistente al Auditorio de la Facultad de Artes.

En primer instancia subió el grupo que estuvo a cargo de Sami Mendoza, conformado por José García en el bajo, Samuel Murillo en el piano, Antonio Trejo en la guitarra, Ever Alcocer en la trompeta, Absalón Máynez en la batería, Max Sandoval en el sax y Pamela Martínez en la voz; para el segundo ensamble intercambiaron Carlos Navarrete en el piano y Gerardo Córdova en la batería.

El grupo a cargo de Arturo Caraza interpretó una canción clásica con la asombrosa voz de Pamela Acevedo, Bernardo Jiménez en la batería, Hugo Pérez en el saxofón tenor, Yen Paul en la guitarra, Raúl Moreno en el bajo y Fabián Gutiérrez en el piano;  y para la segunda interpretación Caraza acompañó en el saxofón en una composición hecha por los integrantes del grupo.

Para dar paso a la clausura se contó con la presencia de Tita Delgado, el secretario académico de la UACH, Maestro Luis Carlos Delgado y Jorge Terrazas representante de Rafael Alcalá, quienes hicieron la entrega de las becas completas para continuar con la especialización musical en jóvenes que destacaron en su desempeño durante estos tres días de talleres.

Por último Aturo Caraza recomendó a los presentes no dejar de lado la intención de crear una comunidad musical en donde se logren intercambios, experiencias y conocimientos acerca de la música del jazz y exponer de forma única este género en México.

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Fuente: http://www.conaculta.gob.mx/

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8 años, 8 estudiantes certificados

A lo largo de 8 años han pasado cientos de estudiantes en las filas de Musinetwork  los cuales han dejado una huella en la Comunidad.

Este recuento es un pequeño homenaje para reconocer la trayectoria musical y conocer las actividades que realizan actualmente los músicos que fueron estudiantes de Musinetwork, tuvieron un desempeño sobresaliente y se certificaron en algunos de los programas que ofrece esta institución.

Jesús Emmanuel Mendoza González
Lugar de origen:
 Xalapa, Veracruz, México
Instrumento: Compositor, arreglista
Tipo de Certificación: Contemporary Musician Certificate
Contacto:
www.facebook.com/jesusemmanuel.mendozagonzalez

“Actualmente soy compositor, arreglista y director musical de Delfines Marching Band de la Secundaria General 5 de Xalapa, Veracruz, México, y del Mariachi Juvenil “Los Quetzales” del H. Ayuntamiento de Banderilla, Veracruz, México. Me encanta la convivencia con los jóvenes, además de descubrir nuevos talentos, gracias a esto, elabore un método de solfeo que se adecue a las necesidades básicas que requiere un joven para iniciarse en el mundo de la música.

Estudio música desde los seis años y soy trompetista desde los doce años, tocando como solista, en orquestas, bandas y grupos de cámara, además haciendo grabaciones.

 Entre mis presentaciones más importantes está participar tres veces en el Desfile de las Rosas en Pasadena CA. EU. (2007, 2011, 2015), Convirtiéndome en el primer director de banda mexicano en lograrlo, gane el primer lugar como director de concierto en Hattstedter, Alemania en el 2011, dirigí para la Reina Isabel II de Inglaterra en el 2012, en Julio del 2013 participe también como director con Delfines en el Campeonato Mundial de la Música en Kerkrade, Holanda, obteniendo medalla de Bronce en la Word Division, además, soy autor del Himno a la Secundaria General 5, y del arreglo para alientos del tema Nana Guadalupe de la Película “Hecho en México”.

 Durante mi trabajo como arreglista y compositor está el realizar arreglos para Big Band, Marching Band, Quinteto de Metales, Bandas de Rock y Pop, Mariachis y Bandas Sinfónicas”.

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8 discos en 8 años de historia en Musinetwork

Para celebrar este 8vo aniversario de Musinetwork, nos dimos a la tarea de hacer un recuento de los acontecimientos musicales importantes que han acompañado nuestra historia.

Durante este tiempo hemos sido testigos de lanzamientos, reencuentros, experimentos fallidos y nuevas propuestas en cuanto a artistas se refiere, es por eso que comenzamos con una lista de los discos más importantes que han acompañado cada año de la historia de Musinetwork:

2007Me verás volver – Soda Stereo

Me verás volver (Hits & +) es un álbum del grupo argentino Soda Stereo editado en 2007, como paso previo a la vuelta del grupo en la gira Me Verás Volver, a realizarse entre octubre y diciembre de 2007 en varios países de América. El álbum contiene 18 temas grabados en estudio y remasterizados en 2007.

 

2008La niña de fuego – Concha Buika

Este es el 3er álbum de Buika. Aquí vuelve a visitar la copla, viaja por primera vez a la ranchera y canta temas inéditos compuestos por ella misma y por Javier Limón. Buika canta sus vivencias personales en letras que Javier Limón compone especialmente para ella, y en letras propias, nacidas de largas noches de insomnio y soledad en las numerosas giras que realizó durante 2007.

 

2009: Vinagre y rosas – Joaquín Sabina

Éste es el decimoquinto álbum de estudio del cantautor español Joaquín Sabina, publicado por la compañía discográfica Sony BMG el 17 de noviembre de 2009. Incluyó trece canciones, un bonus track y el primer sencillo fue “Tiramisú de limón”. Permaneció diecisiete semanas en el puesto más alto de la lista de discos más vendidos de España y consiguió tres discos de platino. Mundialmente ha alcanzado las 400 000 copias vendidas.

 

2010: A son de guerra – Juan Luis Guerra

A son de Guerra es el nombre del undécimo álbum de estudio del cantante dominicano Juan Luis Guerra. Fue lanzado al mercado por EMI Latin Music el 8 de junio de 2010. Este disco ganó el Grammy Latino por álbum del año.

 

2011: Wasting Light – Foo Fighters

Séptimo álbum de estudio de la banda estadounidense de rock alternativo Foo Fighters. Debido a que el vocalista Dave Grohl quería un disco que capturara la esencia de los primeros trabajos de la banda y que prescindiera de la artificialidad de las grabaciones digitales, la banda grabó en el garaje de Grohl en Encino, California, exclusivamente con equipamiento analógico. Como el equipamiento antiguo no permitía que muchos errores fueran corregidos en la posproducción, la banda pasó tres semanas ensayando las canciones, y Vig, el productor, tuvo que volver a aprender técnicas de edición ya en desuso. En 2012, Wasting Light y sus canciones le otorgaron a Foo Fighters cinco premios Grammy, incluyendo el de mejor álbum de rock.

 

2012: Radio Music Society – Esperanza Spalding

4to álbum de Esperanza Spalding, bajo el sello de Heads Up International. Se convirtió en el primer disco de Spalding en estar en el Top 10 de Billboard. En su primera semana vendió 25,000 copias. (Haz click aquí para ver el mensaje de Esperanza Spalding a la Comunidad Musinetwork)

 

2013: 13 – Black Sabbath

13 es el decimonoveno álbum de estudio de la banda británica de Heavy metal Black Sabbath, lanzado en junio de ese año en Europa y Norteamérica; fue publicado por Republic Records para EE.UU., y por Vertigo Records para el resto del mundo. Este es el primer álbum de estudio realizado por la banda desde Forbidden (1995), y el primer álbum con el cantante original Ozzy Osbourne y el bajista Geezer Butler desde el doble en vivo Reunion, de 1998. Es también el primer trabajo en estudio con Osbourne desde Never Say Die! (1978), y con Butler desde Cross Purposes (1994), marcando el esperado retorno a los estudios con Ozzy para un disco de larga duración, no obstante el baterista original Bill Ward no fue de la partida, reemplazado por Brad Wilk (Tommy Clufetos para la gira de promoción).

 

2014: Corazón – Santana

Corazón es un álbum de estudio de Santana publicado por Sony Music. Los productores ejecutivos de dicho álbum son Clive Davis, Carlos Santana, Afo Verde, Michael Vrionis y Tom Corson. Se trata de un álbum que incluye versiones de canciones como “Oye Como Va”, de Tito Puente, “La Flaca”, del grupo español Jarabe de Palo, y “Mal Bicho”, del grupo argentino Los Fabulosos Cadillacs, y temas nuevos como “Yo Soy La Luz” y “I See Your Face”. Entre los músicos invitados se encuentran Gloria Estefan, Juanes, Diego Torres y Wayne Shorter. “Corazón” llegó al puesto 1 en las listas de álbumes de Rock, de Música Latina y de Pop Latino, al puesto 23 en la lista de álbumes digitales, al puesto 24 en las listas de Canadá y al puesto 9 de Billboard en Estados Unidos.

 

2015: The meridian suite – Antonio Sánchez

El baterista mexicano Antonio Sánchez nos sorprende este 2015 con una nueva producción: The meridian suite. Su trabajo siempre se ha caracterizado por utilizar recursos latinoamericanos para crear un nuevo estilo. Sus raíces musicales son perfectamente mezcladas y utilizadas en un género como el jazz, dan lugar a un sonido único que se puede apreciar en esta producción. (Haz click aquí para ver la entrevista que realizó Antonio Sánchez para la Comunidad Musinetwork)

 

¿Qué año les gustó más?

 

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8 años reinventando la manera de estudiar música

  • Musinetwork School of Music celebra 8 años de un trabajo continuo en la educación del músico de habla hispana.

En agosto de 2007 comienza este proyecto; una plataforma sencilla, un curso, una comunidad estudiantil pequeña y el respaldo académico de varios músicos que apoyaron este proyecto desde su creación, surge Musinetwork como una alternativa de estudio que si bien en Estados Unidos ya formaba parte de la vida diaria estudiantil, en América Latina era algo totalmente desconocido.

En palabras del fundador de este proyecto educativo, el pianista Rafael Alcalá, el estudiante Musinetwork piensa y hace las cosas diferente, va en contra de lo convencional y lo establecido; está en constante movimiento, adaptándose al cambio, y es que este proyecto nació así, pensando en hacer las cosas diferentes.

Para él esto no fue un impedimento, Musinetwork significaba algo más que una labor docente, su sentido emotivo y social fue determinante para que se trabajara con tanto empeño, ya que su motor principal fue desde su inicio, el músico mismo. Rafael Alcalá comienza su carrera como cualquier músico latino, en una ciudad fronteriza en la que las oportunidades son limitadas y las crisis económicas constantes obligaban descartar una carrera musical. Sus circunstancias lo llevan a perseguir el “sueño americano”, por su talento y dedicación obtiene una beca para estudiar en Berklee College of Music (catalogada como mejor escuela de música en el mundo) logrando así una posición privilegiada en el ámbito musical. Cuando comienza a ser invitado como docente a seminarios educativos fuera de EU se percata de las necesidades educativas y académicas, al sentirse identificado, nace su compromiso personal con la comunidad de músicos/estudiantes.

¿Cómo hacerlo para llegar a más personas, más lugares, de una manera accesible y constante?, la respuesta, haciendo las cosas de manera diferente.

Después de 8 años Musinetwork ha evolucionado, ha crecido y sobre todo ha cambiado y reinventado la manera de estudiar música. Pasos firmes y motivados por una comunidad de músicos talentosos, con profundas raíces musicales, larga tradición cultural, proveniente de distintos países y unida por una sola pasión… la música.

Es así como comenzamos esta gran celebración, festejando a el corazón del proyecto, su Comunidad.

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Musinetwork abre inscripciones, ciclo verano

Esta semana abrimos inscripciones para el ciclo de cursos de verano por internet en Musinetwork School of Music. Con este, cumplimos  32 ciclos escolares ininterrumpidos en los cuales la escuela se ha convertido en una plataforma web de aprendizaje e intercambio cultural.

Si buscas una alternativa de estudio musical por Internet formal y estructurado, con un enfoque moderno y especializado en la Música Popular Contemporánea, Musinetwork es la mejor opción. Actualmente contamos con cursos y programas de certificación diversificados y creados para músicos que como tú, responden a las exigencias de su entorno, quieren continuar su formación y cuentan con un panorama amplio y diverso de la música.

Actualmente, Musinetwork se ha convertido en una plataforma que alberga a una aldea global de músicos originarios de distintos países; América Latina, Europa, Norteamérica e incluso Asia están presentes, cada uno con raíces, influencias y gustos musicales distintos logran un espacio multicultural y diverso, en el que todos interactúan y comparten, ya que los une la misma pasión y tienen un lenguaje en común: la música.

El sistema utilizado en Musinetwork permite que todo esto suceda; aprendizaje, intercambio y convivencia desde donde tu te encuentres y elijas como lugar para conectarte en la computadora.

No te pierdas la oportunidad de vivir esta experiencia, intégrate a Musinetwork este verano.

¡Vive la música desde tu escenario!

Para mayor información, escribe a registro@musinetwork.com

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Musinetwork comienza ciclo escolar 2015

Musinetwork School of Music comienza este 2015 con un nuevo ciclo escolar, ofertando cursos y programas de certificación especializados en los distintos géneros de la Música Popular Contemporánea.

A 7 años de su creación, Musinetwork sigue siendo la mejor opción para estudiar música por Internet, significando una alternativa viable para la educación de músicos hispano parlantes alrededor del mundo.

Su fundador y director académico, el pianista Rafael Alcalá, define a Musinetwork como una escuela diseñada para el músico moderno, capaz de enfrentar retos y capacitado de manera práctica y versátil en distintas áreas que le permitan sobresalir en su entorno.

Musinetwork abre su ciclo escolar el día de hoy, pero el cierre de inscripciones será hasta el día sábado 31 de enero.

En caso de estar interesado en integrarte, reserva tu lugar escribiendo a registro@musinetwork.com o realiza tu inscripción haciendo click aquí.

 

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Los villancicos

¡Saludos estimados lectores!

Aprovechando la época, quisiera hablar un poco acerca del origen y características musicales de los villancicos, los cuales escuchamos con mucha frecuencia durante toda la temporada navideña, así que comencemos por su nacimiento y desarrollo.

El villancico como forma musical, se desarrolló en Europa a lo largo de la segunda mitad del siglo XV, durante el Renacimiento. Se trataba de una evolución de otras formas de canto profano, como las cantigas, el zéjel o las llamadas “canciones”. El origen de su nombre, lo encontramos en su naturaleza popular, ya que en un primer momento eran cantados por los villanos (habitantes de las villas), generalmente campesinos y demás habitantes de los medios rurales. Como ya se ha mencionado, comenzaron siendo formas poéticas que no tenían que ver con lo religioso, estaban directamente influenciadas por composiciones tradicionales de origen Mozárabe, en donde se alternaban estrofas cantadas por un solista con un estribillo a coro.

Hoy en día, la estructura del villancico está formada por dos elementos: el estribillo y las coplas. Aunque no hay una regla estricta para definir el número de versos, estos son por lo general hexasílabos y se repiten una y otra vez a lo largo del villancico. Así como también las coplas, que se dividen en dos mudanzas y una vuelta.

En la parte musical, el villancico se armonizaba a varias voces, haciendo un uso bastante inteligente de la polifonía y el contrapunto, aunque el estilo homofónico y homorrítmico no era inusual. Su compás, generalmente binario, en ocasiones se aproximaba a ritmos ternarios.

Llegada la época colonial, ya en América, el villancico siguió una línea de desarrollo paralela a la de la península, siendo valorado como medio de evangelización, incorporaba el lenguaje y ritmos de las formas  locales, incluyendo con frecuencia palabras  en idiomas indígenas, vocablos africanos o jerga de los dialectos europeos. Figuran los “villancicos de negro”, de los cuales Sor Juana Inés de la Cruz es su principal exponente.

Pero, ¿Cómo llegó a relacionarse esta forma musical tan antigua con la Navidad?, se debió a Adán de San Víctor, monje francés del siglo XII, el cual creó un género mixto que posteriormente favorecería el uso de melodías populares como cantos navideños. Y ya en el siglo XVIII, cuando el villancico se cantaba en celebraciones religiosas, se le fue relegando a las fiestas navideñas, de este modo queda en la memoria popular como un género enfocado totalmente a la fiesta de la Navidad.

Con esta evolución y desaparición de la forma tradicional, se ha llegado a denominar “Villancico”, a un amplio conjunto de composiciones musicales populares de muy diverso origen, época y estilo, siempre y cuando guarden relación con la Navidad.

Dato para músicos:

¿Sabías que existe un Real Christmas Book? Es un compendio de villancicos y canciones con temática navideña, en el cual podemos encontrar su armonización, su melodía y en algunos casos hasta la letra. Ideal para esos conciertos de navidad que vas a dar este mes. Puedes verlo online:

http://noty.bratstvo.org/_%D0%A0%D0%B0%D0%B7%D0%BD%D0%BE%D0%B5/%D0%9A%D0%BE%D0%BB%D1%8F%D0%B4%D0%BA%D0%B8-%D1%80%D0%B0%D0%B7%D0%BD%D1%8B%D0%B5/the-real-christmas-song-book.pdf

 

 

 

 

Por Cristóbal Cortés Ramírez ( Veracruz, México)
Estudiante Becado de Musinetwork School of Music

La luz de aquella farola… ¡Bulerías!

La luz de aquella farola
era la luz de mi alma
compañera de las penas
y el reflejo de mi calma.

¡Saludos estimados lectores!

Esta ocasión quisiera hablar de un estilo en particular que me fue solicitado por un gran amigo mío también guitarrista, a quien al igual que a mí, lo hechiza la mágica música del Flamenco. Hablaremos pues, de uno de sus más característicos estilos: Las bulerías.

Las bulerías son el palo flamenco más típico de Jeréz de la Frontera (España), y se estructuran líricamente de tres o cuatro versos octosílabos. Asimismo tiene algunas características propias en cuanto al ritmo y la armonía.

Son generalmente compuestos e interpretados en A en su modo frigio y se caracterizan por su cante bullicioso, generalmente para bailar, haciendo uso de ritmos rápidos, lo cual lo vuelve propenso a los gritos de alegría y voces de jaleo.

Las últimas investigaciones apuntan a que las bulerías proceden de las soleares, palo con el que comparte el compás de amalgama (12/8), la estructura estrófica de las coplas (muchas de las letras se cantan indistintamente por ambos estilos) y acordes en el toque. A finales del XIX se configura como estilo diferenciado, teniendo en Jerez de la Frontera su cuna. Otros centros con tradición ‘buleaera’ propia son Cádiz, Utrera, Lebrija y Sevilla. Por mencionar a algunos de sus más destacados intérpretes, tenemos a:

Terremoto de Jeréz

Camarón de la Isla

La Paquera de Jeréz

José Mercé

Fernando de la Morena

Y en cuanto a guitarristas, encontramos a:

Moraíto Chico

Manuel Morao

Niño Miguel

Paco de Lucía

Tomatito, entre otros

Les dejo un vídeo de dos de sus grandes intérpretes, hablo desde luego de Camarón de la Isla, acompañado del legendario Paco de Lucía.

 

 

Por Cristóbal Cortés Ramírez ( Veracruz, México)
Estudiante Becado de Musinetwork School of Music

Legado de aquella época… ¡Los Xochimilcas!

¡Saludos estimados lectores!

Es un gusto enorme poder escribir nuevamente en este espacio que me brinda Musinetwork School of Music. Esta ocasión me gustaría recordar a un extraordinario grupo musical mexicano, el cual mantuvo un periodo de actividad que abarcó desde mediados de los años 40´s hasta finales de los 70´s. Hablo desde luego de Los Xochimilcas, quienes se dieron a conocer rápidamente gracias a su particular estilo, el cual les abrió paso en la escena musical mexicana por casi tres décadas.

Además de su gran capacidad creativa en cuanto a lo musical, Los Xochimilcas cautivaron a su público gracias a sus ocurrentes vestimentas, pícaros comportamientos y su toque siempre cómico, que los convertía en uno de los espectáculos más disfrutados y esperados de aquella gran época.

Respecto a su música, cabe destacar la impresionante versatilidad del grupo, esto gracias a las aportaciones que podía ofrecer cada integrante en el ensamble tan alternativo que conformaban:

  • Francisco ‘Paco’ Gómez García (El Glostora) en el contrabajo,
  • Francisco Martín Armenta Tornero en la trompeta,
  • César Sosa (El Patiño)en el acordeón y
  • Antonio Caudillo en la batería.

 

Su inusual instrumentación fue el parte aguas para darle mayor relevancia al acordeón (que en ese entonces era un instrumento poco valorado en México), destacando igualmente por el uso de la trompeta en un grupo que acostumbraba tocar los terrenos del Rock & Roll.

Su repertorio de música original abarcaba desde cómicas Cumbias, Merengues, Chachachás, intensos Blues, Swing y Danzones apasionantes,  hasta interpretaciones paródicas  (pero con arreglos bastante interesantes) de éxitos del Rock clásico, como es el caso de “Chilorius” (parodia de “She loves you”, tema de “The Beatles”).

Adelantados a su época, estos impresionantes músicos le dieron origen al concepto alternativo de muchas bandas de la actualidad, las indumentarias extravagantes, la fusión de diversos géneros y la caracterización de sus miembros son elementos que seguimos observando en muchas de las bandas de hoy en día. Es por esto que aportes como el de “Los Xochimilcas”, no merecen caer en el olvido, sino mantener siempre su lugar dentro de la historia de la música nacional contemporánea.

 

 

 

Por Cristóbal Cortés Ramírez ( Veracruz, México)
Estudiante Becado de Musinetwork School of Music

 

Laudería, una joya mexicana

En esta ocasión quisiera hablar acerca de un arte olvidado, pero que sigue teniendo un intenso valor para nosotros los músicos. Hablo desde luego de la laudería, actividad artesanal a través de la cual se producen instrumentos únicos que son de fabricación totalmente manual. Y desde luego no se puede hablar de la laudería en México si no se habla de Paracho, Michoacán.

Paracho de Verduzco comúnmente conocido simplemente como Paracho, es la cabecera del municipio de Paracho, en el estado de Michoacán, México. Es una comunidad rural de la meseta purépecha rica en tradiciones, entre ellas podemos mencionar la producción artesanal de guitarras y artículos de madera, cuenta también con una amplia y variada gastronomía.

Por generaciones enteras, este pueblo mágico ha sido el lugar de nacimiento de las mejores guitarras e instrumentos de cuerda en México, obteniendo también gran relevancia a nivel internacional. Pero, ¿Como surgen los artesanos en Paracho?

Desde la época colonial, el pueblo purépecha captó la atención de los conquistadores españoles por la gran habilidad de los indígenas para la creación de artesanías de madera, de esta manera la tradición de los instrumentos cordófonos es pasada al pueblo michoacano.

La gran problemática que se vive hoy en día en Paracho es una lamentable baja en la venta de instrumentos cordófonos, la causa es el incremento de la demanda de instrumentos de fabricación extranjera,  que en la mayoría de los casos tienen un costo mucho menor, proporcional a la calidad que ofrecen. Esta problemática ha provocado que la valiosa tradición de la laudería en Paracho se vea en riesgo de desaparecer, ya que las nuevas generaciones descendientes de los lauderos,  deciden ya no continuar con el oficio de sus padres, pues provoca desconfianza la baja rentabilidad del mismo.

Sería una buena idea concientizar acerca de la importancia de la laudería como patrimonio cultural de México y como parte indispensable del desarrollo del músico, con el fin de promover la compra y uso de instrumentos artesanales de alta calidad y en consecuencia, evitar la extinción de una tradición tan antigua y tan valiosa.

 

Por Cristóbal Cortés Ramírez ( Veracruz, México)
Estudiante Becado de Musinetwork School of Music

La música, mi profesión….

La música, al igual que cualquier otra disciplina profesional, es fuente de interés para muchos jóvenes que se encuentran decidiendo su futuro y causa de duda en muchos otros que ya la eligieron como camino en su vida.

Existen muchas razones para querer establecer la música como fuente profesional, así que a través de esta artículo me acercaré un poco a ciertos elementos que debes considerar en esta proyección de vida. El arte de combinar los sonidos va mas allá de Converses, Guitarras y MTV, tiene muchos elementos que debemos considerar para tomar la decisión.

Habilidad Musical o Entrenamiento:

Es importante evaluar tus puntos fuertes, el nivel de interés y dedicación que le pones a las horas de práctica con el instrumento o el entrenamiento teórico. Recuerda que el talento no lo es todo, hay que crear un sistema de práctica, una lista de temas a cubrir y la tendencia musical por la que te inclinarás.

Este elemento es completamente serio e importante, sin pasión y compromiso de alcanzar tus metas, el progreso tardará más y probablemente lo termines dejando.

Conciencia del Tiempo:

Quiero hacer énfasis en esto, ya que el tiempo es un factor importante, no determinante, ya que cuanto más temprana sea la decisión de emprender el camino musical, los resultados serán mas fáciles de alcanzar.

Ejemplo: Estás en la escuela, cuentas con tiempo para practicar, no existen responsabilidades fuertes que dependan de tus recursos económicos, por lo tanto la tranquilidad y concentración es mayor.

Para mi no es determinante, ya que simplemente Querer es Poder, y conozco muchos casos admirables de superación con todos los puntos en contra.

Estudios Superiores o Capacitación:

Si cuentas con habilidades, comenzar la formación musical elemental con un maestro o asistir a una escuela musical te permitirán conocer de manera profunda y amplia la teoría y la práctica. El ambiente que brinda un espacio musical es súper saludable y el relacionarse con personas con el mismo interés que tu, ampliará tus horizontes.

Comprender tu Independencia:

Es muy importante recordar que como músico eres un trabajador independiente, tus habilidades, tu desarrollo profesional, tu comprensión del mercado y tu motivación crearán tu carrera. A diferencia de una profesión habitual, los músicos tenemos que promover y desarrollar nuestras carreras, sacar adelante nuestros proyectos, y tocar las puertas. Es elemental comprender esta verdad, para que no asumas que  tu futuro depende de los demás, sino depende de ti.

Aprender no cuesta nada:

La música es una herramienta valiosa y tu principal carta de presentación, pero tener alguna habilidad complementaria puede abrirte las puertas más facilmente, siempre te aconsejo el poder adquirir conocimientos que te ayuden a desarrollarte.

Ejemplo: Conocer de protools, cubase, manejo de redes sociales, idiomas, electrónica, ventas, administración, etc. pueden ser una buena forma de ampliar tu mercado de opciones.

Se Sincero con tu futuro:

Dentro de la categoría musical es importante ser honestos con nuestro potencial y carácter, no todos somos buenos instrumentistas, algunos prefieren los controles del estudio, otros arreglar, dirigir y algunos enseñar. Es importante determinar detectar esta habilidad y  prepararnos en dicha área con todas las herramientas posibles.

Conoce músicos y siempre pide consejos:

Creo mucho en este elemento, siempre que pienso en algo y se me ocurre una idea, lo consulto con músicos de mayor experiencia que yo o personas a quienes respete por su honestidad, muchas veces el preguntar o solicitar un sabio consejo, te puede ahorrar tropiezos.

 

Éxitos en todo!

 

Por Juan Guivin (Perú, con residencia en la República Dominicana)
Instructor, Jazz Foundation in the Dream Project
Estudiante Becado de Musinetwork School of Music

¿Por qué elegir Musinetwork?

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Desarrollar habilidades, descubrir aptitudes y fortalecer el conocimiento musical son los ejes rectores que perseguimos en Musinetwork. Para lograrlo hemos diseñado un programa académico online,  integrado por cursos y  certificaciones, que permiten a nuestros estudiantes convertirse en músicos versátiles capacitados en diferentes áreas técnicas.

Surgimos para cubrir la necesidad de los músicos hispanoparlantes de tener acceso a programas educativos de calidad, pero sobretodo adecuado al entorno digital en el que nos desenvolvemos, el cual exige profesionales que puedan enfrentar los distintos retos de una sociedad que se transforma continuamente y la música es el vehículo ideal para conseguirlo.

En Musinetwork nuestra finalidad es conformar una generación de líderes y ciudadanos que utilicen la música como un instrumento de paz, igualdad, armonía y unión en la sociedad. La música va directamente ligada a nuestra historia, a la vida, a nuestras tradiciones, a nuestra cultura, y queremos que seas parte de este movimiento.

Descubre la música con Musinetwork…

 

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¿Cómo armar tu proyecto musical?

En mi artículo anterior compartí unos tips que pueden ayudarte a desarrollar una dinámica ideal al dar clases a estudiantes que no tienen conocimientos musicales; hoy me gustaría enfocarme en la manera, que a mi criterio, puede ayudarte a expandir tus ofertas como músico, educador o desarrollador de proyectos culturales y musicales.

Estas herramientas me han funcionado y pueden ser una orientación si te estás preguntado por donde iniciar.

1-Idea

Es tu base y principio, se dice que todo sueño inicia con una idea! Es importante identificar cuáles son las herramientas y habilidades con las que cuentas para poder realizarla, plantea objetivos a corto, mediano y largo plazo. Crea un plan de trabajo, siempre exige lo mejor de ti, escribirlo ayudará mucho y lo más importante será que perseveres.

Construye un presupuesto coherente y acorde con tus posibilidades. La organización correcta de las ideas, como la definición de tus objetivos harán la diferencia.

Te doy un ejemplo:

Si quieres dar clases, necesitas un plan didáctico, prontuario del programa, espacio para dictar las clases. Si tu proyecto es una banda musical, de antemano debes tener las composiciones o demos establecidos, si es algún proyecto de música para eventos establecer tu repertorio, que músicos vas a llamar, tu presupuesto de inicio, etc.

2-Analiza el consumidor

Para todo producto hay un consumidor, siempre hay espacio para algo original e interesante.

Por ejemplo, si quieres dar clases de música, establece tu mercado o propuesta: infantil, juvenil, adultos, especializado en instrumento, estimulación o apreciación musical, etc.

Recomendación si es Educación Musical Infantil: Debes estar consciente que el mercado de educación infantil, demanda creatividad, habilidad para despertar interés y lograr atención, un espacio atractivo y seguro, conocimientos pedagógicos y si conoces métodos de educación musical ayudaría mucho: Orff, Suzuki, Montessori.

3-Crea una marca

Una vez que definas tu idea, ponerle un nombre y crear una marca será vital para la consolidación de un proyecto. Elige un nombre y concepto fácil de recordar, ya que a través de este dirás lo que eres y mostrarás la esencia de tu proyecto.

Invertir en un logotipo, tarjetas de presentación y abrir una Fan Page de Facebook puede traer grandes beneficios, entre mayor sea tu profesionalidad al trabajar, mejores resultados tendrás y tu acercamiento con clientes potenciales será más rápido y efectivo.

4-Publicidad 

No hay negativa ante una buena recomendación, así que siempre trabaja con excelencia, ya que si por el momento solo tienes un estudiante, el puede ser tu mejor carta de presentación y promoción.

Por otro lado, crea una presentación de tu proyecto, con información muy concreta, horarios, dirección, site, e mail y detalles importantes,  elige distintos canales de distribución, de acuerdo a donde se localice y a las características de tu público meta, y hazles llegar tu información.

5-Desarrolla un listado de contactos

Cada persona que pide información puede convertirse en tu cliente así que toma sus datos e invítalo a conocer más de tu proyecto, el simple hecho de conocer tu local, escuchar tu banda, o conversar sobre tu material, mejorara la posibilidad de darte a conocer. Es muy importante que vayas armando tu agenda o directorio.

6-Vista Pública

Desde el momento que decides involucrarte en el desarrollo de un plan musical, todo cuenta, participa en todos los eventos posibles, como invitado, staff o asistente, intenta siempre portar tarjetas.

7-Comunicación

Muchas veces los músicos, nos enfocamos tanto en las notas y sonidos, que olvidamos que llegará el momento de contestar preguntas, por eso es importante siempre tomarnos el tiempo para tener bien claro el discurso acerca de nuestro proyecto y trabajar y cuidar vocabulario y habilidad de comunicación.

8-Amar los que haces

Podrá sonarte bastante cursi el nombre de este Item, pero definitivamente si no estás convencido de lo que deseas hacer, y dentro de ti no hay amor por materializar ese sueño, será difícil que los puntos anteriores funcionen.

Días atrás vi un video impresionante de Steve Vai sobre el éxito, el decía que una de sus emociones más grandes en el proceso de alcanzar su sueño, fue siempre mantener viva la imagen de lo que quería lograr, y no permitir que apagara esa emoción de emprender, luchar y llegar.

Te deseo éxito en todo!!!

Por Juan Guivin (Perú, con residencia en la República Dominicana)
Instructor, Jazz Foundation in the Dream Project
Estudiante Becado de Musinetwork School of Music

Tips para dar clases de música para niños

 

Durante los años que llevo desarrollando la educación musical he encontrado múltiples formas de emoción en mis estudiantes, y es que definitivamente la música tiene ese poder, pero ahí musical también me he topado con casos especiales y uno de ellos son niños que no tienen interés en la música. En este artículo les comparto, según mi experiencia personal, algunos tips que me han funcionado para estos momentos, así que si has decidido dedicarte a la educación, esto te puede servir.
Dar clases a niños es una gran oportunidad, ya que como músico y maestro, estarás frente al jurado mas exigente que puede haber. Recuerda que parte fundamental de tu labor será inyectarles emoción y amor por el arte de los sonidos, debes estar consiente que cada cosa que hagas en beneficio de eso, cuenta.

He aquí mis recomendaciones:

1-Pregunta.
Un colega me decía hace un tiempo que con regularidad sus estudiantes dejaban las clases y el no entendía porque. Un día después de tanto oír la historia, pregunté: ¿qué música le pones?, él me contestó: MEGADETH!
El mayor error como maestros, es creer que nuestros gustos y emociones son las mismos que las de los alumnos. Es por eso que recomiendo que ante un nuevo alumno pregunta:
¿Qué artistas o grupos escuchas? ¿qué programa de televisión ves? ¿cuál es tu dibujo animado favorito?
Los niños se emocionan ante lo que conocen, si la música no es su interes, lo que seguramente será es la música de su serie favorita, así que investiga y trabaja el repertorio.

2-Toca piezas que los emocionen.
Se que pasaste muchas horas tocando a Bach o Mozart, quizás Miles Davis o Charlie Parker, pero un estudiante joven no esta interesado en eso, posiblemente la música de los comerciales de tv, la de las películas o alguna canción hit lo acerquen más a tus lecciones. Tu labor es llevarlos al consumo de la música ideal, pero debes empezar por lo que les gusta, asi como todos empezamos leyendo a historietas y ahora leemos a Cortázar.

3-Siempre Planifica.
Es elemental tener un modelo de planificación de clases, cualquiera que sea el instrumento que impartas. De esa manera podrás tener una visión general de tu programa y trabajarás unas lecciones dinámicas y sin aburrimiento.

4-Ver para creer.
Incentiva la didáctica. Ver es una de las etapas más atractivas para un niño, es por eso que los dibujos animados tienen colores,. Planea clases donde utilices videos musicales, algún concierto, invierte en algún CD o revista musical que le puedas obsequiar e inclúyelo dentro de tu método.

5-Pocas Palabras
Utiliza frases cortas y no uses la presión. Muchas veces luchamos buscando que los estudiantes corran por el diapasón o se embotellen las escalas, teoría o licks. Usa el sistema simple; como cuando aprendimos a hablar, que comenzamos a decir palabras como papá y mamá, así es la música. Empieza por darle alguna frase simple, a veces las melodías sencillas pueden enganchar a tu estudiante.

6-Profesional ante todo
Organiza tu evaluación, en este punto es elemental que mantengas siempre la formalidad y la seriedad. Los padres siempre agradecerán tu atención con los detalles, una ficha de clases con tu logo o nombre, un reporte de resultados, un recibo para los honorarios y elementos como esos hará la diferencia en tu labor como profesional.

 

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Por Juan Guivin (Perú, con residencia en la República Dominicana)
Instructor, Jazz Foundation in the Dream Project
Estudiante Becado de Musinetwork School of Music

¡Otro año más en Tónica!

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Hemos sido invitados, como cada año, al Festival Internacional de Jazz Tónica, en Jalisco, México. Esto de las tradiciones nos gusta, y que nos hayan invitado nuevamente, nos emociona. El director de Musinetwork School of Music, el Maestro Rafael Alcalá, será uno de los profesores del Seminario Internacional de Jazz, haciéndose cargo del Programa de Armonía Contemporánea creado por Musinetwork, y del Jazz Camp durante este gran encuentro internacional.

Para los que no saben, el Festival Internacional de Jazz en Jalisco es la actividad más importante que Fundación Tónica A.C. realiza. Con la educación como eje principal, el Festival es también una plataforma que permite la exposición de talentos tanto en lo profesional como en lo escénico. Los más importantes artistas, educadores y profesionales de la música, nacionales e internacionales han participado en el festival.

El jazz tiene una historia de más de cien años y en México es recurrente desde los años cincuenta. Guadalajara, y su estado de Jalisco en general, tiene una larga tradición musical, y el ámbito del jazz no es la excepción. Grandes músicos como Carlitos de la Torre, Beto Rivera, José Luis Muñoz, Jorge Estrada y José Luis Guerrero, labraron el camino para que la historia del jazz en Jalisco se desarrollara como hasta hoy, posicionando al estado como uno de los más importantes en la escena jazzística del país.

Es evidente el crecimiento de la escena sincopada, y esto se ve reflejado en audiencias cada vez más nutridas que han llegado a sumar diez mil personas en un evento de jazz, en mayor cantidad de foros que programan jazz de forma recurrente y sobre todo en las más de 50 agrupaciones activas de jazz en la ciudad. Fundación Tónica ha sido un elemento importante en esa transformación y a siete años de su inicio siguen apostando por lograr cambios positivos en la sociedad a través de la música y seguir haciendo de Jalisco un estado lleno de jazz.

Revisa el sitio jaliscojazzfestival.com para que te enteres de los programas, conciertos, actividades para estudiantes, actividades para profesionales, y todo lo que estará sucediendo del 6 al 13 de julio, los días más importantes del año en Guadalajara.

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¿Qué es la Música Popular Contemporánea?

De la música popular, de la música docta o música culta o selecta; de los géneros y subgéneros… Cuántas denominaciones, sustratos y/ o adjetivos ha recibido y recibirá en el tiempo la música, en un intento casi titánico por clasificarla; ya sea para entenderla o bien organizarla para su estudio.

 Por Carlos A. Negrini

Adjetivar y/ o Clasificar la Música, es en realidad una tarea ardua que denota grandes inconvenientes; proceso subjetivo que encara el ser humano en directa y profunda observación del sentir, del conocimiento personal y del grado de percepción resultante al simple hecho de escuchar música o bien interpretarla.

Hablar de Música Culta, es catalogarla o diferenciarla con relación a la Música Popular; dos grandes categorías que encierran inevitablemente miles de años de historia signados por infinidad de hechos o hitos históricos relacionados con es arte y su evolución en el tiempo. Muchas veces, nos vemos tentados a clasificar a la Música Clásica como Culta y dar por sentado al Rock and Roll como Popular. Nada más lejos de la verdad, sin embargo; si indagamos en los anales de la historia encontraremos que lo Culto en algún momento de la historia fue Popular y por analogía, lo Popular hoy muchas veces lo denominamos como Clásico o Culto, tal el caso de los Clásicos de Jazz o Clásicos de Rock.

Inevitablemente, vamos sucediendo un sinfín de adjetivos y clasificaciones que terminan por confundir o desatar largas charlas, polémica y debates entre colegas y amigos. Cabe mencionar que los extremos nunca fueron buenos en esta materia, sobre todo cuando se intenta so pesar un género o estilo de preferencia por sobre el otro, muchas veces vinculados en su concepción a la misma rama u origen; que bien vale, pero es espina de otro costal.

La Clasificación en Géneros – Sub-géneros – Estilos

Considero que cada palabra cobra sentido cuando se observa tres cuestiones significantes:

La primera; de identificar el espacio – tiempo; contexto y/ o circunstancia donde aparece una constante de imágenes sonoras y discursivas, a un lugar geográfico determinado y a un momento dado en la línea cronológica de la historia de la humanidad.

En segundo lugar; circunstancias que le fueron favorable o germen de cultivo. El entorno social y económico como elemento de valor para categorizar una expresión a un momento dado.

Y en tercer lugar; la aceptación del todo social y el impacto del producto musical (la Obra); sobre el sentir del hombre con respecto al objeto artístico circunstancial.

Quizás; la clasificación o convención más aceptada dentro de las generalidades de la música son los denominados “Principales Géneros”: Música Culta, Música Popular y Música Tradicional.

La MÚSICA CULTA o música de tradición escrita, de alto grado académico por sus consideraciones teóricas, estéticas y estructurales. En principio, alejada de la idea de masificación y confinada a los auditorios selectos de la clase alta imperantes de la época. El caso es que su creación e interpretación se remonta a su mayor nivel de apogeo entre los años 1450 a 1950 con preponderancia en el viejo continente, “Europa”.  Para una mejor comprensión de la misma, esta se subdivide en cuatro etapas consecutivas dentro de este período: el Renacimiento, el Barroco, el Clasicismo y el Romanticismo musical.

La MÚSICA POPULAR o expresión que aflora en sentido popular, masivo y es preponderante en la sociedad actual. La división está dada por un hecho categórico de la historia; el Siglo de las Luces y la Revolución Industrial, Siglo XVIII. La música, soslaya los muros de los palacios y las casas de los nobles hacia las fiestas y celebraciones populares, que arriban al ambiente doméstico y rescata su función de transmitir emociones y despertar sentimientos.

A partir del Siglo XIX, el Racionalismo objetiva al individuo, se centra la atención en el solista que implica un desarrollo de la técnica instrumental y dos conceptos nuevos fecundados en el Romanticismo; “La Especialización y El Intérprete”.

Otro hecho aún más significante, fue la Segunda Revolución Industrial y su modelo de “Producción en Serie”, que posibilitó  a los fabricantes de instrumentos musicales abaratar costos y de esta manera llegar con precios de venta asequibles, en principio a la clase media y luego al común de la sociedad. A mediados del Siglo XIX, con la aparición del fonógrafo (21 de noviembre de 1877 – “Academia Francesa de las Ciencias”) y la invención de la radio (1893), se vaticinó el mercado de la música a gran escala. Posteriormente las productoras discográficas y la Televisión; de allí en más, el vínculo inevitable entre Música y Tecnología hasta hoy día con la Internet y todo medios portables.

Sin embargo; el surgimiento de nuevos estilos; como en 1912, en Memphis (Tennessee) el músico W. C. Handy ya utilizaba (en su tema Memphis Blues) el término “The Blues” mediante el empleo de patrones típicos de llamada – respuesta y la utilización de las notas de blues para referirse a un estado de ánimo depresivo congruentes al desarraigo y la irracional esclavitud sufrida por el hombre africano, traído al continente americano en condiciones infrahumanas a padecer la esclavitud de su raza.

La reinvención de estos estilos musicales como una constante de renovación en el tiempo, han generado  cimientes en el derrotero de la Música Popular Contemporánea; como se menciona acerca del Blues.

Por su parte, el Jazz; precedido por el Ragtime (1890-1900), Nueva Orleans (1890-1910), Dixieland (1910-1920);  su primer registro discográfico fue en 1917 de la mano de la Original Dixieland Jass Band, aunque el precedente más fidedigno del estilo fue interpretado por el  Cornetista Buddy Bolden. El crítico y estudioso alemán Joachim-Ernst Berendt, en su obra clásica “El Jazz: De Nueva Orleans al Jazz Rock”; describe tres elementos básicos que distinguen el Jazz de la Música Clásica europea:

Un ritmo especial conocido como swing,
El papel de la improvisación,
Un sonido y un fraseo que reflejan la personalidad de los músicos ejecutantes.

Y el Rock & Roll; como máxima expresión y divulgación de la Música Popular Contemporánea, se  origina aproximadamente en la década de 1950; que empleaba todos los recursos disponibles para su difusión y masificación, abriendo una brecha en extremo rentable de oportunidades ciertas en la industria discográfica de los cuales, un desconocido joven llamado Elvis Presley graba en 1954; la canción That’s all right Mama; según especialistas se debaten como la primera canción de rock and roll de la historia.

La MÚSICA TRADICIONAL; o música folklórica que por tradición se transmite de forma oral de generación en generación. Esta expresión comúnmente se encuentra al margen de la enseñanza musical académica y se esgrime como resguardo de los valores y de la cultura de un pueblo. Así pues, tiene un marcado carácter étnico centrado en profunda observación de su entorno inmediato, de sus costumbres, mitos y leyendas que le son propios. Cuestión que dificulta su comprensión a escala internacional, pero que es representativa desde los orígenes de la música, salvo excepciones como la Samba, La Salsa, El Tango, la Bossa Nova; entre otros.

Entonces; clasificamos la Música en tres grandes Géneros que precisan ir más a fondo para elaborar y establecer nuevas relaciones o subgéneros atentos a los cambios lógicos en la constante de evolución del Ser Humano y la Música.

Algunos conceptos formados, un estilo establecido, es aquel carácter inherente a la obra de un músico. Debido a su aceptación, impacto, novedad y originalidad.  Cuando un estilo se diferencia lo suficiente y se generaliza en distintas obras y múltiples artistas que toman rasgos comunes entre sí, se forma una categoría que se denomina género musical.
Cada artista posee un costal de vivencias, un estilo que le es propio y su manera de hacer. Catalogar o etiquetar a un artista nos puede llevar a intrincados vericuetos; así pues, un músico profesional, virtuoso, académico, puede disfrutar de componer o interpretar Música Tradicional o Música Popular Contemporánea bajo su impronta Clásica.

La clasificación evidentemente nos proporciona un orden relativo sobre una verdad absoluta. La necesidad de clasificar las cosas, muchas veces se relaciona con la incapacidad de entender lo complejo de la realidad y por ello se transforma en un acto imperfecto, más aún si hablamos de Música.

Con respecto a la MÚSICA POPULAR CONTEMPORÁNEA, encontramos inequívocas manifestaciones encausadas en lo cotidiano de nuestras vidas.

Se distingue de entre lo Culto y lo Tradicional, para forjar nuevos discursos sonoros mediante formas que le son propias; cúmulo de sentimientos y experiencias vívidas en la necesidad de expresar sentimientos muchas veces enmohecidos por intereses mezquinos, ajenos a la belleza, el amor y la paz.

A modo de ejemplo; cuando el Jazz afloraba en la escena mundial se lo tildaba de «el retorno de la música de los salvajes», mientras que en 1987 el Congreso de los Estados Unidos de América declaraba al jazz como un «destacado modelo de expresión individual» y como un “excepcional tesoro nacional”. Hoy es elevado como una propuesta de Bien Común, enmarcada en la Proclamación de la UNESCO como  “30 de Abril como el Día Internacional del Jazz” (Noviembre 2011) .

 

Carlos A. Negrini
carlos75can@hotmail.com
Resistencia – Chaco , República Argentina

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El aprendizaje musical: sus efectos en el cerebro y el comportamiento humano

 

 

Aunque los diferentes estudios científicos que tratan sobre los efectos del estudio de la música en el desarrollo de las habilidades en el ser humano continúan, y no han determinado todos los alcances que tienen en él, existen algunas conclusiones muy importantes en la materia que algunas veces han sido mal interpretadas dando paso a numerosos mitos sobre el tema.

Uno de éstos mitos consiste en la idea de que estudiar música en la infancia ayuda a fortalecer el cerebro y a subir puntos en el coeficiente intelectual de los niños, lo cual es falso.

Si bien se ha considerado que las clases de música son estimulantes para el desarrollo de ciertas habilidades, al día de hoy no existe información que concluya que este aprendizaje influya para hacer más inteligentes a los seres humanos. Así lo asegura el psicólogo Glenn Schellenberg de la Universidad de Toronto, Canadá explicando que existen ciertos rasgos como la tendencia a ser “más consiente y abierto a nuevas experiencias” que comparten niños con alto coeficiente intelectual y niños músicos, la cual sin embargo no tiene relación alguna con haber tenido una experiencia musical. Estas habilidades de conciencia y apertura son propias de algunas personas desde su nacimiento y posterior desarrollo, y no necesariamente aparecieron al haber aprendido a ejecutar un instrumento.

Ahora bien, basándonos en esta afirmación deberíamos preguntarnos ¿Cuáles son entonces algunas de las habilidades que el estudio de la música puede ayudarnos a desarrollar?

Entre las habilidades de ejecutar música diariamente está la de mantener a las neuronas en forma y constante conversación, lo que equivale a llevar a cabo “actualizaciones del sistema operativo del cerebro”. Este efecto se considera irreversible en la operación del cerebro.

Otro hallazgo trascendental fue realizado por la Universidad de Northwestern en Estados Unidos, las personas que han aprendido en algún momento de su vida a ejecutar algún instrumento o han recibido entrenamiento para ello, logran retrasar el envejecimiento de su cerebro así como la aparición del fenómeno denominado “dilación cerebral”, el cual consiste en que el cerebro tarda más de lo normal en recibir la información y procesar los datos captados por medio del oído. Al  revisar los resultados de este estudio, el profesor Don Caspary, especialista en biología del envejecimiento de la Universidad del Sur de Illinois aseguró que el entrenamiento consecutivo de una habilidad como el escuchar puede frenar decididamente los daños que provoca el envejecimiento.

Por otra parte, algunos otros estudios como los del neuro científico, psicólogo, sociólogo y músico Stefan Koelsch han aportado que durante el crecimiento de los seres humanos el estimular con lenguaje musical a los niños genera que aprenden más rápido los procesos del lenguaje, los matices, la sintaxis y la habilidad de escuchar.

Con respecto a los géneros musicales, existen interesantes resultados de investigaciones científicas que nos dan una idea del impacto que tiene la música en nuestro cerebro y emociones.

Algunas conclusiones sugieren que el escuchar o ejecutar música clásica ayuda a restablecer las conexiones neuronales ayudándonos a sentir un buen ambiente para desarrollar ideas, estar alertas, mejorar la concentración y optimizar los recursos del lenguaje.

Así también, ritmos como la salsa supuestamente descargarían cantidades de dopamina y adrenalina que generan un estado equilibrado de activación y relajamiento.

En el caso del rock o el pop liberan cantidades considerables de adrenalina al cerebro provocando un estado de aceleración constante en el individuo, ejecutante o público.

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“La Gestión Cultural en México: reflexiones desde lo local”

El próximo 20 y 21 de junio se llevará a cabo en la ciudad de Xalapa, Veracruz, México  el Coloquio “La Gestión Cultural en México: reflexiones desde lo local” organizado por la Universidad Veracruzana, la Universidad Pedagógica Nacional y el Ayuntamiento de Xalapa, en el que se expondrán diferentes experiencias de gestión cultural con respecto al entorno local, los agentes involucrados en el proceso, las necesidades de las poblaciones y las políticas planteadas para responder a las mismas.

En el marco de este evento la académica Ahtziri Molina presentará la ponencia “Musinetwork School of Music. Una construcción de sentido”, en el que abarcará la historia, el crecimiento, el alcance y ventajas que este proyecto educativo ha aportado a diferentes músicos y estudiantes en diferentes países de habla hispana. Asimismo, Molina busca delinear aquellos retos y nuevas orientaciones que Musinetwork ha tenido que tomar con base a las estrategias para consolidar y ampliar esta escuela de música en línea.

Esta ponencia se llevará a cabo en la Mesa 1, de este evento académico y cultural, denominada Emprendedurismo Cultural a las 12 horas del día jueves 20 de junio.

Asesora cultural y colaboradora de Musinetwork School of Music, Ahtziri Molina es licenciada en Sociología por la Universidad Autónoma de México (UNAM) y Doctora en Sociología por la Universidad de York, Inglaterra y se ha desempeñado como docente en distintas instituciones como la Universidad Autónoma de Chiapas, la Universidad Autónoma de la Ciudad de México, el Centro de Investigaciones y Estudios Superiores en Antropología Social (CIESAS)- Golfo de México y la Universidad de York; por otra parte, Molina ha participado como investigadora en el Instituto de Investigaciones Sociales de la UNAM, el CIESAS- Golfo y actualmente se desempeña como investigadora y coordinadora académica del Centro de Estudios, Creación y Documentación de las Artes de la Universidad Veracruzana.

La transmisión de esta ponencia la puedes seguir en vivo a través de la TeleUV en el siguiente link, vía Streaming: http://www.uv.mx/television/.

Para mayor información acerca del coloquio visita: http://gestionculturaluv.wordpress.com

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Laboratorio artístico … experimentemos

Materiales:

Concentración.
Imaginación.
Creatividad.
Innovación.

Por Julián Andrés Belmonte Ortiz

Bogotá, Colombia –En cierta ocasión, un maestro me dijo que la poesía era un hecho estético, al igual que la música, continuando así, afirmando que donde no hay una poética, no hay arte.
Partiendo de una verdad inmensa, el arte en general tiene un objetivo clave: sensibilizar.
La música encierra un gran número de saberes, se considera una forma de pensar y de vivir, el artista lleva dentro de sí una realidad diferente, donde puede ver todo aquello que otras personas no ven.
Las siguientes, son algunas frases enfocadas a la poesía, sin embargo, en este laboratorio artístico, haremos el experimento de aplicar estos principios poéticos a la música. Veamos lo mucho que podemos lograr, llevando a cabo estas técnicas:

Lo fundamental de la inspiración es la imagen:

Partiendo de una imagen o fotografía, el músico puede experimentar sonoramente creando una composición de acuerdo a lo que dicha imagen le inspire, este ejercicio puede aplicarse de igual manera en la improvisación. Las ideas que surgen son realmente asombrosas, el músico adquiere mayor creatividad e imaginación mediante el uso de la imagen.

Reforzar búsquedas de tipo individual:

El hacer caso a la intuición y la apreciación musical que como músicos poseemos internamente, es brindar a nuestra mente la libertad de expresión. Una sustentación teórica correcta de nuestras concepciones musicales internas e individuales, nos otorga mayor seguridad y argumentación. La búsqueda de tipo individual es un excelente hábito, se resume en que el músico hable del arte y que el arte hable del músico.

Desarrollar instintos:

En este punto, el músico debe adquirir conciencia en cuanto a su percepción de la música, buscar relacionarla con su entorno cultural y social, al hacer esto, el músico logrará relacionarse con géneros que le parecen lejanos  y por consiguiente, conocerá nuevas culturas y formas de vida. Como músicos debemos ver más allá de nuestras melodías y recordar que todo, absolutamente todo, se constituye para nosotros como: Inspiración.

Aprender a borrar:

Consiste básicamente en procurar que nuestra música sea cada vez mejor. Revisar nuestras composiciones y arreglos musicales e intentar complementarlos haciendo uso de elementos como la imagen o con una búsqueda de tipo individual o simplemente eliminando elementos que consideremos no muy necesarios, es decir: BORRANDO.

Relacionarse con el sentido de la metáfora.

La metáfora está sumamente relacionada con la poesía, llevarla a nuestra música es una tarea sumamente interesante. En la metáfora hacemos referencia poética a esa característica que queremos resaltar y decimos lo mismo pero de forma más bella.
Un ejemplo muy común de metáfora: “tus cabellos son de oro”, se refiere a los cabellos de una mujer que son rubios.
La tarea ahora para el músico será reflejar cabellos de oro y no solamente cabellos rubios.
El uso de la metáfora nos otorga imaginación, una visión más profunda del arte y nos abre paso a realidades fantásticas.

Universo de ideas:

En el año 1925, los surrealistas implementaban una técnica denominada Cadáver Exquisito, ésta técnica consistía en ensamblar de manera colectiva, un conjunto de palabras o imágenes.
El cadáver exquisito se juega entre un grupo de personas que escriben o dibujan una composición en secuencia. Cada persona sólo puede ver el final de lo que escribió el jugador anterior.
Al final, se lee por completo los resultados obtenidos, la sorpresa es realmente grande, un universo de ideas que plasmadas en la música pueden establecer grandes composiciones e ideas sonoras.

El papel de un artista es convertirse en un traductor de sí mismo:

Independientemente de que el músico interprete obras inéditas o de otros compositores, hay algo que siempre será cierto, y es que el músico siempre estará traduciéndose así mismo al transmitir la música. Cuando tocamos una melodía estamos siendo traductores de nosotros mismos. Consiste simplemente no en lo que se toca sino como se toca, algo muy ligado a lo que conocemos como estilo.

Traducción de sí mismo a partir de otros seres:

Un ejercicio que realizan los actores, es la personificación de animales, con el fin de buscar diferentes conductas y comportamientos. De esto se desprende la idea de que cada uno de nosotros se identifica con algún animal debido a nuestras conductas y formas de actuar. Tomar estos elementos, puede llevarnos a adentrarnos en otras sensaciones, a personificar, a ser nosotros mismos y entender nuestro entorno.

Los libros, escritos y demás fuentes de información, se convierten en un cementerio de ideas:

El solo hecho de escuchar una frase, una reflexión o un pensamiento cargado de sabiduría, nos llena de una gran emoción. Tenemos una fuente de ideas impresionante a nuestra disposición (libros, periódicos, fotografías etc.), ideas que debemos sacar de un cementerio y llevarlas a la vida.

Buscar la belleza donde aparentemente no la hay, un verdadero reto:

Todo aquello que vemos a nuestro alrededor está lleno de magia y arte, no existe ningún elemento tanto de la naturaleza como a nivel general, que no tenga significancia. Aquellas cosas que consideramos como poco inspiradoras, son muchas veces las que cargan más sorpresas.

Poseer una inspiración tanto visual como no visual, escudriñar en el arte las diferentes maneras en que nos podemos desenvolver musicalmente resulta una actividad muy enriquecedora. Puede que en nuestro laboratorio musical ocurra alguna explosión o que las reacciones acústicas sean o no sean muy favorables, lo importante es siempre CREAR, ser autores de nuevos mundos poseedores de miles de sensaciones.

El siguiente video es un claro ejemplo de la relación que existe entre la música y la imagen, el uso de elementos de la poesía en nuestro mundo sonoro:

¡Nunca olvidemos que solo se ve con los ojos bien abiertos!

 

 

Julián Andrés Belmonte

Bogotá, Colombia.

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Ganadores de la Beca Musinetwork Live en Tónica GDL 2010

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Conoce los becarios del programa Musinetwork Live

 

GUADALAJARA. Julio 29, 2010 – En el mes de junio, Musinetwork School of Music lanzó por primera vez la convocatoria: BECA MUSINETWORK LIVE TÓNICA GDL, la cual consistía en otorgar dos becas completas a usuarios de la Comunidad Musinetwork para participar en el Seminario Internacional de Jazz Tónica GDL 2010; esta beca fue diseñada con el objetivo de incentivar y contribuir al desarrollo artístico y profesional de los miembros de nuestra comunidad a través de su participación en eventos educativos presenciales de primer nivel.

Se recibieron propuestas variadas, provenientes de diversas partes del mundo, en las cuales se pudo apreciar el excelente nivel de los músicos que conforman la Comunidad Musinetwork.

Después del análisis de las propuestas y un exhaustivo proceso de selección, el comité decidió que los estudiantes acreedores a estas becas son:

 

Hauke Wolff
Bajista
Lübeck, Alemania

 

 

Juan Carlos Cortés 
Guitarrista
Morelia, México

 

Hauke y Juan Carlos viajarán del 8 al 15 de agosto a la ciudad de Guadalajara, Jalisco, México como representantes de Musinetwork y tendrán la oportunidad de participar en todas las actividades (clinicas, talleres, conferencias, ensambles, conciertos) que se tienen planeadas para este magno evento, el cual contará con la presencia de personalidades como Brian Lynch, Bob Shepard, Danilo Pérez, Ben Street, Adam Rogers, Ari Hoenig, Oscar Stagnaro, Manuel Valera, Rafael Alcalá, Jay Rodríguez, Iraida Noriega, entre otros.

Musinetwork School of Music, tu escuela de música online, agradece a todos los estudiantes que enviaron su material y los invita a seguir participando en nuestras siguientes convocatorias; de igual manera brinda un reconocimiento a todos los patrocinadores que hacen posible este tipo de programas que contribuyen al desarrollo de nuestra comunidad
INFORMACIÓN GENERAL SOBRE TÓNICA GDL 2010

 

Evento: 2do. Seminario Internacional de Jazz Tónica GDL 2010 
Lugar: Guadalajara, Jalisco, México.
Fechas: del 8 al 15 de Agosto de 2010
Web: www.tonicagdlac.com
Email: tonicajazz@yahoo.com

 

 

 

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