¿Por qué elegir Musinetwork?

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Desarrollar habilidades, descubrir aptitudes y fortalecer el conocimiento musical son los ejes rectores que perseguimos en Musinetwork. Para lograrlo hemos diseñado un programa académico online,  integrado por cursos y  certificaciones, que permiten a nuestros estudiantes convertirse en músicos versátiles capacitados en diferentes áreas técnicas.

Surgimos para cubrir la necesidad de los músicos hispanoparlantes de tener acceso a programas educativos de calidad, pero sobretodo adecuado al entorno digital en el que nos desenvolvemos, el cual exige profesionales que puedan enfrentar los distintos retos de una sociedad que se transforma continuamente y la música es el vehículo ideal para conseguirlo.

En Musinetwork nuestra finalidad es conformar una generación de líderes y ciudadanos que utilicen la música como un instrumento de paz, igualdad, armonía y unión en la sociedad. La música va directamente ligada a nuestra historia, a la vida, a nuestras tradiciones, a nuestra cultura, y queremos que seas parte de este movimiento.

Descubre la música con Musinetwork…

 

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Conociendo a los estudiantes Musinetwork

La Pecaminosa Blues Band

Esta ocasión tengo el gusto de hablarles acerca del proyecto al que le he dedicado desvelos, sudor y en ocasiones hasta lágrimas, pero que siempre me da grandes satisfacciones. Hablo acerca de La Pecaminosa Blues Band, grupo ubicado en Río Blanco, Veracruz, del cual soy cantante y guitarrista. Soy integrante de la banda desde hace 3 años aproximadamente, así que me gustaría contar un poco acerca de cómo ingresé.

Cuando tenía 16 años me encontraba cursando el primer semestre del bachillerato, con inquietudes muy inmaduras respecto a la música. Ya estaba plenamente consciente de que a esto me quería dedicar por el resto de mi vida, sin embargo no sabía cómo proyectar ese anhelo. Me interesaba bastante el heavy metal, en especial las baladas provenientes de este género (las cuales son llamadas “baladas heavy”), así que comencé a escribir mis primeras canciones y busqué un estudio adecuado para grabarlas.

Curiosamente, el primer y único lugar en el que pretendí grabar dichas canciones, era la casa de Aldo Muñoz, quien había sido mi profesor de Español en la secundaria. Yo sabía que él tocaba la guitarra y dirigía un proyecto de Blues que ya llevaba el nombre de “La Pecaminosa Blues Band” ya que en algunas ocasiones yo llegaba a su casa en el momento en que ellos se encontraban ensayando. Aldo pretendía ayudarme a grabar mis canciones, pero sucedió que La Pecaminosa se quedó sin cantante así que al darse la circunstancia y debido a la amistad con Aldo, entré a la banda para ocupar el puesto de cantante y guitarrista.

Con gran emoción afronté este nuevo comienzo, tomándolo como un proyecto más, ya que no podía imaginar la importancia que llegaría a tener para mí.

El resultado de esta nueva experiencia fue mi enamoramiento total con el género del Blues. No pude evitar sentirme atraído hacia ese feeling poderoso en las cuerdas de B.B. King, la melancólica voz de Robert Johnson, las letras de Willie Dixon y el liderazgo de Muddy Waters. El aura mística y dolorosa que rodea al Blues, captó por completo mi atención.

Cabe destacar que toda mi estancia en La Pecaminosa, ha representado una etapa de enorme aprendizaje, no solo musical, sino también en aspectos de convivencia, trabajo y amistad. La actual formación de La Pecaminosa es: Angie Alamillo en el bajo, César Castillo en la batería, Aldo “Bluesman” Muñoz en la guitarra y un servidor Cristóbal Cortés en la voz y guitarra. Creo totalmente en la amistad que como compañeros de banda transmitimos en nuestra música y en las presentaciones. Con ellos he aprendido que si en tu grupo de trabajo no encuentras amigos, es bastante probable que no logres sentirte pleno en lo que realizas, más aún en la música, que siempre llevará implícito el compañerismo.

“Nadie es profeta en su tierra”, una frase que hemos comprobado numerosas veces, ya que en los años que llevamos juntos hemos carecido de apoyo de las autoridades locales. Por el contrario, en municipios y pueblos cercanos, nos hemos difundido de una manera muy provechosa. De igual manera hemos tenido experiencias de mediano y largo alcance, como son presentaciones en:

  • Festival Totol 2013 y 2014
  • Festival de Blues dentro del margen de la Feria del libro de la Universidad de Hidalgo
  • Participaciones en actividades culturales de San Martin Texmelucan, Ciudad Mendoza, Ixtaczoquitlán, entre otros.

Así como numerosas presentaciones en eventos privados en el estado de Puebla.

Actualmente contamos con 2 producciones discográficas con música totalmente original, que han tenido un alcance internacional a través de la difusión en las redes sociales y el contacto con estaciones de radio de Argentina y distintos estados de México.

Nuestro trabajo aún requiere de mucho avance, pero esperamos siempre crecer más en la amistad que nos une y el compromiso que tenemos en la banda.

Página de contacto: https://www.facebook.com/pages/La-Pecaminosa-Blues-Band/189631057754192

Soundcloud donde se pueden escuchar ambos discos: https://soundcloud.com/la-pecaminosa-blues-band

 

Por Cristóbal Cortés Ramírez ( Veracruz, México)
Estudiante Becado de Musinetwork School of Music

¿Cómo armar tu proyecto musical?

En mi artículo anterior compartí unos tips que pueden ayudarte a desarrollar una dinámica ideal al dar clases a estudiantes que no tienen conocimientos musicales; hoy me gustaría enfocarme en la manera, que a mi criterio, puede ayudarte a expandir tus ofertas como músico, educador o desarrollador de proyectos culturales y musicales.

Estas herramientas me han funcionado y pueden ser una orientación si te estás preguntado por donde iniciar.

1-Idea

Es tu base y principio, se dice que todo sueño inicia con una idea! Es importante identificar cuáles son las herramientas y habilidades con las que cuentas para poder realizarla, plantea objetivos a corto, mediano y largo plazo. Crea un plan de trabajo, siempre exige lo mejor de ti, escribirlo ayudará mucho y lo más importante será que perseveres.

Construye un presupuesto coherente y acorde con tus posibilidades. La organización correcta de las ideas, como la definición de tus objetivos harán la diferencia.

Te doy un ejemplo:

Si quieres dar clases, necesitas un plan didáctico, prontuario del programa, espacio para dictar las clases. Si tu proyecto es una banda musical, de antemano debes tener las composiciones o demos establecidos, si es algún proyecto de música para eventos establecer tu repertorio, que músicos vas a llamar, tu presupuesto de inicio, etc.

2-Analiza el consumidor

Para todo producto hay un consumidor, siempre hay espacio para algo original e interesante.

Por ejemplo, si quieres dar clases de música, establece tu mercado o propuesta: infantil, juvenil, adultos, especializado en instrumento, estimulación o apreciación musical, etc.

Recomendación si es Educación Musical Infantil: Debes estar consciente que el mercado de educación infantil, demanda creatividad, habilidad para despertar interés y lograr atención, un espacio atractivo y seguro, conocimientos pedagógicos y si conoces métodos de educación musical ayudaría mucho: Orff, Suzuki, Montessori.

3-Crea una marca

Una vez que definas tu idea, ponerle un nombre y crear una marca será vital para la consolidación de un proyecto. Elige un nombre y concepto fácil de recordar, ya que a través de este dirás lo que eres y mostrarás la esencia de tu proyecto.

Invertir en un logotipo, tarjetas de presentación y abrir una Fan Page de Facebook puede traer grandes beneficios, entre mayor sea tu profesionalidad al trabajar, mejores resultados tendrás y tu acercamiento con clientes potenciales será más rápido y efectivo.

4-Publicidad 

No hay negativa ante una buena recomendación, así que siempre trabaja con excelencia, ya que si por el momento solo tienes un estudiante, el puede ser tu mejor carta de presentación y promoción.

Por otro lado, crea una presentación de tu proyecto, con información muy concreta, horarios, dirección, site, e mail y detalles importantes,  elige distintos canales de distribución, de acuerdo a donde se localice y a las características de tu público meta, y hazles llegar tu información.

5-Desarrolla un listado de contactos

Cada persona que pide información puede convertirse en tu cliente así que toma sus datos e invítalo a conocer más de tu proyecto, el simple hecho de conocer tu local, escuchar tu banda, o conversar sobre tu material, mejorara la posibilidad de darte a conocer. Es muy importante que vayas armando tu agenda o directorio.

6-Vista Pública

Desde el momento que decides involucrarte en el desarrollo de un plan musical, todo cuenta, participa en todos los eventos posibles, como invitado, staff o asistente, intenta siempre portar tarjetas.

7-Comunicación

Muchas veces los músicos, nos enfocamos tanto en las notas y sonidos, que olvidamos que llegará el momento de contestar preguntas, por eso es importante siempre tomarnos el tiempo para tener bien claro el discurso acerca de nuestro proyecto y trabajar y cuidar vocabulario y habilidad de comunicación.

8-Amar los que haces

Podrá sonarte bastante cursi el nombre de este Item, pero definitivamente si no estás convencido de lo que deseas hacer, y dentro de ti no hay amor por materializar ese sueño, será difícil que los puntos anteriores funcionen.

Días atrás vi un video impresionante de Steve Vai sobre el éxito, el decía que una de sus emociones más grandes en el proceso de alcanzar su sueño, fue siempre mantener viva la imagen de lo que quería lograr, y no permitir que apagara esa emoción de emprender, luchar y llegar.

Te deseo éxito en todo!!!

Por Juan Guivin (Perú, con residencia en la República Dominicana)
Instructor, Jazz Foundation in the Dream Project
Estudiante Becado de Musinetwork School of Music

El Blues de México

Cuando hablamos de Blues, pensamos inmediatamente en el origen africano y rural de este género. Imaginamos amplios campos de siembra, montones de hombres y mujeres afroamericanos resignados a trabajar de sol a sol y work songs melancólicas que nos dan una idea de las vivencias de aquella gente.

De manera similar, en México existe una tradición musical que tiene origen en los campos de Sapioriz, Durango: El canto Cardenche, el cual se basa en la interpretación de canciones utilizando como único instrumento la voz de 3 personas.

Se origina a finales del siglo XIX de parte de los campesinos de las poblaciones de Sapioriz, Durango y la Flor de Jimulco, Coahuila, en la Comarca Lagunera. Aunque Sapioriz sea actualmente el único lugar donde la tradición se conserva. El nombre del canto proviene de una planta cactácea llamada Cardo que produce espinas de gran tamaño, las cuales producen un dolor terrible al enterrarse en la piel y debido a sus pequeños filamentos es más doloroso aún al intentar extraerla. Esta metáfora se debe a que las canciones cardenches se componen con gran dramatismo y melancolía, siempre refiriéndose en sus letras al “mal de amores”.

Las canciones se interpretan a 3 voces (primera, de arrastre y contra-alta) la mayoría de las veces improvisando la letra. También es conocido como “canto de borrachitos”, dado que es costumbre de los campesinos llevar esta práctica al término de su jornada laboral, acompañados del tradicional “sotol” (bebida alcohólica local) argumentando que les ayuda a abrir la garganta para cantar.

Es muy interesante la similitud existente con el Blues: ambos provienen del campo, son un escape y expresión a la mala vida y triste historia que han llevado, son a capella y se permite una improvisación a lo largo de la canción.

En la actualidad, el único grupo estable de este género son los Candencheros de Sapioriz, quienes han grabado varios discos y han tenido oportunidad de presentarse en numerosas ciudades de México, en festivales y conciertos especiales, así como en Washington y Nueva York en Estados Unidos y en París, Francia. En 2008 recibieron el Premio Nacional de Ciencias y Artes en la categoría de Artes y Tradiciones Populares.

Presentamos 2 videos, uno de los cantos cardenches, y otro de los work songs que dieron origen al Blues, para que comparen auditivamente las características musicales y el sentimiento que se proyecta en cada uno de estos géneros.

Worksong: 

 

 Canto Cardenche:

 

Por Cristóbal Cortés Ramírez ( Veracruz, México)
Estudiante Becado de Musinetwork School of Music

Música comercial vs música no comercial

Día con día, podemos ver el inmenso crecimiento de la industria musical. Las bien difundidas TIC (Tecnologías de Información y Comunicación), contribuyen de manera imprescindible a la promoción y comercialización de la música popular contemporánea. De igual manera, en conjunto con este crecimiento, presenciamos la enorme polémica que se desata cuando escuchamos el término: “música comercial”. Y sucede en la mayoría de los casos, que las discusiones provocadas por este término, carecen de una conceptualización adecuada del mismo. Así que comencemos conceptualizando:

Cuando nos referimos a “música comercial”, hacemos alusión a aquellas canciones que se crearon con el objetivo de conseguir éxito en sus ventas. La mayor parte de las manifestaciones Pop, se engloban en este concepto. No obstante, cualquier pieza musical de cualquier estilo podría ser clasificada como “comercial” pero, ¿Cómo estar seguros de cuando sí lo es?

Apoyándonos en un contexto más histórico, podemos dar algunas explicaciones: A finales del siglo XIX, con una regulación más estricta de los derechos de autor, surge en Estados Unidos un interés de asociación entre músicos, letristas y editores musicales. Ahora podrían vivir de lo que creaban, teniendo un ingreso económico dependiente del alcance y popularidad de su creación.

Uno de estos grupos de productores (y probablemente el más importante), fue el Tin Pan Alley, que dominó la producción y comercialización musical en los últimos años del siglo XIX y los comienzos del siglo XX. Con el nacimiento de las industrias fonográficas y radiofónicas, el Tin Pan Alley pudo comercializar música con éxito hasta 1950, y difundirse ampliamente gracias a la televisión y el radio.

Durante la segunda mitad del siglo XX, los compositores conocían bien la forma de escribir canciones, con la seguridad de que gustasen, desde luego interpretadas por cantantes con una imagen adecuada para el agrado del público, produciendo durante años, los estereotipos de una apariencia física atractiva.

Así que podríamos deducir que existen ciertas estructuras musicales que tienen la cualidad de agradar al público en general. Siendo una de las más conocidas, la famosa “estructura de los 50´s”, que es: I-VI-IV-V.

Con todo esto podríamos entrar en un conflicto más relacionado con la ética artística, es decir ¿dónde termina la canción como expresión artística de sentimientos humanos sublimados, y dónde empieza la canción como fórmula explotable económicamente? ¿Es posible que ambos conceptos vengan unidos? ¿Y qué es la música no-comercial?

Hablar de música no comercial, forzosamente es hablar de un concepto totalmente opuesto al anterior, es decir, hablaríamos de música que no fue creada para comercializarse, pero, siendo así, ¿entonces como la conocemos? Podríamos considerar la idea de crear música totalmente ajena a la comercialización, pero como todo extremo, nos llevaría a perjudicar nuestro criterio en cuanto a apreciación musical se refiere. Corremos el riesgo de caer en la opinión de que, cualquier tipo de canción hecha sin fines de lucro, es de mayor calidad artística que cualquiera obra musical comerciable, lo cual no siempre es así.

Concluyendo, la comercialidad y la calidad, nunca deben estar reñidas, por el contrario, resultaría lógico pensar que entre más calidad tenga una canción, mas debería ser consumida por la gente. Sin embargo observamos miles de casos en que no es así, ¿la razón? La gran sobre-saturación de propuestas musicales en el mercado, hace que los productores entren en una necesidad de convertirse en un centro de atención entre miles de producciones musicales. Mermando así la calidad del trabajo musical, y nivelándolo con la increíble publicidad que le proporcionan al artista. De esta forma la población se ha acostumbrado a percibir la música como un “producto”, y ya no tanto como una forma artística apreciable. Es labor de todos contribuir a contrarrestar esta situación, que seguramente no tendrá una solución pronta.

Aquí, un ejemplo de la famosa “estructura de los 50´s”:

 

 

Por Cristóbal Cortés Ramírez ( Veracruz, México)
Estudiante Becado de Musinetwork School of Music

Tips para dar clases de música para niños

 

Durante los años que llevo desarrollando la educación musical he encontrado múltiples formas de emoción en mis estudiantes, y es que definitivamente la música tiene ese poder, pero ahí musical también me he topado con casos especiales y uno de ellos son niños que no tienen interés en la música. En este artículo les comparto, según mi experiencia personal, algunos tips que me han funcionado para estos momentos, así que si has decidido dedicarte a la educación, esto te puede servir.
Dar clases a niños es una gran oportunidad, ya que como músico y maestro, estarás frente al jurado mas exigente que puede haber. Recuerda que parte fundamental de tu labor será inyectarles emoción y amor por el arte de los sonidos, debes estar consiente que cada cosa que hagas en beneficio de eso, cuenta.

He aquí mis recomendaciones:

1-Pregunta.
Un colega me decía hace un tiempo que con regularidad sus estudiantes dejaban las clases y el no entendía porque. Un día después de tanto oír la historia, pregunté: ¿qué música le pones?, él me contestó: MEGADETH!
El mayor error como maestros, es creer que nuestros gustos y emociones son las mismos que las de los alumnos. Es por eso que recomiendo que ante un nuevo alumno pregunta:
¿Qué artistas o grupos escuchas? ¿qué programa de televisión ves? ¿cuál es tu dibujo animado favorito?
Los niños se emocionan ante lo que conocen, si la música no es su interes, lo que seguramente será es la música de su serie favorita, así que investiga y trabaja el repertorio.

2-Toca piezas que los emocionen.
Se que pasaste muchas horas tocando a Bach o Mozart, quizás Miles Davis o Charlie Parker, pero un estudiante joven no esta interesado en eso, posiblemente la música de los comerciales de tv, la de las películas o alguna canción hit lo acerquen más a tus lecciones. Tu labor es llevarlos al consumo de la música ideal, pero debes empezar por lo que les gusta, asi como todos empezamos leyendo a historietas y ahora leemos a Cortázar.

3-Siempre Planifica.
Es elemental tener un modelo de planificación de clases, cualquiera que sea el instrumento que impartas. De esa manera podrás tener una visión general de tu programa y trabajarás unas lecciones dinámicas y sin aburrimiento.

4-Ver para creer.
Incentiva la didáctica. Ver es una de las etapas más atractivas para un niño, es por eso que los dibujos animados tienen colores,. Planea clases donde utilices videos musicales, algún concierto, invierte en algún CD o revista musical que le puedas obsequiar e inclúyelo dentro de tu método.

5-Pocas Palabras
Utiliza frases cortas y no uses la presión. Muchas veces luchamos buscando que los estudiantes corran por el diapasón o se embotellen las escalas, teoría o licks. Usa el sistema simple; como cuando aprendimos a hablar, que comenzamos a decir palabras como papá y mamá, así es la música. Empieza por darle alguna frase simple, a veces las melodías sencillas pueden enganchar a tu estudiante.

6-Profesional ante todo
Organiza tu evaluación, en este punto es elemental que mantengas siempre la formalidad y la seriedad. Los padres siempre agradecerán tu atención con los detalles, una ficha de clases con tu logo o nombre, un reporte de resultados, un recibo para los honorarios y elementos como esos hará la diferencia en tu labor como profesional.

 

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Por Juan Guivin (Perú, con residencia en la República Dominicana)
Instructor, Jazz Foundation in the Dream Project
Estudiante Becado de Musinetwork School of Music

¿Qué encuentras en Musinetwork?

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La exposición de expresiones que acoge Musinetwork, pone en relieve la obra realizada por sus protagonistas. En todos los sentidos, la música tiene la impronta de las mejores elaboraciones de la inteligencia y sensibilidad humana. Hacer música a partir de nuestro programa académico, es mezclar usos y sonidos y lograr un único elixir; hacer que nota mas nota, armoniosamente dosificadas, se conviertan en otra unidad distinta y mejor que las anteriores. El egresado goza de una satisfacción plena del espíritu en la que su música logra ser expresión y trascendencia, un deseo realizable en donde la belleza sí dura para siempre.

Musinetwork, ofrece un programa académico online donde se busca el reconocimiento de la música del lugar de origen de cada estudiante para que expresen su forma de pensamiento y se comprendan los distintos conceptos musicales.

De igual manera, abarca las áreas técnicas más importantes: músico ejecutante, arreglista, compositor, educador y productor para capacitarlo como un músico versátil con habilidades en distintos campos. Crea programas alternos  con la finalidad de formar líderes y ciudadanos que utilicen la música como arma de paz, igualdad, armonía y unión en la sociedad; formar músicos competitivos capaces de desenvolverse en el demandante mundo contemporáneo con habilidades en los distintos desafíos que la música implica el día de hoy.

 

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¡Otro año más en Tónica!

jazz

Hemos sido invitados, como cada año, al Festival Internacional de Jazz Tónica, en Jalisco, México. Esto de las tradiciones nos gusta, y que nos hayan invitado nuevamente, nos emociona. El director de Musinetwork School of Music, el Maestro Rafael Alcalá, será uno de los profesores del Seminario Internacional de Jazz, haciéndose cargo del Programa de Armonía Contemporánea creado por Musinetwork, y del Jazz Camp durante este gran encuentro internacional.

Para los que no saben, el Festival Internacional de Jazz en Jalisco es la actividad más importante que Fundación Tónica A.C. realiza. Con la educación como eje principal, el Festival es también una plataforma que permite la exposición de talentos tanto en lo profesional como en lo escénico. Los más importantes artistas, educadores y profesionales de la música, nacionales e internacionales han participado en el festival.

El jazz tiene una historia de más de cien años y en México es recurrente desde los años cincuenta. Guadalajara, y su estado de Jalisco en general, tiene una larga tradición musical, y el ámbito del jazz no es la excepción. Grandes músicos como Carlitos de la Torre, Beto Rivera, José Luis Muñoz, Jorge Estrada y José Luis Guerrero, labraron el camino para que la historia del jazz en Jalisco se desarrollara como hasta hoy, posicionando al estado como uno de los más importantes en la escena jazzística del país.

Es evidente el crecimiento de la escena sincopada, y esto se ve reflejado en audiencias cada vez más nutridas que han llegado a sumar diez mil personas en un evento de jazz, en mayor cantidad de foros que programan jazz de forma recurrente y sobre todo en las más de 50 agrupaciones activas de jazz en la ciudad. Fundación Tónica ha sido un elemento importante en esa transformación y a siete años de su inicio siguen apostando por lograr cambios positivos en la sociedad a través de la música y seguir haciendo de Jalisco un estado lleno de jazz.

Revisa el sitio jaliscojazzfestival.com para que te enteres de los programas, conciertos, actividades para estudiantes, actividades para profesionales, y todo lo que estará sucediendo del 6 al 13 de julio, los días más importantes del año en Guadalajara.

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Nueva Clase Gratuita Musinetwork

 

Musinetwork School of Music en su afán de seguir contribuyendo al desarrollo educativo del músico de habla hispana, lanza una nueva video clase gratuita, la cual forma parte de su programa permanente en el que músicos destacados y educadores reconocidos a nivel internacional realizan clínicas, talleres y clases maestras abiertas a toda la comunidad Musinetwork.

En esta edición contamos con la destacada participación del guitarrista español Bruno Esteban Pitarch, quien realizó para la comunidad la Video Clase: ¿Cómo trabajar el diapasón en la guitarra?.

Bruno Esteban Pitarch realizó sus estudios de música moderna en el Aula de Música Moderna y Jazz Conservatorio del Liceo de Barcelona escuela asociada con Berklee College of Music. Estudio composición y arreglos con Perico Sambeat y Jesús Santandreu, clases maestras y seminarios de jazz con Jerry Bergonzi, Jonathan Kreisberg, Louis Stewart, Dave Mitchell, Ramón Cardo, Israel Sandoval.

Ganador del concurso de jóvenes interpretes de jazz de la Universidad de Castellón, 
como docente tiene 10 años trabajando en escuelas de música moderna como profesor de guitarra arreglos y armonía moderna.

A trabajado como guitarrista de sesión y productor registrando mas de 25 grabaciones profesionales de todos los estilos jazz, pop, rock y musicales.
a realizado varias giras por España con diferentes formaciones y estilos. Guitarrista del grupo mocedades con el que a realizado varias giras internacionales y grabación de su ultimo trabajo de estudio.

Varias presentaciones en festivales internacionales de jazz como el Festival de Jazz de Peñíscola, Festival de Música Negra de Madrid, Encuentro Internacional de Jazz de Zacatecas y Festival de Jazz de Veracruz.

Los invitamos a ver esta interesante clase y a seguir aprendiendo en Musinetwork School of Music.

 

 

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Beca Musinetwork 2014

 

En Musinetwork lanzamos la convocatoria de una BECA COMPLETA para estudiar cualquiera de nuestros cursos. Del 16 al 27 de junio, podrás concursar para ser acreedor a un curso completo de 3 meses cubiertos al 100%.

La convocatoria está abierta a toda la comunidad de músicos, sin restricciones, y la evaluación será hecha por el Comité Directivo de la Escuela, así como de la doctora en sociología y especialista en gestión cultural Ahtziri Molina.

Participar es muy fácil:

1. Llenar el formulario de registro haciendo click en la liga:

http://musinetwork.com/aplicacion-beca/form.php

2. Elige uno de los siguientes temas y elabora un documento con una propuesta de 5 puntos contestando a la siguiente pregunta:

¿Qué haría para contribuir a su desarrollo en mi ciudad?

A) La Música Popular Contemporánea.

B) Centros Culturales y/o artísticos.

C) Creación de nuevas audiencias/públicos para actividades artísticas y culturales.

3. Escribir un e-mail a becas@musinetwork.com con datos acerca del aspirante y explicando porqué es merecedor de la beca. En ese mismo correo se debe adjuntar el documento redactado y cualquier material adicional que se considere relevante como videos, mp3, fotografías, carpetas de presentación, etc.

Para mayor información, haz click aquí.

Conoce a Julián Belmonte, él es un músico egresado de nuestra Escuela que recibió la beca Musinetwork en el 2012. Hoy es un pionero de fingerstyle en Colombia, lo cual lo convierte en un elemento importante y en una fuerte influencia para los guitarristas y músicos en general.

En Musinetwork acompañamos así el crecimiento de tus sueños, tus necesidades y tus expectativas como músico.

¡Estudiar en Musinetwork es posible para todos!

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Ir a la siguiente nota: ¿Qué es la música popular contemporánea?

¿Qué es la Música Popular Contemporánea?

De la música popular, de la música docta o música culta o selecta; de los géneros y subgéneros… Cuántas denominaciones, sustratos y/ o adjetivos ha recibido y recibirá en el tiempo la música, en un intento casi titánico por clasificarla; ya sea para entenderla o bien organizarla para su estudio.

 Por Carlos A. Negrini

Adjetivar y/ o Clasificar la Música, es en realidad una tarea ardua que denota grandes inconvenientes; proceso subjetivo que encara el ser humano en directa y profunda observación del sentir, del conocimiento personal y del grado de percepción resultante al simple hecho de escuchar música o bien interpretarla.

Hablar de Música Culta, es catalogarla o diferenciarla con relación a la Música Popular; dos grandes categorías que encierran inevitablemente miles de años de historia signados por infinidad de hechos o hitos históricos relacionados con es arte y su evolución en el tiempo. Muchas veces, nos vemos tentados a clasificar a la Música Clásica como Culta y dar por sentado al Rock and Roll como Popular. Nada más lejos de la verdad, sin embargo; si indagamos en los anales de la historia encontraremos que lo Culto en algún momento de la historia fue Popular y por analogía, lo Popular hoy muchas veces lo denominamos como Clásico o Culto, tal el caso de los Clásicos de Jazz o Clásicos de Rock.

Inevitablemente, vamos sucediendo un sinfín de adjetivos y clasificaciones que terminan por confundir o desatar largas charlas, polémica y debates entre colegas y amigos. Cabe mencionar que los extremos nunca fueron buenos en esta materia, sobre todo cuando se intenta so pesar un género o estilo de preferencia por sobre el otro, muchas veces vinculados en su concepción a la misma rama u origen; que bien vale, pero es espina de otro costal.

La Clasificación en Géneros – Sub-géneros – Estilos

Considero que cada palabra cobra sentido cuando se observa tres cuestiones significantes:

La primera; de identificar el espacio – tiempo; contexto y/ o circunstancia donde aparece una constante de imágenes sonoras y discursivas, a un lugar geográfico determinado y a un momento dado en la línea cronológica de la historia de la humanidad.

En segundo lugar; circunstancias que le fueron favorable o germen de cultivo. El entorno social y económico como elemento de valor para categorizar una expresión a un momento dado.

Y en tercer lugar; la aceptación del todo social y el impacto del producto musical (la Obra); sobre el sentir del hombre con respecto al objeto artístico circunstancial.

Quizás; la clasificación o convención más aceptada dentro de las generalidades de la música son los denominados “Principales Géneros”: Música Culta, Música Popular y Música Tradicional.

La MÚSICA CULTA o música de tradición escrita, de alto grado académico por sus consideraciones teóricas, estéticas y estructurales. En principio, alejada de la idea de masificación y confinada a los auditorios selectos de la clase alta imperantes de la época. El caso es que su creación e interpretación se remonta a su mayor nivel de apogeo entre los años 1450 a 1950 con preponderancia en el viejo continente, “Europa”.  Para una mejor comprensión de la misma, esta se subdivide en cuatro etapas consecutivas dentro de este período: el Renacimiento, el Barroco, el Clasicismo y el Romanticismo musical.

La MÚSICA POPULAR o expresión que aflora en sentido popular, masivo y es preponderante en la sociedad actual. La división está dada por un hecho categórico de la historia; el Siglo de las Luces y la Revolución Industrial, Siglo XVIII. La música, soslaya los muros de los palacios y las casas de los nobles hacia las fiestas y celebraciones populares, que arriban al ambiente doméstico y rescata su función de transmitir emociones y despertar sentimientos.

A partir del Siglo XIX, el Racionalismo objetiva al individuo, se centra la atención en el solista que implica un desarrollo de la técnica instrumental y dos conceptos nuevos fecundados en el Romanticismo; “La Especialización y El Intérprete”.

Otro hecho aún más significante, fue la Segunda Revolución Industrial y su modelo de “Producción en Serie”, que posibilitó  a los fabricantes de instrumentos musicales abaratar costos y de esta manera llegar con precios de venta asequibles, en principio a la clase media y luego al común de la sociedad. A mediados del Siglo XIX, con la aparición del fonógrafo (21 de noviembre de 1877 – “Academia Francesa de las Ciencias”) y la invención de la radio (1893), se vaticinó el mercado de la música a gran escala. Posteriormente las productoras discográficas y la Televisión; de allí en más, el vínculo inevitable entre Música y Tecnología hasta hoy día con la Internet y todo medios portables.

Sin embargo; el surgimiento de nuevos estilos; como en 1912, en Memphis (Tennessee) el músico W. C. Handy ya utilizaba (en su tema Memphis Blues) el término “The Blues” mediante el empleo de patrones típicos de llamada – respuesta y la utilización de las notas de blues para referirse a un estado de ánimo depresivo congruentes al desarraigo y la irracional esclavitud sufrida por el hombre africano, traído al continente americano en condiciones infrahumanas a padecer la esclavitud de su raza.

La reinvención de estos estilos musicales como una constante de renovación en el tiempo, han generado  cimientes en el derrotero de la Música Popular Contemporánea; como se menciona acerca del Blues.

Por su parte, el Jazz; precedido por el Ragtime (1890-1900), Nueva Orleans (1890-1910), Dixieland (1910-1920);  su primer registro discográfico fue en 1917 de la mano de la Original Dixieland Jass Band, aunque el precedente más fidedigno del estilo fue interpretado por el  Cornetista Buddy Bolden. El crítico y estudioso alemán Joachim-Ernst Berendt, en su obra clásica “El Jazz: De Nueva Orleans al Jazz Rock”; describe tres elementos básicos que distinguen el Jazz de la Música Clásica europea:

Un ritmo especial conocido como swing,
El papel de la improvisación,
Un sonido y un fraseo que reflejan la personalidad de los músicos ejecutantes.

Y el Rock & Roll; como máxima expresión y divulgación de la Música Popular Contemporánea, se  origina aproximadamente en la década de 1950; que empleaba todos los recursos disponibles para su difusión y masificación, abriendo una brecha en extremo rentable de oportunidades ciertas en la industria discográfica de los cuales, un desconocido joven llamado Elvis Presley graba en 1954; la canción That’s all right Mama; según especialistas se debaten como la primera canción de rock and roll de la historia.

La MÚSICA TRADICIONAL; o música folklórica que por tradición se transmite de forma oral de generación en generación. Esta expresión comúnmente se encuentra al margen de la enseñanza musical académica y se esgrime como resguardo de los valores y de la cultura de un pueblo. Así pues, tiene un marcado carácter étnico centrado en profunda observación de su entorno inmediato, de sus costumbres, mitos y leyendas que le son propios. Cuestión que dificulta su comprensión a escala internacional, pero que es representativa desde los orígenes de la música, salvo excepciones como la Samba, La Salsa, El Tango, la Bossa Nova; entre otros.

Entonces; clasificamos la Música en tres grandes Géneros que precisan ir más a fondo para elaborar y establecer nuevas relaciones o subgéneros atentos a los cambios lógicos en la constante de evolución del Ser Humano y la Música.

Algunos conceptos formados, un estilo establecido, es aquel carácter inherente a la obra de un músico. Debido a su aceptación, impacto, novedad y originalidad.  Cuando un estilo se diferencia lo suficiente y se generaliza en distintas obras y múltiples artistas que toman rasgos comunes entre sí, se forma una categoría que se denomina género musical.
Cada artista posee un costal de vivencias, un estilo que le es propio y su manera de hacer. Catalogar o etiquetar a un artista nos puede llevar a intrincados vericuetos; así pues, un músico profesional, virtuoso, académico, puede disfrutar de componer o interpretar Música Tradicional o Música Popular Contemporánea bajo su impronta Clásica.

La clasificación evidentemente nos proporciona un orden relativo sobre una verdad absoluta. La necesidad de clasificar las cosas, muchas veces se relaciona con la incapacidad de entender lo complejo de la realidad y por ello se transforma en un acto imperfecto, más aún si hablamos de Música.

Con respecto a la MÚSICA POPULAR CONTEMPORÁNEA, encontramos inequívocas manifestaciones encausadas en lo cotidiano de nuestras vidas.

Se distingue de entre lo Culto y lo Tradicional, para forjar nuevos discursos sonoros mediante formas que le son propias; cúmulo de sentimientos y experiencias vívidas en la necesidad de expresar sentimientos muchas veces enmohecidos por intereses mezquinos, ajenos a la belleza, el amor y la paz.

A modo de ejemplo; cuando el Jazz afloraba en la escena mundial se lo tildaba de «el retorno de la música de los salvajes», mientras que en 1987 el Congreso de los Estados Unidos de América declaraba al jazz como un «destacado modelo de expresión individual» y como un “excepcional tesoro nacional”. Hoy es elevado como una propuesta de Bien Común, enmarcada en la Proclamación de la UNESCO como  “30 de Abril como el Día Internacional del Jazz” (Noviembre 2011) .

 

Carlos A. Negrini
carlos75can@hotmail.com
Resistencia – Chaco , República Argentina

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Conciertos de color

 

“Puedo hacer conciertos donde en vez de tocar un instrumento toco colores”, explica Neil Harbisson.

Él es un artista contemporáneo y activista ciborg británico e irlandés que al cumplir 11 años de edad, le diagnosticaron acromatopsia o monocronismo: sólo podía ver el mundo en blanco, negro y gris. Estudió composición musical experimental en Dartington College of Arts (Inglaterra) y fotografía digital en la New York Institute of Photography. Es el primer ciborg del mundo reconocido por un gobierno. Teniendo 20 años de edad creó y se implantó una antena en la cabeza para poder escuchar los colores, convirtiéndose así en la primera persona en el mundo con una antena implantada en la cabeza. Es cofundador y presidente de la Fundación Cyborg, una organización internacional dedicada a ayudar a los humanos a convertirse en ciborgs.

La antena “cyborg” está compuesta por una cámara y una salida de audio, que emite diferentes vibraciones directamente a su cabeza, según el color. Pero gracias a la antena que lleva implantada en el cráneo, Harbisson puede escuchar los colores de las obras que admira. Pero Harbisson no solo es capaz de escuchar los colores. Uno de sus últimos desafíos ha sido transformar los sonidos de los cuadros en una composición para orquesta.

“Intentamos enseñar a un coro y a un cuarteto cómo interpretar los colores, así que en lugar de leer una partitura, lo que hicieron fue interpretar los colores que yo les iba mostrando. Aprendieron a hacerlo. Al final ofrecieron un concierto de colores que funcionó muy bien”, explica.

En su primera composición cibernética Piano Concerto num.1 estrenada en 2004 en Dartington College of Arts, Harbisson pintó un piano de cola Steinway & Sons, usando las frecuencias de los colores como notas. Con su siguiente composición, Pianoborg Concerto, Harbisson adjuntó un equipo en la parte inferior del piano y un sensor de color encima de las teclas para convertir el piano en un piano preparado cibernético. Cuando un color se mostraba en el sensor, el equipo recogía la frecuencia y la transmitía al piano haciendo sonar la nota correspondiente. Neil dijo: “El piano está tocando los colores del pianista; el piano está tocando el pianista”. Actualmente Harbisson da conciertos de colores conectando su ojo a altavoces y apuntando la antena a las caras del público o a objetos de color. En 2013 estrenó Sock Sonata en el Museum of Jewish Heritage de Nueva York, donde Harbisson creó música a partir del color de calcetines.

A principios de este año, ofreció un “concierto de colores” en el Palau de la Música de Barcelona.

¿Qué sientes tú cuándo miras los colores? Si prestas atención, seguro escuchas música. Dicen que las melodías bien seleccionadas despiertan nuestras emociones, ayudan a calmar el dolor y consiguen aportarnos paz y tranquilidad. Además, está demostrado que escuchar diferentes ritmos tiene efectos positivos sobre la salud en las personas de todas las edades. Lo cierto es que todos necesitamos música. Todos. No solo porque cambia nuestro estado de ánimo, sino porque acaricia el alma y supone un soplo de aire fresco para nuestra mente. La próxima vez que te expongas ante un color, cierra los ojos y escucha. La música está en todas partes.

 

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Fuentes:
http://www.elgrafico.mx/viral/16-03-2014/hombre-se-implanta-una-antena-para-poder-escuchar-los-colores
http://es.euronews.com/2014/03/25/neil-harbisson-o-el-arte-de-escuchar-los-colores/
http://es.wikipedia.org/wiki/Neil_Harbisson

 

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Musinetwork en Guanatos Jazz Fest

 

Musinetwork fue uno de los invitados académicos principales del Guanatos Jazz Fest que se está llevando a cabo este 30 de abril, y 1, 2 y 3 de mayo, en Guadalajara, México.  Para los que están lejos, podrán recibir notificaciones durante los cuatro días a través de nuestras redes sociales y enterarse así de todos los pormenores y disfrutar de las actividades artísticas.

¿Qué habrá? ¡Mucho Jazz!  Cuatro días de puro Jazz: música en vivo de bandas y músicos emergentes de la ciudad, clases maestras, talleres, cursos, conciertos, jam sessions, charlas, presentaciones académicas, etcétera, etcétera, etcétera… ¡súper completo! Y estamos emocionados de asistir.

El director ejecutivo de Musinetwork, maestro Rafael Alcalá, tendrá su agenda saturada pues impartirá una clase maestra el viernes 2 de mayo por la mañana, en la que tocará los temas de ensamble, improvisación, técnicas de estudio y autogestión.  Por la noche dará un concierto con Ramiro González, Fernando Barrios, Vico Díaz y César David.  El sábado presentará a Musinetwork y a nuestro sistema de enseñanza en línea, y hablará de nuestro Jazz Studies Certificate, y del Jazz como género y sobre todo como expresión musical que contribuye a la construcción de sociedades inclusivas.  Finalmente estará presente en la clausura All Star con Diego Franco, Yaury Hernández, Jordi Albert y Agustín Bernal.

Estaremos cubriendo el evento para ti, y podrás seguirlo desde nuestras redes sociales.

¿Te interesa estudiar Jazz?  Musinetwork creó el Jazz Studies Certificate, programa con visión global e integradora de todos los elementos que componen este género: improvisación, creatividad, vocabulario, conocimientos teóricos y performance. Este programa se caracteriza por incluir contenidos que fomentan los valores necesarios para la construcción de una voz auténtica y consciente como músico de Jazz.  Conoce más dando click aquí.

Agradecemos a Dos Cuatro por la invitación y por haber creado un festival que busca expandir y fortalecer el movimiento del jazz en América Latina.

 

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El Potro gaucho en pantalla grande

 

Horacio Guarany se pone el poncho de actor y regresa al cine con “El grito en la sangre”. Cantor popular, folclórico y escritor argentino, ganador del Premio Konex de Platino en 1985 como el más importante Cantante Masculino de Folklore de la historia en Argentina, es también amante del séptimo arte y este 2014 estrenó en todo el mundo la película basada en una de sus novelas: Sapucay.

“Yo nunca me alejé del cine, lo que pasó es que no me llamaron más estos sabandijas, pero estoy muy feliz de esta película porque hace tiempo que tenía ganas de volver y más con un guión que salió de un libro mío.”, señaló Guarany.

“Esta experiencia la tomo como cuando uno escribe una canción cualquiera y sale a cantarla en los escenarios; es la misma sensación de ansiedad y ganas de saber cuál es la opinión de la gente.”, agregó.

La historia nace en algún lugar del interior de la Argentina al rededor de los años 50, con la creencia popular que sostiene que cuando un hombre muere a traición, este debe ser vengado por su primogénito, para que esa alma descanse en paz. Cali, un adolescente cuyo padre fue asesinado en una carrera de caballos, a metros de la llegada, debe transformarse rápidamente en hombre obligado a vengar esa muerte.

Cuando la venganza es una obligación hay un grito en la sangre.

“Hace seis años que filmamos la película en San Luis -recuerda Guarany- y cuando parecía que quedaba en el olvido, surgió el estreno y la verdad es que se hizo un trabajo muy lindo, y hasta me hicieron subir a un caballo, a mi edad, no tienen perdón.” (risas).

“Fue muy lindo trabajar con toda esta gente, desde el director Fernando (Mussa), los actores, todos quienes se brindaron para hacer de las seis semanas de filmación un lugar agradable y tenerle paciencia a este viejo con mañas.”, destacó el reconocido Potro.

“A esta altura de mi vida estos gustos son bienvenidos, y tengo en la cabeza, y seguro que lo voy a hablar con Mussa -adelantó-, hacer otra película sobre un libro que quiero mucho ‘El loco de la guerra’. Pero vamos despacio porque quiero disfrutar esta primero.”

 

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El mundo entero celebramos al Jazz

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El 30 de abril se festeja el Día Internacional del Jazz, y en Musinetwork por supuesto que estamos de fiesta. Hemos decidido celebrarlo uniéndonos a la fiesta mundial que este año se llevará a cabo en Osaka, Japón. Desde luego que toda la comunidad Musinetwork está invitada, y no necesitarás subirte a un avión para estar ahí. Aquí te indicamos cómo participar:

1. Si todavía no eres fan de nuestro sitio en Facebook, regálanos un “me gusta” y únete a nuestra comunidad social para enterarte de todas nuestras noticias.

2. El miércoles 30 de abril, coloca en nuestro muro una frase relacionada con el jazz, y cita al autor/músico. No olvides hacerlo agregando un #JazzDay y otro #Musinetwork. Ejemplo:

#JazzDay #Musinetwork
“El Jazz tiene el poder de hacer que el hombre olvide sus diferencias y se una… el Jazz es la personificación de la transformación de las circunstancias abrumadoramente negativas en libertad, amistad, esperanza y dignidad.”: Quincy Jones

3. Por nuestra parte, tomaremos todos los mensajes publicados, y crearemos una galería de imágenes mencionando quién de nuestros alumnos/usuarios lo publicó, misma que colocaremos en nuestro sitio web, como en nuestras redes sociales. Por parte del comité organizador internacional, mostrarán tu publicación en su sitio web jazzday.com

4. En Musinetwork participaremos igualmente durante todo el día, compartiendo frases de nuestros músicos favoritos.

5. Ese mismo día, sintoniza el evento oficial desde el sitio jazzday.com y no te pierdas del concierto que unirá artistas legendarios de todo el mundo.

 
¿Quieres enterarte de más detalles de este gran evento? Continua leyendo…

En noviembre del 2011, la UNESCO designó oficialmente al 30 de abril como el Día Internacional del Jazz con el motivo de enaltecer al Jazz y a su rol diplomático de unir a la humanidad. La directora general de la UNESCO, Irina Bokova, y el legendario Herbie Hancock, pianista y compositor de Jazz, son los directores del evento denominado International Jazz Day, junto con Thelonious Monk Institute of Jazz, organización no lucrativa a cargo de la planeación, promoción y producción de esta celebración anual.

International Jazz Day invita a comunidades, escuelas, artistas, historiadores, académicos, y entusiastas del jazz al rededor del mundo a celebrar y aprender sobre el Jazz y sus raíces, su futuro y su impacto. Busca despertar conciencia sobre la necesidad del diálogo intercultural y del mutuo entendimiento, y reforzar la cooperación y la comunicación internacional. Cada año, el 30 de abril, esta forma de arte internacional es reconocido por promover la paz, el diálogo entre culturas, la diversidad, y el respeto por los derechos humanos y la dignidad, por erradicar la discriminación, promover la libertad de expresión, fomentar la igualdad de género, y reforzar el rol de la juventud en la promulgación del cambio social.

Este año, la ciudad anfitriona es Osaka, en Japón. La celebración iniciará con una serie de programas educativos que incluyen actuaciones, mesas redondas, clases maestras, workshops instrumentales, y más. Por la tarde, en el parque Osaka Castle Park se realizará el concierto con artistas aclamados internacionalmente. Entérate de quién asistirá, dando click aquí.

Cada año, el concierto une aclamados artistas internacionales del Jazz para una presentación que abarca estilos, culturas e idiomas. En este espíritu, los organizadores seleccionan un lugar de encuentro con riqueza significativa e histórica, representativa de la habilidad del jazz de conectarse con tradiciones e identidades culturales. El Osaka Castle Park será anfitrión entonces de 30 artistas renombrados y de una audiencia de miles en celebración del 3er. International Jazz Day. Así como en el 2013, el concierto será transmitido en vivo a través de los sitios oficiales de la UNESCO y del Thelonious Monk Institute of Jazz. Podrás sintonizarlo dando click aquí en el siguiente horario:

México: 5am | New York: 6am | London: 11am | Istanbul: 1pm | Tokyo: 7pm | Sydney: 8pm

Da click aquí para conocer el horario en tu localidad.

Se ha convocado al mundo entero a participar de la forma que deseen, promoviendo actividades relacionados con el Jazz. Musinetwork se ha unido, y espera contar con tu participación este miércoles 30 de abril. ¡Nos vemos en nuestro muro!

“En realidad el Jazz trata sobre la experiencia humana. Es sobre la habilidad del ser humano de tomar lo peor de las circunstancias y convertirlas en algo creativo y constructivo. Es algo que es creado en la fibra de cada ser humano. Y yo creo que es por eso que cada persona puede responder al Jazz: sienten la libertad. Y los atributos del Jazz son también admirables: Se trata de diálogo. Se trata de compartir. Se trata de trabajo en equipo.”: Herbie Hancock

 

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Adiós, Gabo.

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Gabriel García Márquez murió a sus 87 años el día de hoy en el Distrito Federal a causa de problemas respiratorios.  Autor de obras maestras como 100 Años de Soledad y Crónica de una Muerte Anunciada, fue premio Nobel de Literatura y uno de los más grandes orgullos de las letras en el mundo.

Él era uno de los nuestros; en Notas de prensa (1984, pág. 345) dijo:

“Tengo más discos que libros. Para el estupor de mis amigos, tengo una colección de música del Caribe -que es, de todas, sin excepción, la que más me interesa-. Desde las canciones ya históricas de Rafael Hernández y el Trío Matamoros, los tamborinos de Panamá, los polos de la isla Margarita, en Venezuela, o los merengues de Santo Domingo. Y, por supuesto, la que más ha tenido que ver con mi vida y con mis libros: los cantos ballenatos de la costa del Caribe de Colombia.”

Y es que, según manifiestan los entendidos, su literatura nació a partir de la música. El epígrafe de El amor en los Tiempos del Cólera, por ejemplo, es tomado de una de las letras de Leandro Díaz. Y no es de extrañarse que una de sus primeras notas como periodista comenzara así:

“No sé qué tiene el acordeón de comunicativo que cuando lo oímos se nos arruga el sentimiento.”

Gabriel tenía historia con el acordeón.  Para Cromos (Bogotá 1994, pág. 104) platicó:

“Vi muy niño el primer acordeonero, de los que salían de la provincia, contando las noticias de su región. Yo recuerdo haberlo visto la primera vez porque era un viejito que estaba sentando en una especie de feria, y tenía el acordeón en el suelo al lado de él y yo no sabía qué cosa era esa y me quedé esperando hasta que de pronto él sacó el acordeón (…) y empezó a contar una historia y para mí fue una revelación: cómo se podía contar historias cantadas, cómo se podían saber de otros mundos y de otra gente a través de una canción.  Después descubrí la literatura y me di cuenta que el procedimiento es el mismo.”

Sustrato musical y envoltura verbal, esa era su eficacia nominativa para volver a decir lo mismo y aderezarlo con los toques sentimentales típicos de García Márquez, que luego llegan a desbordarse de cursilería, típica de su otro gran influjo musical: el bolero.   Se apropiaba de los elementos básicos del folclor local y los iba transformando dentro de la estructura culta de la obra literaria.

Según sus propias palabras, “Cien años de soledad no es más que un vallenato de trescientas páginas”.

El comienzo de La mala hora contiene serenatas, letras de canciones, y un Pastor que toca su clarinete. La música, para García Márquez, parecía señalar otro lugar mejor, donde la convivencia era factible y donde el espíritu permitía sobrellevar y trascender el peso de una violencia sucia y milenaria.  Si el músico es asesinado en esta obra, en la de Cien Años de Soledad, el italiano Pietro Crespi, también tendría un destino trágico: terminó suicidándose entre los rollos de su pianola.  En Del Amor y Otros Demonios, la música sigue manteniendo sus propiedades lenitivas como en el caso del licenciado Abrenuncio de Sa Pereira Cao, el médico que en otros tiempos solía tocar el arpa a los enfermos para sedarlos con la música.

Ahí van quedando los músicos, en el asesinato o en el suicido, como emblemas de una pureza intolerable.  Se podría seguir así, indefinidamente, revisando cómo documentó la música en la historia de sus personajes.

La música tuvo un papel decisivo, tanto en su vida como en su obra, eso es un hecho. Y sin duda sus letras, como la música, tendrán vida infinita.  Hoy se fue García Márquez; nos limitaremos a seguir leyéndolo, como quien escucha una canción.

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Fuentes:
http://www.bbc.co.uk/mundo/
http://www.sinembargo.mx/17-04-2014/965762
http://es.wikipedia.org/wiki/Gabriel_Garc%C3%ADa_M%C3%A1rquez
J.G. Cobo Borda “García Márquez y la música”, revistas.ucm.es
http://www.expedicionpadilla.com/sites/default/files/GABRIEL%20GARCÍA%20MÁRQUEZ

 

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Seamos protagonistas de una historia libre.

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El 16 de abril es el Día Mundial contra la Esclavitud Infantil, y simplemente no lo podemos dejar pasar.  Dentro de nuestros principales objetivos como responsables de la formación de personas, en Musinetwork defendemos y promovemos los principios de la libertad y de los derechos individuales… comenzando por los de nuestros pequeños.

En este día el mundo entero conmemora el asesinato de Izbal Masih, quien a sus 4 años fue vendido a una fábrica de alfombras por su padre para garantizar una deuda.  Las durísimas condiciones que debió soportar afectaron su crecimiento: a sus doce años medía lo de un niño de seis.  A sus 10 años logró escapar pero el 16 de abril de 1995 fue asesinado mientras montaba su bicicleta.

“Ahí están los venezolanos, como los ucranios ayer, jugándose la vida en nombre de todos nosotros, para impedir que en la tierra de la que salieron los libertadores de América del Sur desaparezcan los últimos resquicios de libertad que todavía quedan. Tarde o temprano, triunfarán.”: Mario Vargas Llosa

Han sido décadas de incertidumbre en la mayoría de los países latinoamericanos donde subsisten aun lamentablemente gobiernos con marcados tintes autoritarios.  Estos gobiernos encaran un riesgo para la libertad y para las posibilidades del desarrollo individual.

Presidida por el Maestro Rafael Alcalá, la constitución de esta Escuela ha sido una iniciativa para consolidar la creatividad de diversas personalidades de ambos lados del Atlántico, en un momento de gran expectativa sobre la evolución política, social y económica de Latinoamérica.  En este contexto, Musinetwork School of Music apuesta por aquellos principios cuya instauración constituye las bases de la libertad y la prosperidad traducidos en la aplicación de un proyecto global de modernización que hace de los estudiantes y de la comunidad en general, los protagonistas de una historia libre.

Musinetwork aspira a contribuir desde las ideas, desde las propuestas, y desde este espacio de expresión y de libertad, a que América Latina encuentre un camino de desarrollo económico, social y cultural sostenido.  Aquí tenemos el propósito de influir en las agendas internacionales a través de la música; actuamos difundiendo ideas y promoviendo la libertad, y defendiendo una sociedad abierta.

Los efectos que tiene la música sobre el ser humano son millones y representan un papel importantísimo en su desarrollo pleno e integral.  Los alcances y los beneficios son tales que consideramos imprescindible la presencia de la música en la formación y en la vida de los individuos.   Podríamos incluso afirmar que la catarsis mundial en la que nos envolvemos sería otra de ser que la música estuviera presente desde la edad temprana.  Los niños y la música son nuestro futuro; no dejamos caer el peso de nuestro porvenir en ellos, sino que trabajamos en ser el sostén de una sociedad a favor de los niños, a favor de la música, y a favor de la libertad de ambos… de todos.

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Muzak para mis oídos.

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“The sound you make is muzak to my ears” (el sonido que creas es muzak para mis oídos) fue el insulto que John Lennon le lanzó a Paul McCartney en su canción “How do you sleep?”, de 1971, en un período de larga historia de tensiones. Insulto porque muzak, entre las etiquetaciones más conocidas, surge para remitirse a la música ambiental como: Música de elevador, música programada, música de fondo. Josep Martí introduce el término en el vocabulario musicológico y académico, basándose en el nombre comercial de la primera empresa que, surgida en 1934 en Estados Unidos, ofrecía a sus clientes música por vía telefónica.

Existe entonces una gran disyuntiva.  Los que están a favor de la música de ambiente, y los que definitivamente la consideran un insulto. Aprovechamos esta valiosa instancia para promover comentarios y opiniones, apostando así por un espacio discusivo más que expositivo.

¿Ustedes qué postura tienen?  Exploremos ambas.

La existencia de una música de ambiente, desde el ya antiguo piano de restaurante, como el que toca aún Enrique Chia, hasta el más actual chill out, se debe a la necesidad de una música que no llame mucho la atención mientras uno se concentra en otras actividades, tales como comer y beber, comprar, y sobre todo platicar.  Y es que lo que entra por el oído es invasivo, quizá no tanto como el olfato, pero no podrán negar que si uno desatiende la música, de pronto nos encontramos marcando el ritmo con el pie en el suelo.  ¿Qué se puede hacer al respecto? La música siempre se adueñará de nosotros. De nada nos sirve ser expertos multitask.

La memoria también hace de las suyas: fácilmente recordamos la música que escuchaban nuestros abuelos, la música que nos cantaba nuestra mamá, la canción que le dedicamos a nuestra pareja, la que escuchábamos en nuestro walkman. En el cine sucede lo mismo, requerimos de una música que acompañe nuestra percepción visual y al lenguaje verbal, y que no lo haga de manera evidente.  La música puede ser como un personaje, pero lo central no deja de ser la historia misma.

Por esto anterior es que expertos mercadólogos y publicistas en el mundo, se han vuelto multi sensoriales.  Ahora trabajan con colores, olores y sonidos, dejando a un lado, con perdón de ellos, el rollo verbal.  Están destinados, y obstinados, en crear experiencias de compra, en crear sensaciones.  Una amplia diversidad de empresas y organizaciones (discotecas, restaurantes, tiendas, radios, televisiones, cines, Internet…) utilizan la música para aportar valor a sus procesos productivos y enriquecer su actividad comercial para mejorar su negocio.  Claro que la música da juego no solo para los clientes, también para los propios trabajadores o colaboradores. En el fondo no deja de ser Marketing para el cliente interno.  Son hechos tangibles: la música incrementa la productividad y eficacia de los profesionales en el desempeño de su actividad.

La música es hoy una técnica que utilizan frecuentemente las empresas para incitarnos a comprar de la manera que ellos consideran más oportuna en cada momento.  Los estudios de este tipo de comportamientos no son nuevos, y es que ya en el año 1979 Liensen se encontró con que tres cuartas partes de los consumidores realizaban una compra segura teniendo música de fondo.

Actualmente existen empresas que se dedican a vender discos compactos con programación musical especializada para locales comerciales. Cada cierto tiempo, esta empresa les envía a sus clientes un disco o vía internet un promedio de 200 canciones que pueden poner en sus locales. Esta música es elegida pensando en el target de cada empresa.

Ahora bien, asumiendo que la música ambiental ha estado siempre presente en la crónica humana, y considerando por otra parte el amplísimo espectro de nociones, valores, usos y funciones que puede comprometer el término “música ambiental”, el hecho de que la música ambiental se haya ido instalando con una profusión cada vez mayor dentro del cotidiano urbano ha dado lugar a una serie de pronunciamientos adversos:

La primera critica es a partir de referentes catastrofistas, considerando la música ambiental una degradación cultural que conlleva intenciones de totalitarismo, invasión y control social, y que, por lo demás, constituye un agente contaminante. La segunda tendencia configura su crítica más bien desde planteamientos estéticos, alegando una falta de performatividad en las músicas ambientales, acusando, en consecuencia, una carencia de ritual en donde el fin último no es la calidad sino la funcionalidad. Según esta visión, la música ambiental constituye un atentado al canon artístico occidental.

La presencia de la música es vista entonces como un “trato denigrante para la música”, sobre todo si se considera además su rol funcional, de mero “papel mural acústico”: Aviñó.  Música hecha para no ser escuchada, remarca.  Los de él son básicamente estudios que pretenden liberarnos de la sobrecarga sonora, del ruido y de todo el “perfume” acústico que, por ejemplo, la muzak ha introducido en el medio ambiente urbano.

Autores como Donoso añaden:  “Hoy, en cambio, la música lo invade todo. Está presente en el supermercado, en la consulta médica, en la calle, en las líneas telefónicas. (…) Nada de ello ha sido solicitado por nosotros. Nos las imponen y ellas se agregan al tumulto acústico de la ciudad contemporánea, integrando una cacofonía que a algunos afecta conscientemente y, a otros -¿minoría o mayoría?- no parece molestar. La agresión es tan general y dominante, que nuestra facultad privativa de no oír (taparnos los oídos) queda reducida al mínimo. (…) Es prácticamente imposible resistirse a la agresión auditiva, estando comprobado que es justamente ella la que contribuye más decisivamente a los niveles de estrés.”

Por último, ¿es música si no hay aplausos, ni tampoco el sentido de communitas que se desprende de la reunión en una sala de conciertos de todos aquellos  que han acudido con una misma finalidad? No se sabe quiénes son los intérpretes, y en  muchos casos ni siquiera se reconocen los títulos de las canciones que se escuchan, y, por ello, esta música se  resiste a que nos las apropiemos.

La música ambiental se nos presenta más desnuda que nunca: música sin rituales que marquen pautas para su decodificación, música más cercana a la tecnología que a la gente, música sin espectáculo.

Y bien, ¿ustedes qué dicen?

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Fuentes:
pymesyautonomos.com/
ennaranja.com/
empresamia.com/
campounitario.wordpress.com/
platea.pntic.mec.es/jgarci1/
musnoida.htm
sibetrans.com/trans/trans6/marti.htm
eumus.edu.uy/ps/txt/westerkamp.html

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Los niños y la música

 

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Más allá de las canciones infantiles populares de toda la vida, la música es un pilar fundamental dentro de la educación infantil, y una manera de expandir las capacidades de los niños a diversos niveles. Su poder para estimular la inteligencia emocional, así como el desarrollo auditivo y cognoscitivo desde una edad temprana, hacen de ella una sonora fuente de información, altamente beneficiosa para los más pequeños.

1. La música recompensa al cerebro:
La música estimula las regiones del cerebro involucradas en emociones. ¿El resultado? Es un divertido e increíble ejercicio mental que mejora el autoestima.

2. Aprenden a escuchar de verdad:
Los niños que estudian música resultan mejores para otros idiomas y en detectar discursos dentro de un ambiente ruidoso, aunque hayan estudiado brevemente o hace ya tiempo.

3. Les va mejor en la escuela:
Los estudios indican que los niños involucrados con la música tienen una mejor habilidad de escritura, matemáticas y tienden a ser más brillantes. Al aplicar sus exámenes universitarios tienen mejores resultados en las áreas verbales y de matemáticas.

4. Hace que sean más amables:
Los niños que disfrutan de la música son mejores para hacer equipo, menos agresivos y más cooperativos con los maestros. Hay menos peleas, racismo y sarcasmo en escuelas con buenos programas de música.

5. Ayuda a que los niños crezcan:
Aprender música ayuda a que los niños expresen mejor sus ideas, acepten crítica y mejoren su pensamiento crítico y de resolución de problemas.

6. Es la mejor forma de que permanezcan en clase:
Un importante 96% de directores de escuelas están de acuerdo en que la educación musical motiva a los alumnos a quedarse en clase.

Por eso, cada vez más y más padres se suman a la tendencia de inculcar a sus hijos la pasión por un instrumento desde la edad preescolar en adelante. Compartir con ellos la magia de las notas musicales al desplegarse sobre una partitura no sólo nos permite estrechar lazos y abrir miras: los efectos de aprender a tocar el violín, el piano o la guitarra repercuten directamente en su capacidad de aprendizaje, fomentando su comprensión de materias muy diferentes como las matemáticas, y expandiendo los límites de su imaginación al tiempo que cultivan una faceta más sensible de su personalidad de cara a la vida adulta.

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Fuentes:
www.sciencedaily.com/releases
www.jstor.org/discover
www.hola.com/niños

Ir a la siguiente nota: El cerebro de un músico

 

El cerebro de un músico

 

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¿Se activan las mismas zonas cerebrales si escuchamos el lenguaje hablado a si escuchamos música? Más interesante aun: entre los músicos, ¿se activan regiones cerebrales diferentes a las de otras personas? Muy curioso el resultado de una investigación sobre el cerebro humano en relación a su reacción ante estímulos auditivos complejos como el lenguaje y como la música.

Cuando se escucha el lenguaje hablado y cuando se escucha música, podría pensarse que las regiones activas resultan ser las mismas. Y no es del todo sorprendente que la mayoría pensemos así pues al fin y al cabo el lenguaje y la música tienen varias similitudes: ritmo, fonemas y notas que pueden ser equivalentes.

Pero, ¿qué pasa con las personas con afasia (pérdida de la capacidad del habla por una lesión cerebral)? Ellos no dejan de disfrutar la música. ¿Quiere esto decir que se activan entonces zonas distintas?

“Existen áreas cerebrales en común (para desarrollar y escuchar lenguaje y música). Pero hay regiones más selectivas para la música y en quienes se dedican a ella se excitan un poco más. Esta se llama Planum Polare, localizada en la parte superior del lóbulo temporal, y seamos o no músicos siempre se activa en el hemisferio derecho, pero entre los músicos se acciona con mucha más frecuencia también en la parte ubicada en el hemisferio izquierdo.”: Dr. Luis Concha (investigador del Laboratorio de Conectividad Cerebral del Instituto de Neurobiología (IN) de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), con sede en Juriquilla, Querétaro, México).

Esta investigación surgió a partir de la curiosidad y las incógnitas del Doctor Concha Loyola. Decidió finalmente aplicar resonancias magnéticas en 53 mujeres y hombres, dentro de los cuales 28 eran músicos y 25 tenían otra profesión. A los voluntarios se les proporcionó un par de audífonos que reproducían sonidos como puertas cerrándose, automóviles, llantos, estornudos, música y lenguaje en varios idiomas. Descubrió que cuando una persona, sin importar el género, escucha el lenguaje hablado o la música, se activa una región llamada Planum Polare. Con la música, es la zona izquierda de esta región la que se acelera, y aun más si se es músico.

El Doctor desea continuar con una segunda fase de la investigación para verificar que efectivamente este órgano vital logre diferenciar el lenguaje y la música. Lo que sí sabemos ahora es que el cerebro humano es en definitiva uno de los órganos más interesantes y complejos, el que mayor misterio encierra para su estudio y comprensión.

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Fuente
: http://www.jornada.unam.mx/2014/03/26/ciencias/a02n1cie

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El mundo es mi escenario

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Siempre nos encontraremos de nuevo con la antigua pregunta que hizo nacer hace veinticinco siglos la reflexión filosófica sobre la libertad. Esta pregunta nacía de la conciencia de nuestra transcendencia. El hombre empezó a pensar en libertad cuando tomó conciencia de que el ejercicio de su acción no significaba simplemente una elección sobre cosas externas. Esta es ciertamente la más inmediata y evidente dimensión de la libertad.

En fin, es un hecho que la libertad humana es uno de los temas de debate más complicados en desarrollar. Como es posible de intuir, la libertad es un concepto abstracto de muy difícil definición, y que además, en el intento por hacerlo, el ser humano se ha encontrado frente a múltiples paradojas.

Es debido a esto, que a modo muy personal, nos hemos refugiado en lo único que a nosotros nos da sentido: la música. Es la forma en la que nosotros definimos la libertad. A través del canto y de la melodía, dejaremos de ser esclavos de nosotros mismos, de nuestra mente cautiva dentro de un mundo de razonamientos e ideas, de preguntas retóricas y de dudas. Aquí somos libres, aquí estamos completos, aquí podemos volar. Con nuestra música rompemos fronteras, hacemos hermanos, logramos encontrar claridad, decidimos, debatimos, exponemos, gritamos y susurramos, que la vida es nuestra, que somos de la vida y que en este contexto somos felicidad. Nosotros tomamos nuestro instrumento con manos firmes y alzamos la voz. Esa es nuestra libertad. Así trascendemos. Ese es nuestro canto, y esa es nuestra voz. El mundo, el mundo es nuestro escenario.

Bienvenidos a esta comunidad, en Musinetwork todos somos libres.

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Gaceta Musinetwork: La mujer rompiendo el silencio

 

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La nueva Gaceta Musinetwork en su quinta edición te presenta: La mujer en la música. Ya está disponible para su descarga, solo haz click aquí.

En estas páginas encontrarás relatos sobre nuestra bella América Latina y la mujer como fuente inagotable de inspiración y de lucha en en el rubro de la música. Nos encontramos en el rango de los países que más arraigo y significado han contribuido al desarrollo, conocimiento y disfrute de esta manifestación artística. Entre las diversas revoluciones particulares que han impulsado los países latinoamericanos, una es la realización de la mujer en el campo específicamente musical. Los roles de género que existen en la población, y su organización social en general, se reflejan en la cultura musical y los papeles que asumen hombres y mujeres dentro de ella.  En esta quinta edición de nuestra Gaceta Musinetwork, hablamos sobre la música popular en contextos culturales latinoamericanos diversos, y develemos el papel que juega la mujer y la expresión musical en dichos contextos. Trabajamos en concreto el tema de la música desde una perspectiva de género.

La idea de nuestra gaceta es en esta ocasión realizar en primera medida un pequeño bosquejo de la presencia de la mujer a lo largo de la historia, para luego dar paso a la reflexión sobre la participación de las mujeres en la música popular contemporánea, y los aportes de esta en la lucha feminista. Los invitamos a descubrir juntos las causas que han llevado a la presencia invisible de la mujer en la música. Y es que hablar de mujeres músicas en una sociedad latinoamericana es complejo, sobre todo porque en general la música ha sido un espacio de lucha constante por reconocerse como profesión y como expresión artística y folclórica de nuestra sociedad. Igualmente, es un espacio que segrega. Esta segregación es tanto a hombres como a mujeres; en el caso de los hombres, quien no tenga el nivel musical o conocimiento musical suficiente para entrar en el gremio, poca posibilidad tendrá de hacer parte del mismo y de mantenerse; y en el caso de las mujeres, en muchas ocasiones no se toma en cuenta su talento o conocimiento musical, sino que se le aísla solo por el hecho de ser mujer, a pesar de la lucha política que por más de un siglo y medio las mujeres han llevado a cabo.

Es una enorme lista la de estas figuras femeninas que hicieron y actualmente están realizando una importante labor dentro de la cultura musical y que gracias a la lucha incansable de sus antecesoras han encontrado un camino más abierto para la creación musical, figuras fundamentales que a lo largo de la historia musical han ocupado un destacado puesto en la interpretación, la composición, la pedagogía y la investigación de la música. Mujeres que en diferentes momentos del devenir musical en nuestros países han sido merecedoras del respeto de varias generaciones de músicos, y del reconocimiento y la admiración de un auditorio exigente.

El protagonismo del que hace obra la mujer latinoamericana actual tiene un antecedente muy consciente en aquellas que a veces sin proponérselo fueron haciendo camino. Mujeres han dejado un legado importante para las nuevas generaciones, no sólo en el terreno musical sino en el de la igualdad profesional en general, ya que algunas de ellas lucharon incansablemente por sus derechos allanando el difícil camino hacia la igualdad. A todas ellas, gracias por sus aportes, gracias por romper el silencio.

Disfruta, ahora, del viaje gráfico y literario que te propone nuestra gaceta número 5.  Para nosotros es un privilegio tenerte de lector.

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Ir a la siguiente nota: Charla MNW: Gestión, promoción y procuración de fondos para bandas independientes

Charla MNW: Gestión, promoción y procuración de fondos para bandas independientes

 

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¿Quieres saber cómo gestionar fondos, para ti o para tu banda, de manera independiente? Te invitamos a platicar con Los Aguas Aguas este domingo 23 de marzo a las 14:00 hrs. (horario Boston) en nuestro canal de Twitter: @musinetwork.

Los once integrantes de esta banda mexicana han pisado escenarios en Holanda, Japón, Francia, Costa Rica y Bélgica, y han compartido escenario con artistas de talla internacional como Café Tacuba, Susana Baca, Pericos, Calle 13, Janelle Monae, Pink Martini, Quique Neira, Andrew Tosh, Maxi Vargas, Oscar de León, Panteón Rococó, Los de Abajo, Lila Downs, Sonex, Mad Professor, Botellita de Jerez, Los Rastrillos, Antidoping, Los Cojolites, Los Caracoles, Jugosos Dividendo, Cultura Profética, La Maldita Vecindad, El Gran Silencio, Salón Victoria, Los Guanábana, Ganja y Los Skatalites, entre otros.

Los Aguas Aguas exploran diversos estilos musicales desde el 2005, influenciados por la música jamaiquina y los géneros musicales de la costa, como los ritmos afro americanos, el reggae, el funk, jazz, cumbia, entre otros. También integran naturalmente los sonidos propios del Golfo de México, específicamente el del Son Jarocho, incluyendo en su repertorio instrumentos tales como la jarana, el requinto jarocho o guitarra de son, y la leona o guitarrona, el shekere o calabash, y el D-jembe.

Han logrado una trayectoria importante como impulsores de la enseñanza de la música veracruzana a través de la impartición de conciertos didácticos. En marzo de 2013 se presentaron por primera vez en el Festival Iberoamericano Vive Latino. En marzo de 2012 realizaron una gira por festivales, bares y centros culturales de Costa Rica. En 2011 tuvieron su primer tour por Europa, presentándose en festivales, bares y espacios culturales en Francia, Bélgica y Holanda.

En julio de este año se presentarán en los festivales Amsterdam Roots en Países Bajos, Pirineos Sur en España y en Sintra en Portugal.

Participaron en la grabación del soundtrack de la película Victorio, y con la canción “Te gusta a ti ese son” en el disco tributo a la agrupación mexicana Botellita de Jerez.

Tranquilo y Tropical, Cumbia Reggae, La Playa, Eclesiastic, Sácala a Bailar, Cachondo, Eduviges Eustolia, Eleven Cents y Dónde está el Viernes, son las 9 canciones que conforman su primera producción discográfica Easy and Tropical Machine, lanzada en diciembre de 2009, que fusiona con gran éxito diversos ritmos que van desde el son jarocho hasta el funk y cumbia, logrando establecer el sonido característico de la banda. Siempre música pa’ bailar. El disco se vende en México y Japón.

El 11 de diciembre de 2012 presentaron en Veracruz, estado mexicano de donde son originarios, su nuevo material discográfico llamado Two, three karate moves, para dar inicio a una gira nacional e internacional. El disco fue producido por Hans Mues, de reconocido grupo mexicano Antidoping, y masterizado en Masterhead Lab Mastering en Nueva York.

Cuentan además con más de 38 mil fans en Facebook. ¿Quieres también tú tener mejor vinculación con tu público? Prepara tus preguntas, podrás exponerlas en vivo este domingo en nuestra segunda CharlaMNW.

Pero, ¿qué son las CharlasMNW? Por medio de la TwitCam en nuestro canal oficial de Twitter (@musinetwork), llevamos a cabo charlas gratuitas, abiertas a toda la comunidad, con invitados especiales expertos en diversos temas relacionados con el quehacer cultural y artístico. Tú como usuario podrás participar activamente, aportar ideas y exponer tus dudas.

Las CharlasMNW son importantes para ti como alumno y como músico porque:
* Se exponen temas que te brindan herramientas para tu desarrollo artístico, social y económico.
* Se promueven valores en ti como la diversidad, la multiculturalidad y la auto sustentabilidad.
* Estimulan tu creatividad para que generes ideas y proyectos que promuevan tu vinculación con la sociedad y atención a grupos vulnerables.
* Te concientizan del importante rol que juegas en la sociedad.

En fin, no te la puedes perder. La invitación está abierta, platiquemos con Los Aguas Aguas este domingo 23 de marzo a las 14:00 hrs. (horario Boston) en nuestro canal de Twitter: @musinetwork. Mucho tienen que decirnos sobre cómo fondearte como músico independiente. Si quieres más información, descarga nuestra Gaceta número 5 aquí, o escríbenos a registro@musinetwork.com o bien visita nuestra sección de Desarrollo Social dando click aquí.

Igualmente te invitamos a que conozcas más sobre Los Aguas Aguas y su trayectoria, visítalos en www.losaguas.com ¡Prepara tus preguntas! Las podrás exponer en vivo.

La cita es a las 14:00 hrs (horario Boston), revisa cuántas horas de diferencia hay con tu ciudad dando click aquí.  ¡Nos vemos el domingo! Sean todos bienvenidos.

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Venezuela, los escuchamos.

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“Esta noche quiero dedicar esta canción a un montón de gente que están en un país a donde no puedo ir, esas son las gentes de Venezuela, yo quiero que le den un aplauso a mi gente de Venezuela”: Alejandro Sanz en concierto, tras haber sido declarado persona “no grata” por el Concejo Municipal de Caracas, que exhortó a las autoridades prohibir la presentación del cantante español el 14 de febrero 2008, por sus reiteradas declaraciones en contra del (ahora) ex presidente venezolano Hugo Chávez.

En Venezuela es recurrente la estigmatización de quienes se oponen al gobierno. El medio informativo elpais.com afirmó que casi la mitad del país tiene a sus hijos en las calles protestando contra un régimen que los reprime. “Si eres amigo de un Venezolano, por favor comparte. (…) Si has conocido alguna vez a un Venezolano, comparte. (…) Si eres humano y quieres ayudar a que se sepa la verdad, por favor comparte.”, dice un video que está circulando por internet buscando ser escuchado.   Las redes sociales están inundadas con mensajes instantáneos de toda una población pidiendo un cambio, pidiendo ser escuchada.  Venezuela, los hemos escuchado, el mundo los escucha. Compartimos su postura, es nuestra también, y defendemos la libertad de expresión como un derecho fundamental, un derecho humano… lo defenderemos siempre, y a nuestra manera.  El mundo lo necesita, y necesita líderes del cambio.

Busquemos nuevos espacios, trabajemos en común para la resolución de problemas, busquemos nuevas herramientas que proporcionen lograr la inclusión social a través de la autogestión del trabajo y alternativas en la educación, donde la educación no formal adquiera otra dimensión, y desde la recuperación de fuentes de trabajo entretejamos lazos con otros sectores, con otros grupos, fomentemos el crecimiento, nuestros propios cambios.

Nosotros trabajamos sobre la música como herramienta de transformación social, porque creemos que es una forma eficaz de abordaje en promoción de adaptarnos activamente a la realidad, generando nuevas posibilidades de cambio.   Creemos en la música como hilo conductor entre el cuerpo y la palabra; creemos en la necesidad de fomentar la música al alcance de todos, para que deje de ser excluyente, y por el contrario, integrador.

¿Puede la música en sí ser un motor de crecimiento y transformar nuestras vidas? Creemos que sí. El arte es la transformación.  Pensamos que es a través del camino del Arte, como generador de cambio, como medio de comunicación. Trabajamos en crear una identidad, en promover el reconocerse a sí mismos como sujetos, y desde ahí las posibilidades del encuentro con otros, de fortalecer sus vínculos, de transformar y transformarse, dando lugar a plantearse un mañana en una sociedad donde no exista la exclusión.

“El arte es una solución. Es el signo de la cultura y la cultura es lo que da consuelo frente a la certeza del caos y a la contundencia del horror que viene ocurriendo desde hace muchísimo tiempo. La cultura es un analgésico, no un anestésico. La cultura es lo que da serenidad frente al desastre.”: Reverté.

Vemos en tantos países la falta de posibilidades que se generan en relación a las desigualdades sociales, en esta sociedad donde cada vez hay mas personas en condición de vulnerabilidad, generadas en parte por el desempleo, la falta de una vivienda digna, la crisis de la educación y la salud.

Los últimos episodios de violencia, censura y desinformación en Venezuela, han reabierto el viejo debate sobre los valores democráticos y el manejo de la información pública por parte del Estado.  Las protestas de los estudiantes simbolizan la pérdida del principal mensaje político en el que Hugo Chávez basó su popularidad: la denuncia del pasado y la promesa de un futuro mejor. Catalina Botero, relatora especial para la Libertad de Expresión de la Comisión Interamericana de Derechos Humanos (CIDH), confirma que en países como Cuba, Venezuela y Ecuador, existen marcos jurídicos incompatibles con el derecho a opinar, a debatir, a informar, a informarse, a disentir de manera independiente y libre, cuestiones que son “absolutamente consustanciales a un sistema democrático”, afirma.

Queridos amigos Venezolanos.  Cada día es una oportunidad nueva para reiniciar, para colocar un tabique más.  Las cosas que hacemos y los vínculos que tejemos, son parte del camino que construimos. Y en ese trabajo diario en relación con los demás, nuestra obra personal adquiere importancia. “La batalla no está perdida, no hace más que empezar, porque el poder del corazón, el poder de la voz y de la palabra, es más fuerte que todas la balas del mundo”: sostuvo el cantautor español aun en concierto. Alejandro Sanz cerró diciendo “Una canción no puede parar un tanque de guerra, pero puede partirle el corazón al guerrero que lo conduce.”  Venezuela, su voz se escucha.  Esta es la nuestra, no están solos.

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Fuentes:
eluniversal.com
psicologiagrupal.cl
noroeste.com.mx
espirituales.mforos.com
elpais.com
libertaddigital.com

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Gracias por tanto… y buen viaje, Paco de Lucía.

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Paco de Lucía falleció hoy 26 de febrero, 2014, en México.  Al hablar del flamenco, el nombre de Paco de Lucía inevitablemente encuentra figura.  Único elixir el de su guitarra; los sonidos brotaban de manera elegante y destellante, convirtiendo el flamenco en una revolucionaria atmósfera de fiesta.  Su pasión por componer y sorprender estuvo viva hasta el final.  Pasó la mayor parte de su vida con guitarra en mano, creando ritmos y acordes complejos, armonías y modulaciones siempre novedosas.  Inyectó tintes de jazz, música clásica y bossa nova al flamenco. Simplemente inigualable.

Su música “nunca fue a la escuela, viene de la emoción”, dijo. Y es que por problemas económicos, su padre lo sacó de la escuela e hizo que dedicara su tiempo a practicar y estudiar solo.  Esa decisión dio sus frutos, pues desde su primer disco a sus 20 años de edad, los éxitos sucedieron.  “Mi carrera me la he pateado yo solo. Primero llenaba dos filas de un teatro; luego tres, y, cuando se llenó, se llenó para siempre”, comentó para SinEmbargo.mx.

El innovador artista de dimensión universal fue Premio Príncipe de Asturias de las Artes y emblema de la renovación y difusión mundial del flamenco. Paco de Lucía logró, entre otros muchos reconocimientos, un Grammy al mejor álbum flamenco 2004; el Premio Nacional de Guitarra de Arte Flamenco; la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes 1992; el Premio Pastora Pavón La Niña de los Peines 2002; y el honorífico de los Premios de la Música 2002.  En 2010 fue investido doctor honoris causa por el Berklee College of Music de Boston (EE.UU.), siendo el primer español en conseguirlo. (Fuente: cnnespano.cnn.com).

El último trabajo discográfico de Paco de Lucía, será un disco de coplas titulado “Canción Andaluza”, que estaba programado para el próximo mes de abril. Estaba a la espera de la portada definitiva; Paco de Lucía quería dar su propia visón de la copla, un género musical muy importante en su vida desde la infancia, al que, según decía, “se le ha quitado su profundidad real.” (efeeme.com).

Muchos lo describen de haber sido un hombre tímido, austero, poco amigo de multitudes, protector de su intimidad y de la de su familia.  Por eso buscaba residir temporadas largas en el Caribe de México.  Esta mañana, el maestro, de nombre original Francisco Sánchez Gómez, jugaba en la playa con su hijo cuando, según fuentes allegadas a la familia, falleció a causa de un infarto masivo.   “Gracias por tanto… y buen viaje amado nuestro”, dijo la familia en un comunicado publicado por telecinco.es.

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Convocatoria: “Mis primeras notas musicales”

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En Musinetwork constantemente convocamos a nuestros alumnos a participar en diversas actividades que promuevan su desarrollo integral.  Motivamos la creación de conciencia social a través de actividades que muestren la multiculturalidad de nuestro planeta, sensibilizarlos así del entorno y contexto en el que vivimos.

Con “Mis primeras notas musicales” queremos mostrar los orígenes de cada uno de nuestros estudiantes.  Y es que en varios países del mundo, abril es el mes del niño.  La verdad es que promovemos su bienestar y sus derechos todo el año, pero siempre es importante conmemorar y para eso hemos decidido crear esta convocatoria.

Todos tenemos esa foto que guardamos de recuerdo cuando éramos niños y comenzamos a tocar un instrumento musical. Comparte con nosotros esa primera fotografía de ti iniciando en la música, cantando o con algún instrumento, y platícanos en qué soñabas convertirte de pequeño.

¡Participa! Queremos conocerte:

  • Échate un clavado “al baúl de los recuerdos”, revisa tus fotos de pequeño y encuentra esa primera foto de ti cantando o tocando un instrumento.
  • ¿En qué soñabas convertirte de pequeño? Platícanos a través de unas breves líneas.
  • Envíanos la foto y el texto a registro@musinetwork.com
  • Publicaremos todas las fotos que hayan participado.
  • 1ero de marzo, fecha límite de entrega de material.

Si tienes alguna duda, escríbenos a registro@musinetwork.com

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Nuevas formas de pago en MNW

Cursos de Música ONLINE

¡Hola, Mundo!

Con la celebración del año, en Musinetwork ponemos a disposición de todo el mundo, nuevas y más sencillas formas de pago. Encuentra el banco más cercano a tu localidad dando click aquí. Con esto, avanzamos un paso más en este recorrido de innovadores proyectos animados por el privilegio de compartir la música, y de continuar renovando así los valores más nobles de la humanidad. Mejoramos constantemente nuestros estándares de calidad y, con este nuevo servicio, cada vez es menos significativa la distancia que nos alberga.

Romper fronteras era un desafío… ahora hacer música será posible en todas las localidades. Los avances tecnológicos que implementamos constantemente en nuestro sitio, hacen que la comunicación y la relación entre los distintos países del mundo se solidifiquen en una sola sociedad, una cultura global, con acceso universal a la música. Con esto, la ideología de un país, penetra en otros, y así nos integramos consolidándonos en una comunidad donde la música siempre es un espacio que traduce la relación de una cultura con otra.

Encuentra aquí con nosotros un lugar dónde reconocerte; la música es un excepcional sosiego, ofrece sensaciones inéditas a la vida humana. En Musinetwork rescatamos esas sensaciones, tradiciones e identidades, culturas y estilos; pero también renovamos tecnologías y comunicación, modernidad e integración. Y es que la música conoce de contextos, pero no de fronteras:

Nos emociona acercarnos cada vez más a todos.

Estudia global, desde tu comunidad… Solo da click aquí. ¿Así, o más fácil?

Si radicas en:Estudia Música ONLINE

  • México:
    1.- Banamex
  • Canadá:
    1.- Bank of Montreal
    2.- Scotiabank
    3.- TD Canada
  • Alemania:
    1.- Bank Schilling
    2.- Bankhaus Bauer
    3.- Comdirect
    4.- CWW Privabank
    5.- Dautshe Kredit
    6.- Ellinwanger
    7.- GLS
    8.- Merkur Bank
    9.- MLP Bank
    10.- Postbank
    11.- PSD-Banken
    12.- Sparkassen
    13.- Volks- Und
  • España:
    1.- CAI
    2.- Ibercaja
  • Perú:
    Estudia Música ONLINE1.- BBVA
    2.- Banco de Crédito
    3.- Continental
    4.- Caja Municipal de TACNA
    5.- Caja Municipal de Trujillo
    6.- Scotiabank
  • Colombia:
    1.- AV VILLAS
    2.- Banco Popular
    3.- Banco Bogota
    4.- Bancolombia
    5.- Bancoomeva
    6.- BBVA
    7.- Caja Nacional
    8.- CitiBank
    9.- Colpatria
    10.- Corpbanca
    11.- Davivienda
    12.- Falabella
    13.- GNB
    14.- Helm Bank
    15.- HSBC
    16.- Occidente17.- Pichincha
    18.- Procedito
  • Costa Rica:
    1.- Banco Nacional de Costa Rica
    2.- Banco LAFISE
    3.- Grupo Mutual Alajuela
    4.- Mucap
    5.- Teledolar
    6.- Banco Cathay
    7.- Banco Popular y de desarrollo comunal
  • Panamá:
    1.- LAFISE Panamá
  • Nicaragua:
    1.- LAFISE Bancentro
  • Brasil:Estudia Música ONLINE
    1.- Bco. Brasil
    2.- Banrisul
    3.- Bradesco
    4.- HSBC
  • Holanda:
    1.- ABN AMRO
    2.- ING
    3.- Rabobank
    4.- SNS Bank
    5.- Friesland
    6.- Knab
    7.- Regio Ban
    8.- Triodos Bank
    9.- Van Lanschot
  • Estados Unidos:
    1.- Bank of America

Haz click aquí, y comienza tu proceso de inscripción.

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Ir a la siguiente nota: Galería “Mi instrumento soy yo”

 

Galería “Mi Instrumento Soy Yo…”

 

Durante el mes de noviembre 2013, Musinetwork lanzó la convocatoria: Mi Instrumento Soy Yo,Estudia Cursos de Música ONLINE con el propósito de promover la participación de los estudiantes de la Comunidad MNW para mostrar la diversidad que existe. La intención principal es que los integrantes de la Comunidad mostraran su personalidad a través de sus instrumentos musicales y así poder exponer la multiculturalidad que existe en la música alrededor del mundo.

La respuesta por parte de los alumnos fue bastante buena y recibimos diversas fotografías que nos permitieron conocer más de su persona, su estilo de vida y su lugar de origen. De igual forma, pudimos constatar que, pese a las distintas personalidades y formas de expresión, todos tenemos un lenguaje en común: la música.

Agradecemos su participación y los invitamos a estar pendientes de futuras convocatorias para que sigan compartiendo con nosotros y con toda la Comunidad MNW, sus experiencias y día a día.

Te invitamos a conocer, compartir y comentar el resultado final de la Convocatoria,  solo tienes que dar click aquí. O si lo prefieres, visita nuestro álbum en Facebook.

Para conocer más trabajos de nuestros estudiantes puedes visitar:

http://musinetwork.com/identidad/ 

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Ir a la siguiente nota: Movimiento “A través de mi música… comparto alegría”

 

Movimiento “A través de mi Música…comparto alegría.”

Bajo el lema: ¡Nuestros corazones se unirán y nuestra música se escuchará en cada rincón! Musinetwork invitó a toda la Comunidad MNW a que fuera parte del movimiento: “A través de mi Música…comparto alegría”. Este evento consistió en convocar a todos los integrantes de la Comunidad a organizar una visita a una Casa hogar o a un Asilo de ancianos, cada uno en su lugar de origen, para que con un recital o concierto los llenaran de alegría en  esta época decembrina y compartieran con ellos su pasión por este arte. Con esta actividad, se buscó contribuir tanto al desarrollo integral del estudiante como al de la sociedad, fomentar la unión y el trabajo colectivo de la Comunidad Virtual Estudiantil Musinetwork, y sobre todo el disfrutar de hacer música y compartirla.

Gracias a la respuesta positiva de los estudiantes, el movimiento fue todo un éxito yEstudia Cursos de Música ONLINE recibimos material bastante valioso que nos permitió conocer el lado humano de cada uno de los estudiantes. De esa manera, cada quién aportó su granito de arena para que ancianos y niños sonrieran, bailaran y compartieran su gusto por la música. Agradecemos a todos los que formaron parte de este movimiento, esperamos que haya sido una experiencia grata y les aseguramos que la sonrisa que lograron dibujar en cada persona que los escuchó quedará grabada siempre en su memoria y su corazón.

Musinetwork seguirá realizando actividades que permitan que cada uno de los estudiantes, desde cualquier parte del mundo, contribuya con su sentido humano y con mucha música a la construcción de una mejor sociedad.

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Ir a la siguiente nota: La música y los Derechos Humanos

 

La música y los Derechos Humanos

Las violaciones a los Derecho Humanos son acontecimientos que desafortunadamente ocurren día a día en todas partes del mundo. Por tal razón, Amnistía Internacional ha llevado a acabo 28 conciertos de rock para recaudar fondos y hacer conciencia. Dichos conciertos fueron realizados entre 1986 Y 1998.
El pasado 5 de noviembre, la organización lanzó un paquete con seis DVD y dos CD, llamado “Released!” en los que incluye cuatro de los shows. Estudia Cursos de Música ONLINE

El primero de los videos recuerda “A conspiracy of hope”, el concierto del 25 aniversario de Amnistía Internacional en 1986, con apariciones de artistas como U2, Bryan Adams y Lou Reed.
El segundo muestra los momentos más importantes de “Human rights now!”, tour internacional que abarcó los meses de septiembre y octubre de 1988, y en el que aparecen Bruce Springsteen, Peter Gabriel y Tracy Chapman.
“An embrace of hope”, en octubre de 1990 y con las participaciones de Sting y Sinead O’Connor, tuvo como finalidad mostrar apoyo a Chile tras el final del régimen dictatorial de Augusto Pinochet y es el tercer video del paquete.
Por último, el video de “The struggle continues…” recuerda el concierto conmemorativo de los 50 años de la Declaración Universal de Derechos Humanos, que fue en París en 1998. En este podrás ver a Alanis Morissette, Radiohead, Jimmy Page y, de nuevo, Springsteen.

La duración total de los videos es de más de 12 horas, que incluyen 120 canciones, y cinco horas más de 32 segmentos extra. Los CD contendrán la mejor música de los cuatro conciertos y un libro de 40 páginas.